Una mirada a
nuestro cine que responde con buenas taquillas a quienes se muestran escépticos
y críticos con la industria audiovisual
En “ La niña de tus ojos”, aquella notable película de
Fernando Trueba, Antonio Resines, director de cine respondía a María Barranco, que interpretaba a la mujer
del embajador de España en Berlín, cuando ésta, despectivamente, decía que los
españoles solo hacían “españoladas” . “Y que quiere- respondía Resines- que
hagamos en el cine español, alemanadas, hungoradas…”
Es cierto
los españoles hacemos “españoladas”, algunas muy notables, otras lejos de los estándares
de calidad, pero que le vamos a hacer es un cine en el que cabe todo y que
llevamos haciendo desde que todavía no sabía hablar. Es el cine que año tras año nos da
satisfacciones y alguna que otra decepción.
Quienes
critican las subvenciones al cine español deben saber que el audiovisual es una
industria como otra cualquiera. Sectores como la agricultura, el automóvil o la
metalurgia reciben subvenciones por parte del estado. Para clarificar, el cine
español recibió el año pasado un total de 85 millones de euros muy por debajo
del que recibió la industria francesa, 315 millones o la alemana que superó los
180 millones.
¿Es dinero,
pero que hubiésemos hecho durante la pandemia y el confinamiento sin películas
o series?¿Cómo hubiésemos soportado
semanas y semanas encerrados en nuestras casas sin haber podido buscar algún
entretenimiento como historias de amor, de suspense o incluso de películas que
nos permitiesen reír.
El cine
interesa a todos y resulta absurdo escuchar que no interesa a nadie, y en
`particular cuando quién lo dice se refiere al cine español. En ese contexto no
se explica que “La bola negra” haya recaudado, de momento, 26 millones de euros
, tan solo cuatro millones menos que “Torrente, presidente” que es su antítesis
en cuanto al cine que propone. Ha habido otras películas con altas
recaudaciones como “El ser querido”, “Aída y vuelta” o la cinta de animación
“Tadeo Jones y la lámpara maravillosa”.
Las
recaudaciones millonarias desmienten la falta de interés por nuestras películas
y para quienes afirman que no tiene repercusión fuera del ámbito nacional,
recordaría que, en los últimos años las películas españolas han sido nominadas
a los Oscar o premiadas en los festivales más importantes del mundo como son
Cannes, Berlín o Venecia. Nombres como los Pedro Almodóvar, Oliver Laxe, Carla
Simón, Rodrigo Sorogoyen, Alauda Ruiz de Azua, Albert Serra , Juan Antonio
Bayona o Javier Ambrosi y Javier Calvo cuentan con un sólido prestigio en el
panorama internacional.
Sus
películas son entretenimiento, pero también difusoras de la cultura con marca
España.
Con octubre y noviembre nuestra geografía se puebla de
festivales cinematográficos. A Sitges, ya en marcha, se suma la semana que
viene Valladolid y posteriormente Sevilla, Huelva o Gijón.
Todo un maratón de certámenes que nos traerán lo mejor del
cine de terror o las novedades europeas o iberoamericanas. La mayor parte no
llegarán a nuestras salas y si las veremos en las plataformas que tenemos en
nuestros hogares.
Se ve más cine que nunca, pero ha cambiado la manera de
verlo.
Esta semana también he ido a la vieja sala oscura.
LA
INVITACIÓN (EEUU,2026,108’)
DRA.:
Olivia Wilde
INT.:
Olivia Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz, Edward Norton
GÉNERO:
Comedia Dramática
Hemos visto
versiones italianas, francesas e incluso coreanas. Faltaban los estadounidenses.
