LA BICICLETA VERDE

 He leído que LA BICICLETA VERDE, la película que inaugura hoy la Mostra de Cinema Jove de Valencia,  ha sido catalogada como una historia preciosa que fascina al público…La historia es preciosa,efectivamente, pero también resulta lamentable y desalentador ver el sometimiento a que están abocadas las mujeres en Arabia Saudí y otros países árabes.

“La bicicleta verde” es la historia de una ilusión y al mismo tiempo una película sensible y reivindicativa. Es  la primera película de la cinematografía saudí  dirigida por una mujer Haiffa Al Monsour que con exquisita delicadeza traza un sutil retrato de la sociedad saudí en que las mujeres se ven obligadas a aceptar el papel superior de los hombres  y de sus leyes … Salvo el marido no pueden ser vistas  sin el velo; no pueden hablar alto si hay hombres cerca; hay que aceptar que el marido se busque una nueva mujer si no le das un hijo varón ;las niñas de diez u once años ya deben comenzar a cubrirse; no pueden montar en bicicleta por si pierden la virginidad;en el árbol genealógico no se contempla a las mujeres; la educación,que imparten las propias mujeres , insisten en todos y cada uno de esos conceptos. Las niñas son educadas para servir al hombre …Son como dos mundos diferentes que solo confluyen en la intimidad de la casa familiar.

La familia saudí,con madre e hija en segundo plano

Haiffa Al Monsour  ha invertido varios años de su vida en poder hacer la película. Cuenta la historia de Wadjda, una niña de diez años  que vive en Riad y que de alguna forma se opone a todos los impedimentos que tiene su condición femenina. Entre ellos el no poder adquirir una bicicleta porque atenta contra la dignidad  de la mujer. Ella busca desesperadamente la bicicleta para poder  ganar en una carrera a su amigo Abdullah, en una relación que también es mal vista por la sociedad saudí.

Wadjda y Abdullah,una relación prohibida

La directora  traza esa radiografía de la sociedad  y describe en particular, las relaciones de Wadjda con su madre y con sus profesoras  en el rígido ambiente escolar, donde uno de los concursos  más apreciados por la dirección y las propias alumnas es el de conocimientos y lectura del Corán.que  reporta a la ganadora una buena cantidad en metálico.

Wadjda sólo busca su bicicleta. En cierta manera me recuerda a un episodio de la película española “Cuentos para una escapada”,en la que un niño quiere conseguir un balón de fútbol. Cuando éste desaparece del escaparate tira el dinero que había reunido. En la “Bicicleta verde” también existe esa ilusión y ese deseo, nada ostentoso, pero prácticamente inalcanzable  para una niña que tiene que atenerse a unas reglas rígidas y agobiantes. Buen debut  Haiffa Al Monsour,la cuestión es saber cuándo podrá volver a dirigir.

SE ESTRENA EL 28 de junio

MI ENCUENTRO CON MARILOU

La nueva película de Jean Becker, “Mi encuentro con Marilou”  mantiene la línea intimista y amable de su filmografÍa que contiene títulos como “Mis tardes de  Margueritte” o “Conversaciones con mi jardinero”. El cineasta francés hace partícipe directo al espectador de todas sus “conversaciones” ambientadas habitualmente lejos de la gran ciudad y llevándonos a la Francia más provinciana.

TAILLANDER CON  SU FAMILIA

En “Mi encuentro con Marilou” ,Jean Becker  nos acerca a un pintor de éxito que con más de sesenta años atraviesa un período depresivo que le impide seguir creando. Se convierte en un ser huraño y desagradable que se mantiene distante con su familia, incluida su mujer, papel que interpreta Miou Miou, una de las actrices francesas más valoradas de los setenta y ochenta tras su interpretación en “Los rompepelotas”(“Les valseures”) con un  también jovencísimo y debutante Gerárd Depardieu.

Taillander(Patrick Chesnais) decide huir de su casa, apartarse de su ambiente  e incluso se plantea si merece la pena seguir viviendo.

Miou Miou con el mejor amigo de su marido,interpretado por Jacques Weber

Conduce horas hasta encontrar el lugar donde comenzó a pintar animado por su abuela, siente que nunca podrá volver a hacerlo. No tiene ganas de nada y bajo la lluvia una adolescente, Marilou, le pide que le lleve al centro de la ciudad. Le cuenta que su madre le ha echado de casa después de discutir con su padrastro que, en el fondo pretende acostarse con ella.

Entre los dos se establece una relación de amistad que les lleve a conocerse y a superar juntos las dificultades que van surgiendo. TaillandIer y Marilou acaban estableciendo una relación de padre e hija y ambos van desgranando los motivos  de sus inquietudes  y esa desesperanza y desconfianza  que tienen en el mundo que les rodea y en sus propias posibilidades.

Taillandier y Marilou 

Tallandier, casi anciano, tiene que aceptar esa condición y el inexorable paso del tiempo. Marilou tiene que crecer, saber que a sus quince años le queda un largo camino por recorrer. Final y principio de la vida se unen en esta historia lineal que, como en todo el cine de Jean Becker profundiza en las relaciones humanas , los sentimientos  y en la posibilidad de que dos seres, desconocidos el uno para el otro, que no tienen nada que ver, puedan encontrarse.




ESTRENO  21 de junio 2013

INSENSIBLES

He tenido que hacer memoria porque la vi hace  varios meses y recuerdo que me produjo una sensación  de inquietud  y desazón.   “Insensibles” es una película sin concesiones al espectador, aunque seguro que más de uno se implicará  en esta ópera prima del hispano-francés Juan Carlos Medina quién aborda  la Guerra Civil española desde una perspectiva diferente y utilizando como Guillermo del Toro (El laberinto del fauno)  o más recientemente Oscar Aibar (El bosque) elementos fantásticos y sobrenaturales .

