EL FOTOGRAFO DE MINAMATA y otros estrenos

 

 

Depp, a la izquierda, caracterizado como Eugene Smith 

Johnny Depp realiza uno convincente interpretación en el papel de W. Eugene Smith , uno de los más importantes fotógrafos del siglo XX.

“El fotógrafo de Minamata”(115’)  está dirigida por el también fotógrafo Andrew Levitas quién, como Deep es un profundo admirador de la obra de Smith quien, un año antes de su muerte legó sus fotos y sus escritos al Centro de Fotografía Creativa de Arizona. Toda su obra pesaba 22 toneladas lo que nos da una idea de la enorme producción de este fotoperiodista que siempre utilizaba el blanco y negro.

La película es un biopic que aborda los últimos años de vida del fotógrafo centrándose en particular en su trabajo en la ciudad japonesa de Minamata, cuyas fotografías sirvieron para denunciar a la empresa que durante décadas había envenado a la población con sus vertidos de mercurio. Cientos de personas murieron y otras tantas sufrieron malformaciones durante toda su vida, ante la inacción de la empresa y la pasividad de las autoridades japonesas.

La piedad de Smith, una de sus obras clave

Depp se identifica con Smith y resulta creíble en su papel de hombre torturado, alejado de su familia, alcohólico, escéptico y finalmente comprometido con los ciudadanos de Minamata, ayudándoles hasta el límite. Smith, que nos ha legado obras claves de la fotografía del siglo XX , sufrió una brutal paliza de los miembros de seguridad de la empresa que intentaba evitar, a toda costa, la publicación de las fotografías que realizó, que finalmente plasmó en Life, la revista a la que dedicó la mayor parte de su vida.

Manifestaciones ante la fabrica contaminante

Aunque es una película que nos vuelve a mostrar como David es capaz de vencer a Goliath, siempre resulta un tanto manido, la actuación de Smith como salvador o redentor de los oprimidos japoneses y como siempre el hombre blanco es el único capaz de solucionar los problemas.

Esta semana se estrenan otras muchas películas, pero solo quiero resaltar otra buena aportación de la distribuidora Acontracorriente” que durante la pandemia continúa estrenando títulos destacados o reposiciones como  “Crash”,de David Cronemberg, “El chico” de Chaplin y ahora una obra inédita, en nuestro país ,”Churulata. La esposa solitaria”(117’), de Satyajit Ray , considerado uno de los maestros del cine.

Se trata de conmemorar el centenario del realizador indio con el estreno en las salas españolas de ña película que el propio Rau, consideró la más “perfecta de toda su carrera”. Esta película junto a su Trilogía de Apu, representa lo mejor de su trayectoria que incluye más de 40 títulos.

Estrenada en 1964, Churulata cuenta la historia de un matrimonio en crisis porque él es un adicto al trabajo que se olvida de su esposa.

Ella, interpretada por una de las grandes actrices del cine indio Madhabi Mukherjee,se atreve a dar los primeros pasos para encontrarse a sí misma y sentirse más valorada y satisfecha con su vida.

La presencia de un primo poeta del marido le ayudará a inspirarse y a comprender que existen más opciones fuera del propio matrimonio.

Otro de los grandes maestros del cine, el japonés Akira Kurosawa decía que “no haber visto el cine de Ray significa existir en el mundo, sin haber visto el sol o la luna”.

Recordaros que también llegan a las pantallas “Chaos walking”, filme de ciencia ficción que ya comenté la semana pasada y que está destinado al público adolescente ; la película de animación, destinada a los más pequeños “Earwing y la bruja” o el drama francés, ”Police”, con un reparto que encabezan dos actores con taquilla en Francia Virginie Effira y Omar Sy.

YALDA: LA NOCHE DEL PERDÓN. DECIDIR ENTRE LA VIDA Y LA MUERTE

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Todavía con “Nomadland” en la retina, con el impacto del triunfo de la realizadora china Chloé Zhao y el Oscar de mejor actriz para Frances McDormand, interpretando a un personaje de carácter y profundamente cercano al espectador, llega a las salas otra película con dos mujeres como protagonistas.