La invitación es la versión norteamericana de Sentimental, la
película que dirigió Cesc Gay en 2020, basada en su propia obra de teatro, “Los
vecinos de arriba”
La película
que nos ocupa, dirigida por la actriz Olivia Wilde, quién ya ha dirigido con anterioridad
otros dos títulos Super empollonas (2019), y en 2022, No te preocupes
querida resulta fiel al filme original, aunque amplia algunas de las ideas ya
esbozadas por Cesc Gay ... VER COMENTARIO APARTE
EL MAL
HIJO (ESP.,2026,106’)
DIR.:
Jaime Lorente
INT.:
Miguel Ángel Puro, Susi Sánchez, Hugo Arbués, Oscar de la Fuente. Chechu
Salgado
GÉNERO:Drama
Jaime Lorente da el paso a la dirección
con El mal hijo, un drama sórdido y oscuro que cuenta la historia de
Rubén, un niño de 11 años al que la misteriosa desaparición de su padre , le
obliga a mudarse con su abuela , a la que apenas conoce, a una vieja caseta de
labriegos.
Una infancia
difícil y compleja que da paso a una edad adulta de un personaje desarraigado,
alejado de su madre y su pareja , sin tener noticias del paradero de su padre y
encontrando la protección de su abuela, estupenda Susi Sánchez, a la que cuida
en sus últimos años.
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STREET
FIGHTER (EEUU,2026.119’)
DIR.:
Kitao Sakurai
INT.:
Noah Centineo, Andrew Koji, Callina Liang, Joe Anoa’i, Davis Dasmalchian, Cody
Rhodes
GÉNERO:
Acción, Fantástico
Supongo que
todos los aficionados a los videojuegos saben mucho mejor que yo que, en esta
película no falta la acción y las peleas entre hombres musculosos, y alguna que
otra mujer, en sus caídas y aparatosos golpes siguen como si no hubiese
ocurrido nada. Cualquier otro mortal hubiese pasado a mejor vida.
Ambientada
en 1993, la nueva adaptación reúne a Ryu y Ken , dos viejos amigos distanciados
, que seis años después, son reclutados para el torneo mundial de guerreros …Combates
imposibles, rivales legendarios y heridas abiertas de un pasado no muy
luminoso.
Street
Figher llega a los
cines más de tres décadas después de la primera adaptación cinematográfica de
la mano del director norteamericano de origen japonés Kitao Sakurai quien se ha
propuesto que la película entretenga al público y que las peleas no sean un hecho aislado
dentro de la narración y si que formen parte de la propia trama.
Esta nueva
versión cinematográfica de uno de los videojuegos que mejor acogida han
tenido en la historia, pone el foco en Ryu y Ken dos luchadores que fueron como
hermanos, apoyados por el mismo maestro, pero que son como el agua y el fuego.
Ken es
inseguro y depresivo ; mientras Ryu lleva años oculto de todo y de todos y trata de
contenerse y controlarse para no aplicar todo el potencial que tiene
Street
Figher, rebosa energía,
aunque la diversión la dejo para los seguidores del videojuego que, a buen
seguro pasarán un buen rato
Una pareja
se traslada a vivir a una casa situada en pleno bosque. El objetivo , en un
espacio en el que caben la leyendas y cierto toque fantástico, es el de ser
padres de unos cuantos hijos.
La
complejidad de ser madre es una de las constantes en el cine de la finlandesa
Hanna Berghom como ya apuntaba en Ego (2022)… En su nueva película, que
se verá en el festival de Sitges, los padres primerizos estarán obsesionados con
el hijo que acaban de tener porque muestra actitudes extrañas y parece sentirse
más atraído por la llamada del bosque que por sus propios padres. Es cierto,
que el peso recae en la madre quien es la que más dudas tiene sobre su hijo,
mientras el padre juega un papel secundario en esa relación.
La directora
plantea dudas sobre la maternidad y el hecho de arriesgarse a tener un hijo
que, en este caso, desgarra la idílica vida de pareja. El bosque, el
aislamiento de la casa en la que residen ayuda a creer un clima tenso , al que
acompaña la fantasía basada en las leyendas finlandesas, aunque echamos de
menos que los personajes no se adentran en la profundidad de la maleza y den un mayor protagonismo a ese bosque que rodea la casa
Mezcla de
géneros en Nightborn, donde conviven el drama, el thriller y el terror.