En  Insensibles , Juan Carlos Medina  entremezcla terror, ciencia ficción y Guerra Civil.  Cuenta como David ( ALEX BRANDEMHUL) sufre un grave accidente  y  precisa urgentemente un trasplante de médula para poder sobrevivir . Es el drama de un hombre que lucha contrarreloj para salvar su vida  al mismo tiempo que se va a acercando a su pasado. Para encontrar respuestas se traslada a un pueblo de los Pirineos en el que,durante la II República, los niños nacían inmunes al dolor y eran encerrados en un manicomio, un edificio agobiante y claustrofóbico  que se convierte en otro de los protagonistas de la película.

El edificio es una metáfora de la infancia como germen traumático y un  submundo  al que acceden  esos personajes que sobreviven entre cuatro paredes, encerrados y escuchando el sonido de las armas y la muerte . No es una película maniqueísta, Juan Carlos Medina considera  que en las guerras  solo existen dos bandos: los inocentes y sus verdugos.”Insensibles” trata de ambos bandos. 

El personaje de Verkano,clave de la historia, enamorado

Su película es una fábula gótica en que la búsqueda del pasado, la identidad y el miedo se entremezclan para configurar un todo. Por su madurez es una película sorprendente para un debutante pero ya he dicho que no es mi cine, que no es el tipo de cine por el que me sienta atraído. Seguro que muchos de vosotros no sois de la misma opinión y colocáis a “Insensibles” como una de las películas del año.

UN INVIERNO EN LA PLAYA .Los escritores buscan el amor)

 Resulta gratificante que alguien quiera ser escritor en estos tiempos que corren. Supongo que los genes y el empecinamiento de un progenitor que escribe, tendrán algo que ver…Así  a grosso modo, se traduce la idea de UN INVIERNO EN LA PLAYA, seguramente el menos apropiado de los títulos después que originariamente la película se llamara  Writers y  posteriormente   “Stock in love”, pero  a alguien se le ha ocurrido establecer una  relación entre  los escritores o los empecinamientos  amorosos  y  la estación invernal .

Padre e hija hablando de literatura o de la vida

Lily Collins(Samantha) y Nat Wolff (Rusty) son los hijos de Greg Kinnear (Bill)  en la película. Los tres son escritores  que trasmiten con las palabras los sentimientos más profundos, pero los tres no encuentran su camino en el amor. 

Dirigida por el debutante John Boone que emplea un tono desenfadado para inspirarse en  su propia experiencia, el divorcio de sus padres, “Un invierno en la playa” muestra como Bill confía en que Erica (Jennifer Conelly) regrese con él a pesar de llevar dos años divorciados. Su hija Samantha  lleva a su máxima expresión eso de que “un escritor es la suma de todas sus experiencias” pero tiene miedo a cualquier relación estable; todo lo contrario de su hermano, tímido y huidizo que escribe poemas a la chica diez del Instituto y tiene a Stephen King como su ídolo.

Los golpes del amor adolescente

En “Un invierno en la playa” tres tipos de escritores, tres concepciones diferentes del oficio de escribir  y el aporte optimista de que los jóvenes pueden tener fácil  el camino hacia la edición. También tres diferentes historias de concebir el amor y el deseo  porque, en el  fondo vida y literatura se entremezclan continuamente 

La facilidad para encontrar  el camino de la literatura, con muchas referencias a Stephen King, ya lo he dicho, un poco de hierba y algo de cocaína; sexo mucho menos que explícito y  chicos y chicas guapos hacen que  Un invierno en la playa , sea un cuento  previsible pero bien resuelto , que nos puede entretener   y  relajar después de una dura semana.

ANTES DEL ANOCHECER

Richard Linklater es un director norteamericano con una docena de títulos a sus espaldas pero con dos y ahora tres que sobresalen por encima del resto. Antes del amanecer(1995)  con la pareja protagonista de la trilogía, Ethan Hawke(Jesse) y Julie Delpy(Céline), nos hablaba del amor de juventud, de esa posibilidad de que dos jóvenes que se conocen en el tren decidan pasar unas pocas horas juntos en una ciudad mágica como Viena, poco antes de que él regrese a Estados Unidos.

Todo empezó en un tren

Se enamoran y deciden reencontrarse seis meses después en la misma ciudad, pero esa cita no llega a producirse nunca .Transcurren  diez años. Jesse es un escritor conocido y firma ejemplares de sus libros en París. Allí está Céline, en su ciudad, y vuelven a verse  en “Antes del atardecer” (2004), en que rememoran aquella noche de romanticismo juvenil, sus ilusiones pendientes ,las primeras heridas,...Una cinta con humor ,diálogos naturales y la música de Nina Simone.

“Antes del anochecer “( 2012), también funciona, aunque los protagonistas (40 y pocos años), son todavía bastante jóvenes para plantearse ese anochecer. Viendo las tres películas te das cuenta que una de las razones de su éxito es que nos hemos sentido identificados  porque todos hemos ido envejeciendo al mismo tiempo que los protagonistas. Se acabó la inocencia, se acabó la pasión  y solo queda el amor y seguramente con más fuerza la amistad y el compañerismo .

Tres películas en una

“Antes del anochecer” es melancólica y al mismo tiempo divertida, muy divertida por los diálogos llenos de ironía y complicidad. Es una película más profunda y penetrante que las anteriores por ese paso del tiempo y la llegada a la madurez de los protagonistas. En esta ocasión Richard Linklater desarrolla la trama en tres grandes secuencias. 