Se trata de “Yalda, la noche del perdón”(89’), una película que me ha sorprendido porque cuenta y una historia estremecedora. Dirigida por el iraní Massoud Bakhshi, “Yalda, la noche de perdón” se desarrolla, casi en su totalidad en un set de televisión, en un reality show, que tiene la novedad de que se decide la vida o muerte de una persona.


“Yalda”, es una fiesta zoroástrica que marca el inicio del invierno ,la noche más larga del año, en que las familias se reúnen entre ellos y con amigos para cenar y recitar poemas. Nada mejor que ,como los antiguos romanos, decidir dejar con vida o condenar a muerte al reo. Un espectáculo, como un gigantesco circo, con pausas publicitarias , y SMS apoyando a las dos contendientes.

A un lado la hija de la víctima Mina ,al otro la joven condenada a muerte ,Maryam acusada de haber contribuido indirectamente a la muerte de su marido. Maryam, casi una niña, pide clemencia ante la frialdad de Mina. El presentador apoya abiertamente a esta última ,a la que agradece su presencia y su generosidad. Entre bambalinas, los técnicos de imagen y sonido, la productora, el realizador, la madre de la condenada y otros personajes que se irán añadiendo y podrán luz sobre los acontecimientos pasados. El reality show es en directo, con público y según el número de SMS que lleguen, si la hija de la víctima, decide perdonar a la condenada, los patrocinadores pagarán total o parcialmente toda la indemnización de que sería objeto.




Sobrecogen, como digo, programas de televisión como este reality. Y te preguntas como puede ser posible . Me lleva a mirar atrás y recordar aquella película premonitoria dirigida por Bertrand Tavernier y que se llamaba “Muerte en directo” en que una mujer(Romy Schneider) era invitada a ser `protagonista de un programa que narrase sus últimos días ya que la habían diagnosticado una enfermedad terminal. “Yalda” describe una realidad y de paso, en los giros de la trama se describen aspectos de la sociedad iraní y las diferencias entre pobres y ricos. Hay momentos que muestran el orgullo de los más débiles ante las tropelías de los poderosos. Massoud Bakhshi, un director que proviene del campo documental, logra trasmitirnos lo que ocurre en pantalla y nos hace partícipes de la acción. Somos espectadores de un programa de televisión y además conocemos sus entresijos, lo que se cuece fuera del plató. Una película que no dejará indiferente a todo aquel que acuda a verla.


































proviene del campo documental, logra trasmitirnos lo que ocurre en pantalla y nos hace partícipes de la acción. Somos espectadores de un programa de televisión y además conocemos sus entresijos, lo que se cuece fuera del plató. Una película que no dejará indiferente a todo aquel que acuda a verla.

LOS OSCAR DE ESTOS TIEMPOS MODERNOS

 

 

 

Frances NcDormand en Nomadlad

Los nominados están dispuestos a vivir su noche más hermosa, otros, tanto los que puedan asistir a la ceremonia de entrega como los que tengan que seguir los Óscar de otra manera no presencial.  

Esta vez el teatro Dolby de Los Ángeles, sede desde 2002, solo está previsto que se utilice parcialmente porque el grueso de la ceremonia se llevará a cabo en la Union Station, la estación de trenes en el centro de la ciudad. Limitaciones de invitaciones y presencia de los nominados, que no pudieron viajar, en las sedes habilitadas en Londres y París.

Son “tiempos modernos” como diría Chaplin en que hay que adaptarse a las circunstancias y seguir adelante porque la industria de Hollywood estuvo tocada de muerte con el cierre de las salas. Durante los meses más duros de la pandemia vivimos como nunca el cine en casa. Las películas, las series han sido nuestros soportes cuando estuvimos confinados. Hollywood no ha sido ajena a este hecho. Por primera vez en la historia de los Óscar las producciones de las plataformas en las nominaciones han superado a los estudios. Netflix 35 o Amazon,12 son prueba palpable de que la industria audiovisual está cambiando a marchas forzadas.