TRES
ESTRELLAS
NO HE VISTO
WHALEFALL
(EEUU,2026,105’)
DIR.:
Brian Duffield
INT.: Austin
Abrams, Josh Brolin, Elisabeth Sue, John Ortiz, Jane Levy,Emuily Rudd…
GENERO:
Thriller. Supervivencia
A ver como
nos las arreglamos cuando una ballena nos traga y nos deja sin poder salir de
su interior.
Jay, tras la
muerte de su padre, se sumerge en la costa central de California para intentar
encontrar sus restos. Pero sus intentos se frustran cuando literalmente una
ballena se lo traga.
Atrapado en
el interior del enorme mamífero, Jay solo dispondrá de una hora de oxígeno para
intentar abandonar el cuerpo que lo ha engullido.
En esa lucha
por la supervivencia se da cuenta de que las lecciones que su padre le enseñó
pueden ser su tabla de salvación.
LA MALETA
(ESP.,2026,107’)
DIR.:
Carlos Theron
INT.:
Lucía Caraballo, Alejandro Speitzer, Leonor Watling, David Lorente, Víctor
Clavijo, Jon Bermúdez
GÉNERO:
Comedia
Un enredo
que se va complicando a medida que avanza el metraje. Laura y Nacho se conocen
en un vuelo. Antes de llegar a destino y para prolongar el tiempo que han
pasado juntos, Laura propone que si su maleta sale primero tendrán, una cita. Nacho
acepta. Ella toma la primera maleta, equivocándose, y recoge la que pertenece a
unos terroristas.
Carlos
Theron sigue apostando por la comedia que marca su trayectoria con títulos como
Es por tu bien, Fuga de cerebros 2 o Mira lo que has hecho
La
inteligencia artificial está ya en nuestras vidas y cada vez son más las
opiniones a favor y en contra sobre una tecnología que marcará nuestras vidas.
Koreeda, sin
renunciar al tema de la familia que ha marcado su filmografía, cuenta como una
pareja que ha perdido a su hijo acoge en su casa a un niño humanoide que es una
copia exacta del fallecido.
Lo que
comienza como un intento desesperado de aliviar el dolor por la pérdida se
convierte en una nueva vida familiar tan alegre como inquietante.
Koreeda se
pregunta simple y llanamente si la inteligencia artificial puede devolvernos a
quienes la muerte se llevó, creíamos, que para siempre.
ADEMÁS, esta semana una biografía sobre Chopin(110’)
con sello polaco y dirigida por Michael Kwiecinski , la película norteamericana
de terror Boiúna: La leyenda del Amazonas, que firma Mike P. Nelson y el
documental La voz quebrada, que dirige Manuel Manchón y que indaga sobre la figura de Federico García Lorca.
INT.:
Miguel Ángel Puro, Susi Sánchez, Hugo Arbués, Oscar de la Fuente. Chechu
Salgado
GÉNERO:Drama
Jaime Lorente da el paso a la dirección
con El mal hijo, un drama sórdido y oscuro que cuenta la historia de
Rubén, un niño de 11 años al que la misteriosa desaparición de su padre , le
obliga a mudarse con su abuela , a la que apenas conoce, a una vieja caseta de
labriegos.
Una infancia
difícil y compleja que da paso a una edad adulta de un personaje desarraigado,
alejado de su madre y su pareja , sin tener noticias del paradero de su padre y
encontrando la protección de su abuela, estupenda Susi Sánchez, a la que cuida en
sus últimos años.
Basada en la
novela der Salvador S. Molina , Jaime Lorente explora las heridas familiares ,
esas que nunca se van por mucho que pasen los años , pero también deja abierta
la puerta a que las cosas puedan cambiar a través del amor y en especial, el
que se profesan la abuela y su nieto.
En El mal
hijo, también está el mundo de la delincuencia, de la droga, las
adiccionesy el de una violencia muy
ligada a la masculinidad.