La primera es el viaje en coche de regreso del aeropuerto  donde Céline y Jesse han dejado al hijo de éste para que regrese con su madre a Estados Unidos. En el asiento de atrás viajan dormidas las gemelas de ambos. Están en Grecia donde han sido invitados a pasar unas vacaciones. En ese coche se atisba la complicidad entre los dos y también algunas diferencias como es el hecho de que Jesse plantee que se vayan a vivir a Estadios Unidos para estar más cerca de su hijo.

La segunda es una comida entre amigos, en la casa en que están alojados. Se habla de literatura, de vida, de sexo, de  muerte. Es una comida distendida pero al mismo tiempo profunda y divertida .

La tercera secuencia que resalto es la habitación del hotel  en que se alojan invitados por dos de los amigos. Una noche que debe ser relajante y sensual pero en la que  Céline y Jesse sacan los trapos sucios de casi diez años de convivencia.

Si en las dos anteriores cintas Viena y París tenían gran protagonismo en esta ocasión, Grecia se queda en un segundo plano. No hay un exceso de paisajismo. Linklater  ha preferido ahondar en las relaciones sentimentales de los protagonistas, en que les acompañemos en esa complicidad divertida y en ocasiones agria que trae la convivencia y el paso del tiempo.

Ellos son los protagonistas pero siempre la belleza del mar

"Antes del anochecer", una película pequeñita, dentro de una gran trilogía. No se necesita mucho para armar buen cine. Un guión bien escrito y un grupo de actores, sobre todo los dos protagonistas, que trasmiten su complicidad al espectador. Crecen con los años no envejecen

SE ESTRENA EL 28 DE JUNIO

INCH' ALLAH ( SI DIOS QUIERE)

No son muchas las películas que sobre Palestina se han estrenado comercialmente en nuestro país(“Los limoneros”,”Zona libre”,”La banda nos visita”) por eso resulta gratificante que en estos tiempos , tan difíciles para el cine independiente en nuestro país, haya distribuidoras que nos refresquen la memoria sobre un conflicto que parece no tener fin.

“Inch’ Allah”  (Si Dios quiere) es una coproducción franco-canadiense que no deja de ser  una mirada de los occidentales, a  través de los ojos de una joven ginecóloga, de la situación en que viven los refugiados palestinos y la vida de los israelíes al otro lado del muro.

Chloe con su amiga israelí

Chloe con sus amigas palestinas

Chloé, Evelyne Brochu,estupenda actriz, es la joven ginecóloga que vive en Israel  y que diariamente se traslada a un campo de refugiados palestino donde atiende a las embarazadas como Rand(Sabrina Ouazani) que se convierte en su amiga. Al mismo tiempo mantiene amistad con su vecina una soldado israelí Ava(Sivan Levy) con la que sale y conversa  habitualmente.

Poco a poco esa mirada neutra va tomando posiciones. Esa relación con personas que se encuentran a ambos lados de los muros y puntos de control del campo de refugiados irán cambiando sus convicciones y  su aparente falta de implicación. No es una película maniquea, pero la balanza se va volcando hacia el lado palestino.

La directora  Anais Barbeau-Lavalette, que procede del campo documental, hace que “Inch’Allah” mantenga esa línea entre la ficción y el reportaje documental. Anais Barbeau dijo que su película refleja “todas las ambigüedades de una situación. Una mezcla de amor y de odio; de fascinación y de enfrentamiento. Cuanto más veía, menos entendía, pero más quería sumergirme en ese mundo”

Si nos sumergimos en ese mundo veremos cómo los palestinos viven en condiciones infrahumanas sobreviviendo si Dios quiere porque nadie de la comunidad internacional es capaz de tratar con justicia una situación que persiste desde hace sesenta años. Se les han quitado sus tierras, sus niños mueren por lanzar piedras a los carros de combate israelís; las mujeres tienen que parir en un  coche porque se les impide el acceso al hospital y  cada día pueden esperar un ataque indiscriminado  en represalia a los atentados palestinos, que nacen de la desesperación y la impotencia.

A Chloe se le dice “no es tu guerra. No te llenes el plato con nuestra mierda”. Todos estamos rebozados por no mirar .Por eso conviene que veamos “Inch Allah”.

POPULAIRE: El reino de las secretarias

Los franceses, como los americanos, con argumentos simples consiguen  sacar un buen producto comercial. POPULAIRE otro de los éxitos de la cinematografía francesa llega a las carteleras  españolas con la historia de una mecanógrafa que escala a las más altas posiciones desde un pequeño y escondido pueblo de la Baja Normandía…

Estamos a finales de los cincuenta y muchas jóvenes consideran que ser secretaria es una profesión moderna y  que es a lo máximo a lo que pueden aspirar.  Rosa Pamphile (Deborah François), tiene 21 años, vive con su padre, viudo, que regenta un pequeño bazar  y que quiere que se case con un joven del pueblo. Rosa ,en cambio,tiene claro que su futuro es no ser un ama de casa sumisa y aplicada y decide presentarse a unas pruebas para secretaria en Lisieux, la ciudad más importante de la zona. Resulta un desastre como aspirante  pero escribe a gran velocidad lo que llama la atención de Louis Echard ( Romain Duris) que se convertirá en su jefe y entrenador para competir en los diferentes campeonatos que se celebran para elegir la mecanógrafa más rápida.

Una protagonista en la línea cándida y simple de Ámelie, pero con ganas de aprender, que va haciéndose una carrera como la mecanógrafa más rápida de la región y que después, como si el mundo viviera en torno a las pulsaciones que alcanzan por minuto las secretarias, compite en pruebas internacionales, lo que hace interminable la película que se acerca a las dos horas de duración. Y es que  POPULAIRE, opera prima de Regis Roinsard,  resulta reiterativa, superficial y previsible,  una pena porque  la historia podría haber dado resultado por el  tono candoroso, romántico  y retro que plantea .