Pero, en este año en que “Nomadland” ha sido la película que más me ha impactad hay otro hecho significativo como es que 76 mujeres son candidatas en las diferentes categorías, resultando especialmente demostrativa su presencia en el Óscar de mejor dirección, un campo tradicionalmente copado por los hombres. Tanto Chloé Zhao (“Nomadland”) mi favorita, como Emerald Fennell por

Carey Mulligan, joven prometedora

“Una joven prometedora”, son posiblemente las autoras de las dos mejores películas del año junto a “Mank”, de David Fincher que, a diferencia de las anteriores ha tenido su estreno en las plataformas digitales.

Dos mil veinte, un año con tantos episodios racistas en Estados Unidos, ha tenido su respuesta en Hollywood porque los Òscar tan “blancos”  tienen este año nueve protagonistas en el terreno actoral que no responden a esos cánones.  Seis actores afroamericanos , dos de origen coreano y un árabe compiten por la preciada estatuilla.

El veterano Anthony Hopkins

Me inclino ,no obstante, en que serán blancos la mayoría de los premiados. Apuesto por Anthony Hopkins como mejor actor por “El padre” o Cary Oldman por “Mank” mientras que le doy más opciones a Carey Mulligan (“Una joven prometedora”) con un papel más complejo que Frances McDordmand, excelente también en “Nomadland”. Al mismo nivel también estaría Andra Day en “Los Estados Unidos contra Billie Holliday”

No busco hacer una quiniela exhaustiva de los Óscar porque no se trata de equivocarse en exceso, pero si apuesto por “Nomadland” como mejor película y mejor directora, mientras que mis preferencias por el mejor guion se decantan por “Una joven prometedora” frente a uno de los títulos más ensalzados por la critica de Estados Unidos, “Minari. Historia de mi familia”, película clásica que define el “sueño americano” de una familia coreana y que también figura en el apartado de mejor película en lengua extranjera donde mi favorita es, sin embargo, “Otra ronda” del danés Thomas Vinterberg.

¿Para cuándo la siguiente ronda?

Los resultados los conoceremos en apenas unas horas, cuando sean las dos de la mañana en España y asistamos, el que se sienta con ganas a la primera vez que los Òscar se celebren en abril ,buscando la manera de continuar frenando el covid 19. La 93 edición de los premios más codiciados de la industria cinematográfica llevará a cabo una de sus noches más atípicas confiando en que el año que viene las cosas cambien. En Estados Unidos, a día de hoy,  hay datos para la esperanza.

En California la pandemia comienza a decaer con el 34% de la población ya inmunizada. A estas alturas el 40% de los estadounidenses ya ha recibido, al menos una vacuna. Esperemos que el año que viene sigamos viendo películas en las plataformas, pero ,sobre todo, en las salas que nos permitan disfrutar de la magia del cine en todo su esplendor. En 2021 se ven más películas que nunca pero las salas oscuras continúan siendo un lugar insustituible.

DOS MUJERES EN BUSCA DEL OSCAR

He tardado algo, pero he visto de una tacada “Nomadland” y “Una joven prometedora”. En unas horas sabremos si alguna de las dos protagonistas, Frances McDormand o Carey Mulligan han conseguido el Oscar de mejor actriz.


Cualquiera de las dos merecería haberlo ganado porque cualquiera de las dos nos trasmite sus emociones , sus inquietudes o, sobre todo, sus soledades.

Frances McDormand describe todo su desamparo, pero, al mismo tiempo, se nos muestra como una mujer tenaz y decidida. En “Nomadland” interpreta a una mujer que deja todo atrás porque todo ha desaparecido. El lugar donde vivía es ya una ciudad fantasma porque la crisis económica de 2007-2009 ha hecho que todo desaparezca. Fern, está sola porque murió su marido y no tiene hijos. Todos se han ido de la ciudad y solo quedan algunas casas en pie. No hay vida y decide buscarla en su furgoneta que le lleva de un lugar a otro, fuera de las ciudades, buscando un aparcamiento donde le permitan estacionar su casa rodante y encontrar trabajos eventuales, como el de Amazon que le permita sobrevivir.