Jaime Lorente,
actor de series como Elite o películas como Disco, Ibiza, Locomía da
el paso a la dirección en una película en que destaca la interpretación de los actores.
Un drama que flirtea con el thriller .
INT.:
Olivia Wilde, Seth Rogen, Penélope Cruz, Edward Norton
GÉNERO:
Comedia Dramática
Hemos visto
versiones italianas, francesas e incluso coreanas. Faltaban los estadounidenses.
La invitación es la versión norteamericana de Sentimental, la
película que dirigió Cesc Gay en 2020, basada en su propia obra de teatro, “Los
vecinos de arriba”
La película que
nos ocupa, dirigida por la actriz Olivia Wilde, quién ya ha dirigido con anterioridad
otros dos títulos Super empollonas (2019), y en 2022, No te preocupes
querida resulta fiel al filme original, aunque amplia algunas de las ideas ya
esbozadas por Cesc Gay como las frustraciones emocionales de las parejas y la
reivindicación del deseo femenino.
Angela
(Olivia Wilde) decide invitar a sus vecinos de arriba, Pina(Penélope Cruz) y
Hawk (Seth Rogen) a cenar a su casa,a pesar
de la oposición de su marido, Joe (Seth Rogen).
Joe es un músico
frustrado, después de no haber podido continuar con su banda y limitarse a dar
algunas clases. Angela es perfeccionista y ordenada, una manera de esconder sus
inseguridades. Son una pareja al borde de ruptura que, aparentemente contrasta
con unos vecinos, extrovertidos nada cohibidos y deseosos de nuevas
experiencias.
Durante la
velada salen a relucir las miserias de cada uno , entre risas, pero también desnudando
sus verdades, en un espacio cerrado que acaba descubriendo la debilidad de cada
uno y la complejidad de las relaciones de pareja. Pina y Hawk les hablan de que
son una pareja abierta a cualquier relación y proponen a sus anfitriones un
intercambio de pareja, que primero será recibido con sorpresa y posteriormente,
Angela y Hawk, sopesan la propuesta.
La invitación es una película en que lucen los
cuatro actores con diálogos vivaces y con palabras y gestos que describen el
ánimo de cada uno de los protagonistas.
Una película
notable que explora con humor y mordacidad las relaciones de pareja.
Esta semana
la Sociedad General de Autores de España inauguró en su sede de Madrid una
exposición sobre el guionista Rafael Azcona, sin duda, uno de los referentes de
nuestra cinematografía.
La
exposición , “Vidas de Rafael Azcona” conmemora el centenario del nacimiento
del autor riojano, fallecido en 2008. La muestra que estará abierta hasta el 30
de este mes está concebida como un recorrido de recuerdos que muestran sus
distintas facetas ya que aparte de guionista, de guionista de alguno de los
ti8tulos más emblemáticos de nuestro cine, fue también novelista o ilustrador.
En el
recorrido por la muestra pueden verse manuscritos, fotografías u objetos
personales de un creador que siempre huyo de los focos mediáticos. Berlanga, Marco
Ferreri, Carlos Saura, Fernando Trueba, José Luis García Sánchez o José Luis
Cuerda son algunos de los directores cuyas películas han llevado la firma en el
guion de Rafael Azcona.
Títulos en
la memoria de todos como El pisito, El cochecito, Placido, La lengua de las
mariposas, Belle Epoque, ¡Ay, Carmela! o La escopeta nacional
La muestra
se complementará con un ciclo de cine en la sala Berlanga de Madrid, del 20 al
24 de este mes con alguna de sus películas como El verdugo, aquella obra
maestra que dirigió Luis García Berlanga y de la que veremos una versión restaurada.
Ese día, el viernes 23 de octubre se verá también “Rafael Azcona, dos o tres
cosas que sabemos de él”, un documental que firma David Trueba.