Por una vez el jefe no es un “lobo” que quiere atrapar en sus redes o en la cama, que es lo mismo, a la inocente chica de provincias. Guarda su propia historia y la de un amor frustrado, pero es un tipo legal aunque egoísta porque su  objetivo es que Rosa sea  la mejor de las mecanógrafas y que gane en todas las competiciones.

Por cierto.¿Qué ha sido del sonido de las máquinas de escribir y de esa velocidad de antaño?
  En el fondo creo que no hemos cambiado tanto si observamos a nuestros vecin@s  del metro o el autobús …Cómo manejan los móviles!!!!!!! . Los pulgares son la taquigrafía moderna. Eso sí, bastante más silenciosa.

En sus puestos.Preparadas,listas...ya 

HIJO DE CAÍN

Viendo “Hijo de Caín” la pregunta  más directa sería ¿es usted el asesino?. Porque en la película del debutante Jesús Monllaó Plana parece desde el inicio que el malo es muy evidente pero a medida que avanza parece que hay otro peor  y si continuamos volvemos al principio. Nada es lo que parece ¿o si?

El tarraconense Jesús Monllaó concibe “Hijo de Caín” como una gran partida de ajedrez, en que el más inteligente va moviendo los personajes a su antojo, utilizando todas sus armas y con el inequívoco objetivo de matar al rey. En el filme se ven influencias de algunos thriller de los ochenta-noventa , más en la forma que en el fondo. Títulos como   “La caja de música” de Costa-Gavras o “Instinto básico” de Paul Verhoeven  describen, como en “Hijo de Caín”, a “falsos culpables”  que  parecen sometidos a  una conspiración o una presión injusta.

En “Hijo de Caín” la protagonista es una familia acomodada que comienza a romperse por la actitud del hijo adolescente. Nico (David Solans) tiene una postura distante y fría, especialmente con  su padre (José Coronado)  que les lleva al enfrentamiento mientras la madre (María Molins) asiste casi impotente al progresivo deterioro de la relación familiar en que la hija pequeña (Helena de la Torre) es un testigo mudo de lo que ocurre. 

La  contratación de un  psicólogo para que trate al joven parece reconducir la situación, aprovechando la  afición común que sienten  por el ajedrez. Julio (Julio Manrique) incorpora progresivamente a su exclusivo círculo a Nico que ve que el ajedrez y su entorno son una filosofía de vida.

El ajedrez como metáfora de la vida en este thriller psicológico en que todos los protagonistas tienen un secreto que ocultar.  Es trabajo del espectador ir desentrañando  la trama  de Jesús Monllaó basada en la novela “Querido Caín”, de Ignacio García-Valiño

360. JUEGO DE DESTINOS.El nuevo filme de Fernando Meirelles

Sólo se vive una vez. ¿Cuántas oportunidades tenemos en la vida?  Un sabio dijo que si encontramos una encrucijada en la carretera, tomemósla. Se le olvidó mencionar que dirección debíamos tomar. ¿Quién sabe cómo serán nuestros caminos?, ¿Hacia dónde nos llevarán?.

Algunos de los personajes de “360º. Juego de destinos” llegan a su encrucijada y eligen el camino. Sobre esta  propuesta se mueve “360º. Juego de destinos”, la última película del  brasileño Fernando Meirelles ( “Ciudad de Dios”,”El jardinero fiel”, “A ciegas”) que interrelaciona varias historias sobre el amor y las relaciones de pareja en el siglo XXI, en diferentes ciudades y países ,Viena, París, Londres, Bratislava, Río de Janeiro, Denver, Phoenix, seis idiomas diferentes en esta Torre de Babel  de la globalización, en que lo que afecta a uno alcanza a todos.

“360.Juego de destinos”  comienza con una chica eslovaca sometiéndose a una sesión fotográfica de desnudos para ofrecerse en internet. Su primer cliente es un ejecutivo londinense(Jude Law) que se enfrenta a la dura decisión de continuar siendo fiel a su mujer (Rachel Weisz) con la que lleva varios años casado.  El lugar elegido al inicio es Viena, ciudad que abre y cierra la historia que relata Fernando Meirelles.Un circulo que tiene otros muchos eslabones.

Jude Law y Rachel Weisz,una pareja que se aburre

La mujer tiene un joven amante brasileño en Londres; la novia de éste se harta y  decide volver a Río. En el aeropuerto conoce a un inglés(Anthony Hopkins) que viaja a Phoenik para saber si el cadáver encontrado en esa ciudad corresponde al de su hija desaparecida hace varios años. La escala en Denver se  alarga por una espectacular nevada que le atrapa como también a un maníaco sexual que tiene su primer permiso carcelario. Paralelamente en París un dentista magrebí está enamorado de una mujer rusa que está a punto de romper su matrimonio con el guardaespaldas de un mafioso, también  ruso . 

Una prostituta eslovaca en Viena

Personajes y situaciones globales. Todo está ocurriendo  y  hay una interrelación que permite que cualquiera pueda estar en cualquier lugar y como nos propone Meirelles ser conscientes de que sólo se vive una vez.

“360º. Juego de destinos” tiene una impecable factura técnica  ; mejor montaje y  excelentes actores. Fernando Meirelles siempre los ha elegido bien. Jude Law, Rachel Weisz,Anthony Hopkins  y todos los desconocidos, para mí , que les acompañan componen un fresco de este siglo XXI. Meirelles sigue consolidando su oficio y para ello se sustenta en obras literarias “Ciudad de Dios”(Pablo Lins); “El jardinero fiel” (John le Carré) , A ciegas(José Saramago) y ahora ha buscado inspiración en el clásico “La ronde”, una obra escrita en 1900 por el austríaco Arthur Schnitzler , que llevara al cine en 1950 Max Ophüls.