Fern se integra en una comunidad itinerante formada por gente mayor que perdió sus propiedades durante la crisis. Chloé Zhào, no es la primera vez que propone una vía que fluctúa entre lo documental y la ficción. Su “road-movie” transita por ese mundo de quienes prefieren una vida nómada, en el caso de muchos, acuciados por las circunstancias. Son como los antiguos pioneros buscando un lugar donde vivir, lejos de la violencia del dinero y donde se trasmite una gran solidaridad entre quienes acampan sus furgonetas o sus caravanas. En “Nomadland” hay testimonios reales de personas que se han lanzado a la carretera hartos de la presión que sufren por sus deudas o el espíritu consumista de la sociedad en que viven.


A Fern le arrancaron sus recuerdos porque su pueblo, literalmente, ya no existe. Está en permanente tránsito sin pensar en el mañana. Siempre esboza una sonrisa y está dispuesta a ayudar o a que la ayuden, pero no quiere ninguna otra relación, algo más estable que le aparte de su ruta desconocida. No hay compromiso entre los nómadas, pero los hombres y mujeres de la carretera se encontrarán en el camino

Frances McDormand apunta con fuerza al Oscar, sería el tercero que conseguiría tras “Fargo” y “Tres anuncios en las afueras”, porque realmente borda su interpretación en “Nomadland”, basada en el ensayo periodístico “País nómada: Supervivientes del siglo XXI” de Jessica Brudler






Por su parte Carey Mulligan es Cassie en “Una joven prometedora” en que interpreta a una mujer que acaba de cumplir treinta años que durante el día trabaja como camarera en una café y durante la noche lleva una doble vida de la que nadie sospecha. Estaba destinada a ser médico, pero abandonó la carrera tras la muerte de su mejor amiga, violada por varios de sus compañeros de universidad.

La muerte de Nina la marca definitivamente. Busca vengarse en cada uno de los hombres que se acercan a ella, seducirlos para después ridiculizarlos . Los hombres son sus enemigos y durante las noches se convierte en una mujer fatal .

Cuando conoce que el principal violador de su amiga va a casarse decide buscar a todos aquellos que no ayudaron a Nina y la obligaron , de alguna manera, a suicidarse. Sus ánimos de venganza comienzan a decrecer cuando se reencuentra con un antiguo compañero y ambos inician una relación amorosa.

Aquella violación en que todos, compañeros. Compañeras, docentes, familiares, miraron para otro lado, destrozó sus vidas


Carey Mulligan que fue nominada al Oscar con “An education” y a la que recordamos también por interpretaciones como “El Gran Gatsby” protagoniza un papel co9mplejo e inquietante en una trama feminista que transita entre la comedia indie y cierta tensión y suspense que siempre tenemos la sensación de que en algún momento puede estallar.

La película busca que no miremos para otro lado que, seamos conscientes del daño irreparable que podemos hacer no ya los que abusan si no aquellos que no han hecho nada para impedirlo.

Un excelente guion y un final inteligente que confirman las cinco candidaturas que tiene de cara a la noche de los Oscar. Carey Mulligan como Frances McDormand se lo merece sin desvirtuar a las otras tres nominadas Viola Davis, Andra Day y Vanessa Kirby.

OTROS ESTRENOS ( 23-4-2021). "Mama María", "Península" y "Chaos Walking"

 

 

 Además del drama  “Bajo las estrellas de París” este fin de semana, víspera de los óscar, llegan a las carteleras varias películas de diferente género que van desde la comedia al cine de terror.

“Mamma María”(106’)  es Isabelle Huppert. Basada en la novela “La madrina” de Hannelore Cayre , publicada en España por Siruela, la película narra la historia de una mujer que trabaja como traductora trascribiendo para la policía ,escuchas en árabe.