Hay
películas que se olvidan fácilmente y otras como Naza que te hacen
revolverte en la butaca y cuando sales tienes la sensación de que no puede ser
real todo lo que han contado personas, seres humanos, directamente implicados
en el genocidio de Gaza.
NAZA es un
acrónimo que resume cuando hay bombardeos que pueden causar daños colaterales
contra la población civil. El ejército israelí, por ejemplo,tiene localizado un objetivo, un supuesto
terrorista de Hamás que está acompañado por su familia, sus padres, su mujer ,
sus hijos… Es un objetivo y los demás son daños colaterales. Todos acaban
muriendo. Hubo una ocasión en que un sospechoso fue perseguido y acabaron
muriendo 500 personas..…
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.
CENIZA EN
LA BOCA (México,2026,97’)
DIR.:
Diego Luna
INT.: Anna
Diaz, Adriana Paz, Irene Escolar, Luisa Huertas, Laura Gómez, Charlie Rowe…
GÉNERO:
Drama. Inmigración
La
emigración es un tema recurrente para cada vez más cineastas. Es evidente que
los migrantes siguen creciendo en todo el mundo ante la situación de pobreza o
violencia que viven en sus países de origen y hay cineastas que no esconden esa
realidad, para que el público sea consciente.
El actor
Diego Luna, en su faceta de director, cree en el compromiso social y en la
manera de dar voz a quienes tienen que
dejar todo atrás para iniciar una nueva vida a mucha distancia de su casa y su
entorno.
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SU PROPIO
INFIERNO (Dinamarca,2026,107’)
DIR.
Nicolas Winding Refn
INT.:
Sophie Thatcher, Charles Melton, Kristine Froseth, Havana Rose Liu, Diego
Calva….
GÉNERO:
Thriller. Drama
El danés Nicolas Winding Refn, en 2023, poco después de
presentar su serie Cowboy en Copenhague, sufrió un problema cardíaco que
le llevó a una mesa de operaciones en la que estuvo 25 minutos, en situación de
muerte clínica.
Aquella
experiencia, según ha contado, influye de manera decisiva en su nueva película,
Su propio infierno, en que cuenta como una mujer busca a su padre en una
metrópolis futurista que, en muchos momentos, es cubierta por una tupida
niebla.
Un thriller
que se basa en la relación de amor y casi odio entre un padre y una hija en un
entorno brumoso , en que la música esencial en el cine del cineasta danés (Drive(2011),
The neon demon (2016)) la utiliza como fuente de inspiración y como una
manera para comunicar a los actores que busca en su cine.
En esta
ocasión la música que utiliza está compuesta por Pino Donnagio, autor de bandas
sonoras de cineastas como Dario Argento o Brian de Palma. El infierno de Nicolas
Winding Refn es un infierno lleno de neones, texturas vaporosas , luces estroboscópicas,
supermodelos que ladran , personajes de un infierno que trata de trasmitir tal
quietud que invita a la somnolencia.
No sé muy
bien que quiere contar. En ciertos momentos me lleva a aquel cine pop y al
referente de Barbarella, de Roger Vadim y en otros a un sueño reparador.
Debió ser
dura su experiencia clínica , pero trasmitirla a los espectadores nos lleva a
un limbo de incredulidad y en muchos momentos de absoluto hastío,
Un título
acertado que, no necesita de ningún vericueto para mostrarnos la vida de una
mujer en la cincuentena a lo largo de once capítulos que nos revelan su frenética
actividad profesional; la relación con su pareja ;los cuidados a su madre anciana o los
momentos de pasión que encuentra con una escritora que irrumpe en su vida.
La vida
de una mujer es la
de una neurocirujana exitosa, absorbida y casi obsesionada por su trabajo que,
ha dejado en un segundo plano cualquier otra prioridad. Le cuesta volver a casa
y encontrarse a los hijos adolescentes de su pareja; no tiene reparos en
asegurar que ella nunca quiso ser madre; exige la mayor dedicación a los
médicos residentes; no puede comprender que su adjunto quiera dejarla después
de treinta años trabajando juntos, que su pareja le recrimine que solo piensa
en ella o enfrentarse con la misma seguridad a la enfermedad cognitiva de su
madre.