UN AMIGO PARA FRANK

La presencia de un robot como sustitutivo del ser humano siempre me ha causado cierta prevención cuando sustenta el argumento de una película.   No es el caso de “Un amigo para Frank”  una divertida y al mismo tiempo profunda comedia  que se sitúa en un futuro muy cercano, podría ser hoy mismo, y que cuenta como un robot se convierte en el compañero inseparable de un anciano solitario y taciturno que  no acepta la dependencia de nadie y que busca mantener su modo de vida a pesar de que sus facultades van mermando progresivamente.

Frank -Frank Langella, excelente en su papel-  es atendido esporádicamente por sus hijos (Liv Tyler y James Mardsen)  que viven a considerable distancia de su ciudad. El solitario Frank rechaza  en un principio el regalo del robot pero poco a poco  ve como se hace imprescindible en su vida, convirtiéndose en un amigo y un cómplice al que va enseñando sus habilidades.

“Un amigo para Frank” que se vio en Sundance y obtuvo el premio del público en el festival de Sitges, más que de ciencia ficción es una película realista porque no va a pasar mucho tiempo en que los ancianos, en una sociedad cada vez más envejecida e informatizada, acaben siendo atendidos por algún tipo de artilugio electrónico. Tampoco parece augurársele un gran futuro al libro de papel y a las bibliotecas tradicionales. Ellos son una de las escasas pasiones de Frank  que tiene en su rutina acudir periódicamente a la biblioteca del pueblo, atraído además por la bibliotecaria (Susan Sarandon)) ,que ve peligrar su puesto y forma  de trabajo ante la llegada de nuevos y modernos propietarios.

Frank, junto a su amigo el robot, comienza a elaborar un plan para vengar a su amiga y ridiculizar a los nuevos  dueños de la Biblioteca. Ah dirige, y bien, el para mí desconocido Jake Schreier.

"LA ESTRELLA" : Ingrid Rubio

 Siempre tuve debilidad por Ingrid Rubio, a la que considero una actriz completa. La entrevisté a finales de los noventa y primeros dos mil cuando fue reconocida por sus actuaciones en películas como “Todas las azafatas van al cielo” o “El faro del sur”, ambas realizadas por cineastas argentinos, Daniel Burman y Eduardo Mignona,respectivamente. En especial y gracias a la magia de la radio recuerdo la conversación que mantuvieron ,en uno de los programas que hacía por aquella época, el desaparecido Mignona, en Buenos Aires  e Ingrid en Barcelona para hablar de su trabajo conjunto.

Después Ingrid estuvo en títulos como “Salvador”, “Tirante el blanco”, “El alquimista “impaciente o “La playa de los galgos”  pero no había vuelto a verla con la fuerza  de aquellos primeras películas hasta ahora en que he asistido al pase de “La estrella”, opera prima de Alberto  Arévalo  que se sitúa en la periferia de Barcelona, en Santa Coloma de Gramanent, en 2002,  una ciudad que se fraguó en los años cincuenta con la llegada de inmigrantes de las zonas más depauperadas de España .

Ingrid Rubio combina la sonrisa, la tristeza, la soledad, el deseo, la sensualidad, la pasión con idéntica naturalidad. Hace creíble su personaje, el de una limpiadora del cementerio, enamorada de un joven ambicioso(Marc Clotet) que encuentra trabajo como ejecutivo en una empresa constructora y amiga de sus amigas, de la gente del barrio en que se crió. En Santa Coloma, “Estrella” mantiene sus raíces  aunque sus padres regresaran a Andalucía, a Carmona, cuando alcanzaron la jubilación.

Marc Clotet  e Ingrid Rubio

“La Estrella” tiene un guión cuidado y creíble, escrito al alimón por Alberto Arévalo y Belén Carmona ,la autora de la novela en que se basa la película. Prevalece el personaje de Estrella pero los secundarios, empezando por Carmen Machi (Trini)  contribuyen a la buena factura de la película.  En “La Estrella”  se hace referencia  a hechos reales como la revuelta vecinal contra la instalación de una mezquita , que tuvo tintes racistas y que al parecer estuvo promovida por una empresa constructora que necesitaban el local para continuar con su plan especulativo en la zona.  Se hicieron algunos documentales sobre el tema como “Mezquita,no”. En “La Estrella” hay también referencias al negocio del ladrillo, tan boyante aquellos  años o a cuestiones como el  maltrato a mujeres  y  el espíritu machista de la sociedad.

“La estrella” es un relato de la otra Barcelona,alejada del lujo de Paseo de Gracia, el Puerto Olímpico o Pedralbes. A poco más de 10 kilómetros está Santa Coloma de Gramanent ,una ciudad que nos retrotrae a las novelas de Juan Marsé y a ese otro mundo que parece taparse u olvidarse.

Un mundo en que Estrella tiene nombre de cerveza porque su padre amaba esa cerveza catalana, por encima de cualquier otra…. Otros en Andalucía podrían haber llamado a su hija Cruz  y  en Madrid lo tenemos más difícil  aunque no con menos espuma, cuando recurrimos a la Mahou…. “La” estrella es una caña bien tirada.

EL GRAN GATSBY ( THE GREAT GATSBY)

El Gran Gatsby es Hollywood. Posee todos los medios posibles para que asistamos al estreno de una gran superproducción. No se han escatimado esfuerzos y sobre todo dólares ( 127 millones ) para volver a llevar a la pantalla la novela de Scott Fitzgerald, en la que brilla el dinero pero sobre todo una época  que con el paso del tiempo observamos viva,creativa y optimista.

Tenía mucho miedo a  Baz Luhrmann  que se pierde por los excesos, por la parafernalia, los efectos especiales y los sonidos estridentes como me demostró en Romeo y Julieta y Moulin Rouge …En eso no me he equivocado pero, pese a ello, la esencia de la novela está en esta nueva versión cinematográfica del director australiano.

Es como si hubiese dos películas en una. Las fiestas resultan estridentes, artificiosas y vacías. Mucho colorido, fuegos artificiales y música ruidosa en lugar de los sonidos del jazz que no han parecido atraerle al cineasta. Esa película es la que se puede ver en 3D, con gafas al uso y reclamo de adolescentes.

La otra película es la que se queda sin el envoltorio y recupera la fuerza de los personajes, no todos, pero si  el de Jay Gatsby con un Leonardo DiCaprio que crece continuamente. Gatsby es la historia de una pasión. 

Ninguna mujer ha sido tan amada como Daisy Buchanam , interpretada por Carey Mulligan ( An Education). Es pasión, es deseo, es obsesión  por una mujer que le amó y por la que hace todo con la esperanza de recuperarla.

Son los años veinte, los felices años veinte previos al crack del 29. Nueva York es una fiesta y Gatsby representa el éxito, el sueño americano. Se reinventa continuamente a sí mismo  sin un pasado al que agarrarse. Ha conseguido todo pero le falta recuperar ese amor tan extremo y absoluto.

Nick Carraway( Toby Maguire), aspirante a escritor y personaje  creado para esta nueva versión de “El gran Gatsby” es el narrador de la historia ,el celestino y árbitro de los amores entre Gatsby y Daisy. Quiere estar al margen  pero  se siente irremisiblemente atraído por la personalidad de Gatsby.

“El gran Gatsby”  describe el poder del dinero; la sensación de que con él todo se puede comprar y  los dos o tres mundos que giran a su alrededor …

Los desheredados de siempre, los habitantes del Valle de las Cenizas ; el joven triunfador que ha borrado su pasado ; y los poderosos  y prepotentes  representados por Tom Buchanam (Joel Edgerton),el marido de Daisy que desprecia a Gatsby por sus orígenes inciertos . Es aquello de “todavía hay clases” y ese aspecto queda muy bien reflejado en la película de Baz Luhrmann que ha tomado el relevo de la que protagonizaran Robert Redford y Mia Farrow en 1974 y de otras versiones que nunca he visto como la de 1949 con Alan Ladd como Gatsby o más atrás la versión muda que dirigió Herbert Brenon en 1926, tan solo un año después de que Scott Fitzgerald publicara la novela.

LA FOTÓGRAFA : EL LENGUAJE DE LAS IMAGENES

La relación víctima-verdugo ha dado algunos títulos relevantes en el terreno cinematográfico. Recuerdo “Portero de noche”, de la italiana Liliana Cavani; "La muerte y la doncella”, de Roman Polanski o la impactante y menos conocida “Garaje Olimpo”, del argentino Marco Bechis…  Historias de torturas, violaciones, asesinatos que han  quedado impunes. ¿Qué ocurre cuando  nos reencontramos con el torturador?...¿Qué sucede cuando descubrimos un pasado oculto que puede cambiar tu vida?

Fernando Baños es un  cineasta de origen asturiano que acaba de presentar su primera película,   “La fotógrafa”, en que nos propone investigar con él la historia de una joven y su madre, recién fallecida, a través de unas fotografías que encuentra en la antigua casa de sus abuelos, donde residió cuando era niña. Baños apuesta por el lenguaje de las imágenes que hablan con más fuerza que las palabras.

En el arranque de la película observamos una casa solitaria en un páramo castellano, un plano fijo sobre  un  espacio en el  que dejamos el poso de nuestra existencia pasada. El siguiente plano es el rostro de una mujer joven a la que escudriña el espectador junto a la propia cámara.   Vemos también fugazmente una niña que es el pasado  y un hombre mayor que busca a la dueña de la casa que ya no está, que acaba de morir, aunque la cámara la recuerde a través de los objetos que ha dejado antes de su muerte.

Kath desnudando el pasado

Los objetos definen la vida de quienes nos han dejado. Son la memoria que la madre perdió y que antes  de que llegara esa pérdida de identidad, fue desnudando a través de las fotografías que hizo a lo largo de sus vida . Cada foto tenía su propia historia aunque hay una que le llama la atención, la de un joven que golpea un camión de policía, durante el “corralito” argentino de 2001.  Kath (Zay NUba) se propone conocer  cuál es la historia que esconde esa foto a su regreso a Argentina, donde vive. Propone al espectador indagar con ella, revisar esa imagen del pasado.

Esa foto nos sitúa en el momento en que se hizo ; en el tiempo actual y en un pasado que nos retrotrae  a 1981, en plena dictadura militar.

Fernando Baños no utiliza imágenes violentas. Sugiere. La imagen y  en segundo plano, la palabra. Pregunta y nos pregunta  ¿qué relación existe entre esa imagen , tomada por Sara,la madre y la fotografía en cuestión?.

Como “Los ilusos”, de Jonás Trueba, que he comentado en este mismo blog,  Fernando Baños nos hace una propuesta diferente que busca más la implicación del espectador que la propia comercialidad de la película. “La fotógrafa” es diferente . Tan solo cuatro semanas de rodaje, actores poco conocidos y una propuesta estética y narrativa alejada de cánones tradicionales. No es de extrañar que sea Pere Portabella uno de sus principales valedores.