La directora
francesa Charline Bourgeois-Tacquet, explora en su
segunda película tras Los amores de Anais (2021), la personalidad de una
mujer que parece vivir solo por y para su trabajo hasta que tiene que afrontar
otra serie de desafíos más personales.
La
protagonista, Gabrielle (Lea Drucker), es una mujer coherente,
resolutiva y profesional cuando está al frente de su servicio en el hospital ;
se nos muestra más insegura cuando trata de ocuparse de su madre o muestra,
aún, mayor fragilidad cuando se deja llevar por la pasión.
Charline
Bourgeois-Tacquet reconoce que reúne muchos aspectos de la personalidad de la
protagonista , aunque también puede verse visto influenciada por películas como
Una mujer bajo la influencia de John Cassavetes o Secretos de un matrimonio, de
Bergman.
Un retrato
femenino, casi una radiografía, de nuestros días. Una mujerque3 se deja llevar por el ritmo frenético de
la gran ciudad y por priorizar, por encima de todo, su trabajo, hasta que la
pasión le permite un pequeño respiro.
Nos lleva a
la España de posguerra para contarnos como un fuerte temporal provoca que un
barco inglés cargado de carbón choque contra u7n acantilado de la costa vasca.
Los habitantes de un pueblo cercano llegan hasta el buque para hacerse con el
carbón y calentar sus casas.
Se basa en
el libro del mismo nombre de Ramiro Pinilla, con el ganó el premio Nadal en
1961.
Basada en cuatro
novelas menos conocidas de Enid Blyton por el público español, El árbol muy,
muy lejano cuenta la historia de una pareja que decide trasladarse con sus tres
hijos del Londres de nuestros días a una zona rural, a un bosque donde los
niños descubren un árbol mágico cuyas ramas pueden trasladarlos a mundos
extraordinarios.
La película
adapta historias de los años cuarenta-cincuenta del siglo pasado a nuestros
días, con esa familia que se traslada lejos de la gran ciudad y llega a una
casa sin wifi ni cobertura 5 G ,por lo que todos se ven obligados a recuperar
una forma de convivencia que parecía haber olvidado.
Un título
acertado que, no necesita de ningún vericueto para mostrarnos la vida de una
mujer en la cincuentena a lo largo de once capítulos que nos revelan su frenética
actividad profesional; la relación con su pareja ;los cuidados a su madre anciana o los
momentos de pasión que encuentra con una escritora que irrumpe en su vida.
La vida
de una mujer es la
de una neurocirujana exitosa, absorbida y casi obsesionada por su trabajo que, ha
dejado en un segundo plano cualquier otra prioridad. Le cuesta volver a casa y
encontrarse a los hijos adolescentes de su pareja; no tiene reparos en asegurar
que ella nunca quiso ser madre; exige la mayor dedicación a los médicos
residentes; no puede comprender que su adjunto quiera dejarla después de
treinta años trabajando juntos, que su pareja le recrimine que solo piensa en
ella o enfrentarse con la misma seguridad a la enfermedad cognitiva de su
madre.
La directora
francesa Charline Bourgeois-Tacquet, explora en su
segunda película tras Los amores de Anais (2021), la personalidad de una
mujer que parece vivir solo por y para su trabajo hasta que tiene que afrontar
otra serie de desafíos más personales.
La
protagonista, Gabrielle (Lea Drucker), es una mujer coherente,
resolutiva y profesional cuando está al frente de su servicio en el hospital ;
se nos muestra más insegura cuando trata de ocuparse de su madre o muestra, aún,
mayor fragilidad cuando se deja llevar por la pasión.
Charline
Bourgeois-Tacquet reconoce que reúne muchos aspectos de la personalidad de la protagonista
, aunque también puede verse visto influenciada por películas como Una mujer
bajo la influencia de John Cassavetes o Secretos de un matrimonio, de Bergman.