MAREA LETAL ( "DARK TIDE")

No voy a mentir si digo que cada vez me cuesta más ir a ver una película con el sello de Hollywood. Hay  superproducciones  que bueno, te dices a ti mismo, es que estaban los grandes y los dólares le dan una factura técnica impecable, pero hay otros muchos títulos, la mayoría , que no acabas de asimilar, porque tienes la sensación de que siempre ves la misma película.

Los "apagados"Olivier Martinez y Halle Berry

Me ha ocurrido con “Marea letal” ( Dark tide) una película que suponía previsible pero que supera todas las expectativas. He acudido animado por la presencia de Halle Berry , a la que recuerdo por su atormentado papel en Monster’s Ball,que le valió el oscar, o saliendo de las aguas playeras gaditanas, aunque representase parajes más exóticos, en un James Bond de Pierce Brosnan. Emuló a Ursula Andress en  Dr No, y su bikini no la dejó muy atrás, pero ahora en “Marea letal”, se la ve mucho más apagada y con falta de química, con  su pareja en la vida real, que es el protagonista, Olivier Martínez.

Resumo la película.  Chica ( Halle Berry) estudiosa de los tiburones, capaz de nadar junto a ellos sin ninguna protección. Claro, ocurre, que no todos los tiburones están por la labor y uno de sus colaboradores muere como consecuencia de un ataque.

Rompe con  todo y con todos, incluida su pareja (Olivier Martínez) y se dedica a ser guía turista, en su país Sudáfrica, enseñando los leones marinos a los escasos pasajeros que suben a su barco.

Está a punto de perder la embarcación por las deudas pero en eso aparece ,un  año después, su  ex pareja, acompañado por un multimillonario que le hace una oferta difícilmente rechazable y que hace que vuelva  a acercarse a los tiburones… Después ya podéis imaginároslo… Agua, más agua, olas, tempestades y por supuesto enormes tiburones que no nos hacen añorar el de Spielberg…

Dirige John Stockwell. Lo digo por si, en algún momento, se convierte en director de culto y nos pilla desprevenidos.

DÍAZ. NO LIMPIEÍS ESTA SANGRE

Esta semana hay dos películas que se refieren a conflictos sociales, a cuestiones que de una u otra forma afectan a toda la sociedad. Ya me he referido en este mismo blog( ver 8-04-13) a la película “Rebelde” que denuncia la situación de los niños-soldado, una realidad que es mirada con  cierta distancia desde Occidente, donde solo parece que  afectan las cuestiones directas.

Posteriormente he asistido al pase de “Díaz: No limpieis esta sangre”, que relata la brutal actuación de la policía italiana durante la cumbre del G. 8 en Génova durante 2001.

La policía italiana asaltó una de las sedes del Foro social, cumbre paralela al G8, que congregó a millares de manifestantes,  al considerar que los que estaban dentro eran miembros de  los grupos antisistema, y  no un grupo de unas noventa personas entre estudiantes ,en su mayoría extranjeros y  algún periodista que se preparaban para pasar la noche en la Escuela Díaz, ante la imposibilidad de encontrar otro tipo de alojamiento en la ciudad italiana

Preparados para el asalto

“Díaz: No limpieís esta sangre”, galardonada con los premios del Público en los festivales de Berlín y Valladolid, se inicia con la actuación de un grupo anti-sistema destrozando un banco y algunos coches. El director Daniele Vicari muestra la actitud violenta de los anti-sistema , censurable a todas luces, como contraste a la actitud de la inmensa mayoría de los jóvenes que se reunieron en Génova para mostrar su repulsa a la reunión del G8,  al considerarla ajena, junto al FMI y el Banco Mundial, a todos los problemas sociales que afectan a la humanidad como la pobreza, la violación de los derechos humanos o el creciente deterioro del planeta.  Vicari, que incluye imágenes reales en su película, describe lo que ocurrió desde el punto de vista policial; de los manifestantes; los periodistas y las víctimas a consecuencia de la actuación indiscriminada y violenta de la policía contra los jóvenes que asistían de forma pacífica al foro  antiglobalización.

Cuerpos golpeados.Misión cumplida

El director italiano describe como una botella lanzada contra una patrulla de policía, pocas horas después de que muriera por un  disparo el joven manifestante Marco Giuliani, fue la excusa que dio origen a una de las más violentas actuaciones de las llamadas fuerzas del orden italianas que, tras irrumpir en la Escuela Díaz, golpearon con saña a todos, hombres o mujeres, jóvenes o viejos ,estudiantes o periodistas. Muchos fueron hospitalizados y otros continuaron siendo vejados y golpeados en la cárcel a la que  fueron trasladados.

Para justificar lo injustificable la policía afirmó que eran integrantes de los grupos anti-sistema, el llamado Bloque negro, e  introdujo pruebas falsas en la Escuela Díaz, como barras de acero o herramientas, que después se supo pertenecían a la empresa que estaba restaurando el edificio, o dos cócteles molotov .

Querían más.Las torturas,las vejaciones siguieron en comisaria

Hay varias sentencias internacionales que condenan al estado italiano y siete años después de aquellos brutales sucesos un tribunal italiano condenó exclusivamente a 15 funcionarios por abusos de autoridad, violencia, ultrajes y torturas. El proceso sigue en marcha y todavía ninguno ha ingresado en prisión.

Daniele Vicari, como hiciera hace unos años Stuart Townsend con “Batalla en Seattle”, denuncia los abusos y la impunidad policial en la sociedad occidental. El cine contribuye a que no se olviden hechos como los relatados, calificados por Amnistía Internacional como la “suspensión más grave se los derechos democráticos en un país occidental, desde la finalización de la II Guerra Mundial” . “Díaz. No limpies esta sangre” es una película de ficción, aunque los hechos que relata no son imaginación fueron realidad .

NO LIMPIEÍS ESTA SANGRE

DOS MAS DOS.NUEVA COMEDIA ARGENTINA

El cine argentino suele tener buena respuesta entre los espectadores españoles…Estamos asistiendo a la irrupción de una nueva generación de cineastas que, en el terreno de la comedia, está dando buenos resultados como son las casos de Juan Taratuto ( “No sos vos. Soy yo”, Damián Szifron(“Tiempo de valientes”)  o el propio Diego Kaplan que se presenta ahora en España con “Dos más dos”. Un cine que entretiene pero algo alejado del calado social de otros realizadores de la generación anterior como Campanella, Burman o Carnevale,por citar tan solo a tres de los más conocidos entre nosotros.

“Dos más dos”,  de Diego Kaplan ha sido la comedia del año en Argentina y con ese referente llega a nuestras salas para narrar la historia de dos parejas, que superan los cuarenta y  que buscan nuevos alicientes en sus relaciones sexuales y de paso en su convivencia después de más de diez años de matrimonio….

CENA ENTRE AMIGOS

El director alude a una moda del siglo XXI, llamada el swinguerismo, el intercambio de parejas, que ya tuvo su experiencia allá por los años setenta en España, incluso con algunas películas como  “Frente al mar”, de Gonzalo García Pelayo. Con ese planteamiento vemos como dos parejas de amigos que se reúnen para ir al cine o para cenar los fines de semana deciden, después de muchas dudas, sobre todo por parte de uno, intercambiarse las parejas pero, eso sí, que cada uno vea lo que está  haciendo el otro. No hay trampas y no hay mentiras.

El resultado es una comedia de situaciones, con diálogos rápidos y divertidos y con un reparto que encabeza Adrián Suar, que es uno de los actores más populares de Argentina, sobre todo por series de televisión , y en particular del Canal 13, el de mayor audiencia en este país sudamericano y del  que es responsable de programación . Suar es el único de los cuatro personajes protagonistas  de “Dos más dos” que se muestra reticente al intercambio de parejas algo que se practica minimamente en Argentina pero como el propio Suar ha dicho la película utiliza este vehículo para hablar de un tema universal : las fantasías.

Los amigos son los amigos

Pues nada a entretenerse. Que yo sepa la imaginación todavía no está prohibida. Y si no, podemos irnos a 1969 y rebuscar en nuestra videoteca un título de Paul Mazursky. “Bob,Carol,Ted y Alice”. Ya,en aquel  tiempo tan lejano, las parejas tendían a agrandarse.

LA MULA y MARIO CASAS

El día 10 ,de este mes de mayo, se estrena  “La mula”,  tres años después de que se terminara su montaje. La película no tiene director porque el inglés Michael Radford ( El cartero) tuvo desavenencias con la productora  ,aunque dejó instrucciones precisas sobre las escenas que faltaban.

En esta rocambolesca historia apareció en escena, para acabar la película, un  nuevo director, con pasamontañas incluido, para que no se conociera su identidad. Después se ha sabido que era el francés Sebastián Grosset y para más “inri”, la mula Valentina, una de las principales protagonistas de la película, pasó a mejor vida , por lo que hubo que sustituirla.

Todos estos despropósitos culminaron en que Michael Radford se opusiera a la versión final del montaje y  consiguió que un tribunal inglés paralizase el estreno previsto para la Mostra de Cinema Mediterrani de Valencia de 2010. Ahora .la película, se ha presentado en el festival de cine español de Málaga como “sin director”.

Mario Casas y "Valentina"

Bueno, pues a pesar de todo ello tengo que decir que “La mula”  ha resuelto bastante bien las innumerables coces que ha recibido. Está basada en la novela del mismo título del escritor Juan Eslava Galán  que ha sido coguionista de la película y que ha querido contar la historia que vivió su padre durante la Guerra Civil.

Aunque por enésima vez una película española vuelve a tener como argumento la guerra civil, son pocas las que han utilizado el humor para narrar aquel conflicto que ha marcado nuestra historia. Por eso, salvando las distancias, “La mula” contiene elementos de” La  vaquilla” la película de Berlanga o de otras obras que han buscado un lado más humano de los dos bandos como aquella “Biba la banda”, de Ricardo Palacios. Y es que el humor, la comedia es también una manera de hablar de la tragedia.

  “La mula” se sustenta  en  el cabo Juan Castro, personaje que interpreta Mario Casas, un campesino  que  se ha visto abocado a enrolarse en el bando nacional, sin ser de derechas …Varios de sus amigos combaten junto al gobierno de la República y no puede sentirse enemigo de ellos. Es un joven con poca cultura, casi analfabeto, como muchos de los españoles de aquellos años, que  ayuda a sus amigos, sin importarles su condición  y que el hallazgo de una mula en tierra de nadie hace que se plantee protegerla para llevársela consigo una vez termine la contienda. 

María Valverde amor en la película y en la vida real

Sin que se deje de mirar en ningún momento la crudeza de la guerra,” La mula” nos permite  esbozar más de una sonrisa. Mario Casas crece como actor y yo no es solo un rostro y un ídolo para adolescentes. En el reparto le acompañan María Valverde, la chica de la que se enamora y que se convierte en otra de sus obsesiones más que el propio avance de la guerra o buenos secundarios como Secun De la Rosa. Con algún que otro fallo técnico y quizá del propio guión, ”La mula” nos acerca a la picaresca y la figura del antihéroe que  fue seña de identidad de muchos de los españoles que intervinieron en aquella  cruenta Guerra Civil.