Un retrato
femenino, casi una radiografía, de nuestros días. Una mujer que3 se deja llevar por el ritmo frenético de
la gran ciudad y por priorizar, por encima de todo, su trabajo, hasta que la pasión
le permite un pequeño respiro.
INT.: Anna
Diaz, Adriana Paz, Irene Escolar, Luisa Huertas, Laura Gómez, Charlie Rowe…
GÉNERO:
Drama. Inmigración
La
emigración es un tema recurrente para cada vez más cineastas. Es evidente que
los migrantes siguen creciendo en todo el mundo ante la situación de pobreza o
violencia que viven en sus países de origen y hay cineastas que no esconden esa
realidad, para que el público sea consciente.
El actor
Diego Luna, en su faceta de director, cree en el compromiso social y en la
manera de dar voz a quienes tienen que
dejar todo atrás para iniciar una nueva vida a mucha distancia de su casa y su
entorno.
Ceniza en
la boca, basadaen
la novela homónima de la escritora mexicana Brenda Navarro, relata una historia
de migrantes en la España de nuestros días. Y lo hace adentrándose en la vida
de sus personajes, especialmente en el de la joven, Lucita que
interpreta una estupenda Anna Díaz ,que llega a España junto a su hermano menor
para unirse a su madre, que dejó su país ocho años atrás. Lucita lo entendió
como un abandono , mientras su madre considera que se marchó para darles una
vida mejor.
La nueva
película como director de Diego Luna (Mr. Pig) , con su tono realista, recuerda
el cine de los hermanos Dardenne(Rosetta) y nos muestra una anti - heroína
que, desde su fragilidad muestra su entereza y su deseo de salir adelante.
Ceniza en
la boca, no es un
drama social tremendista . Lupita es una mujer con carácter y
determinación que pasa momentos malos, muy malos, pero también puede disfrutar
de la vida, incluso del sexo. Interpreta a una inmigrante mexicana, primero en
Madrid, después en Barcelona. Una joven que trabaja sin descanso, cuidando
bebés, o posteriormente ancianos o incluso trabajando como “ryder”,llevando
comida a las casas. Empleos precarios para subsistir en una sociedad, la
española, en la que no logra integrarse y definir su propia identidad
La historia
se ha rodado en escenarios reales de Madrid y Barcelona, junto a vecinos verdaderos
y muy lejos de las postales turísticas. Asistimos a una historia real, de una
mujer que busca una vida mejor fuera de su país que, en Ceniza en la boca, además,
aporta una visión de la violencia en México que no es la más vista hasta ahora.
No vemos a los narcotraficantes, los oímos en un ataque a una base del
ejército. Diego Luna no muestra, como otros cineastas, la violencia de los
narcos, pero nos dice que está ahí, en cualquier rincón, porque los narcos
continúan generando violencia.
Diego Luna,
como actor, demuestra que puede ser uno de los personajes de Star War, pura
ficción y fantasía, pero también, con esta película, demostrar que puede
dirigir cine comprometido y testimonio de nuestra sociedad.
Hay
películas que se olvidan fácilmente y otras como Naza que te hacen
revolverte en la butaca y cuando sales tienes la sensación de que no puede ser
real todo lo que han contado personas, seres humanos, directamente implicados
en el genocidio de Gaza.
NAZA es un
acrónimo que resume cuando hay bombardeos que pueden causar daños colaterales
contra la población civil. El ejército israelí, por ejemplo,tiene localizado un objetivo, un supuesto
terrorista de Hamás que está acompañado por su familia, sus padres, su mujer ,
sus hijos… Es un objetivo y los demás son daños colaterales. Todos acaban
muriendo. Hubo una ocasión en que un sospechoso fue perseguido y acabaron
muriendo 500 personas…
Yuval
Abraham y Rachel Szor, rodaron la película durante tres años, recogiendo los
testimonios de 24 militares o miembros de la inteligencia israelí., que,
respondieron anónimamente a las cuestiones que les plantearon. Yuval y Rachel
rodaron con anterioridad, junto a los palestinos Hamdan Ballal y Basel Adra, No
Other Land (2024)que mostraba la resistencia palestina en Cisjordania, ante
los abusos de Israel.
Naza que ha sido rodada durante tres años
y por las noches en las azoteas de Tel Aviv, revela, en detalle, la metodología
que hay detrás del asesinato masivo y calculado de civiles palestinos en Gaza,
por parte del gobierno de Israel.
Durante ese
período de tiempo se hicieron la misma pregunta que la generación de sus
abuelos que fue masacrada por los nazis. ¿ Como es posible que un grupo de personas
permita la deshumanización total de otro?
La guerra de
Gaza que ha causado y sigue causando miles de víctimas fue la respuesta del
gobierno de Netanyahu a los brutales ataques terroristas de Hamàs contra Israel
,el 7 de octubre de 2024. Un ataque sorprendente y más cuando Gaza y todos sus
habitantes está completamente controlados por los servicios de inteligencia
israelí desde hace décadas.La respuesta de Israel supuso la prácticamente total
destrucción de Gaza y la muerte indiscriminada de miles de hombres, mujeres y
niños.
Naza relata de primera mano el método que
emplea el gobierno israelí para acabar con los gazatíes. Los entrevistados
detallan, muchos con total frialdad, como llevaron a cabo los bombardeos contra
la población, la destrucción masiva de zonas residenciales, de hospitales,
colegios o incluso de lugares que mantienen viva la memoria de los palestinos…La
Inteligencia Artificial es un elemento esencial en la planificación de los
ataques.
Uno de los
entrevistados relata como los cuerpos sin vida quedan en las ruinas de los
edificios bombardeados o de los ataques terrestres y dejan que sean devorados
por los perros; otro, un francotirador, cuenta con total frialdad, como pasaba
el rato matando a las personas que hacían cola para obtener alimentoso como los
ataques de quienes manejan los drones pueden convertirse en un videojuego” muy
divertido”. Algo que nos remonta al periodo entre 1992 y 1996, cuando
millonarios europeos disparaban a la población civil durante el sitio de
Sarajevo en la guerra de Bosnia. La diversión era el asesinato.
En Naza,
alguno de los entrevistados, concede que
Israel puede estar cometiendo un genocidio, pero no se arrepienten, ellos solo obedecen
órdenes.
La fuerza
del documental está en las entrevistas, en los testimonios de quienes han
acabado con miles de vidas. El foco se pone en sus opiniones que contrastan con
la vida nocturna en Tel Aviv, con las luces encendidas de las viviendas , con
ciudadanos paseando por las calles, cenando en restaurantes… Una vida normal
que difiere con la destrucción brutal que lleva a cabo el gobierno de Netanyahu
en Gaza.
Los directores en Venecia
Premio
especial del jurado en Venecia, ovacionada durante 25 minutos, un hito en la
historia del festival; premio del
público a la mejor película europea en San Sebastián, Naza es un
documento imprescindible de investigación sobre la maquinaria israelí en Gaza y
como la muerte de civiles formaba parte del plan bélico.
Su éxito no
gustó al gobierno de Netanyahu que ha acusado a los autores de la película de
traición a la patria y de difamar a la Fuerzas de Defensa de Israel. Amenazas
de muerte, manifestaciones ante sus domicilios… Ni que decir tiene que los
directores no han podido regresar a Israel. El diario inglés The Guardian ha producido el documental
Cuando sales
del cine y asimilas todo lo que has visto y escuchado durante 80’ te sientes
impotente y al mismo tiempo, horrorizado. Sobre todo, te impacta la frialdad de
los testimonios de la mayor parte de los entrevistados que, se comportan como
si su trabajo no se sustentara exclusivamente en la aniquilación de seres
humanos.
La humanidad
está adormilada. Romper ese silencio depende de todos nosotros.