Llega un momento en que se cansa de su monótono trabajo y decide pasar al otro lado. Es decir, de escuchar para tratar de detener a traficantes de la droga, a convertirse en camella.

El director de “Mamma María”, Jean-Paul Salomé se basó en la novela pero, según ha contado, se dedicó a investigar sobre el papel que juegan los traductores cuando se enfrentan a situaciones como una redada o la detención de algún traficante.

 

De una comedia a ciencia ficción, mirando más bien a un público adolescente. “Chaos Walking”(109’) es una coproducción entre Estados Unidos y Canadá que nos sitúa en un futuro no muy lejano en un planeta en que ,en una de sus colonias , solo viven hombres ya que las mujeres se extinguieron.

Es una sociedad que recuerda en las vestimentas y en su hábitat al lejano oeste, aunque todos tienen la particularidad de poder escuchar los pensamientos del otro. En esas, una nave se estrella contra el planeta y hay una única superviviente ,Viola (Daisy Ridley) que debe esconderse de todos y solo encuentra la protección de Todd (Tom Holland) que nunca ha visto a una mujer.

Es una película clásica de aventuras, con la pareja protagonista huyendo de sus perseguidores y encontrando en el camino a otras criaturas o colonias muchos menos beligerantes en que si hay mujeres.

Ellas tienen una particularidad pueden escuchar los pensamientos de los hombres, pero ´estos no pueden descubrir sus pensamientos.

Ya digo, una distopía destinada a un público adolescente que firma Doug Liman basándose en la trilogía juvenil de Patrick Ness y que más que seguro tendrá continuidad en la pantalla grande. La actriz inglesa Daisy Ridley lleva camino de convertirse en un icono de la ciencia ficción, porque ya la tuvimos interpretando a Rey en la última trilogía de “Star Wars”

Y termino esta semana termino con terror porque con algunos meses de retraso, se estrena por fin “Península”, una nueva entrega con los zombis como protagonistas.

El director coreano Yeon Sang-Ho, que triunfó en Sitges en 2016 con “Tren para Busan”(114’) y consiguió excelentes taquillas en todo el mundo, estrena ahora en España este filme en que nos recuerda que el verdadero enemigo del hombre es el ser humano. En su película se da la máxima de Hobbes, “el hombre es un lobo para el hombre”.

Si en “Tren para Busan”, los zombis se multiplicaban por una pandemia , ahora cuenta como un grupo entra ilegalmente en Corea del Sur, confinada tras el brote pandémico, para hacerse con un camión que transporta una cantidad ingente de dinero. 

"BAJO LAS ESTRELLAS DE PARÍS". Hacer visibles a los "sin techo"

De vez en cuando el cine se acuerda que existen los sin techo. Un titulo tan poético como “Bajo las estrellas de París”(85’), esconde la vida de quienes viven en las calles, en los subterráneos o en los lugares que la ciudad les deja sin sentirse molestada.

Christine, una sexagenaria, sobrevive bajo un puente del Sena. Una noche de invierno ,bajo una fuerte nevada, un niño de apenas ocho años intenta refugiarse en el mismo lugar en que ella se refugia. En principio , lo rechaza, pero viendo al niño aterido de frio lo lleva junto a ella y le ofrece algo de ropa. No pueden comunicarse porque el niño, natural de Burkina Fasso, no sabe francés, pero pronto Christine descubre que está buscando a su madre. Es una mujer física y mentalmente destruida, con un pasado que apenas atisbamos, pero se empeña en encontrar a la desconocida. A partir de ahí seguiremos su periplo por las calles de París en busca de la madre del niño con el que establece una abierta complicidad.

El director Claus Drexler cuenta con una magnifica Catherine Front para mostrar a través de sus ojos toda la angustia y desamparo que tiene, pero al mismo tiempo su tenacidad, a pesar de sus limitaciones físicas, por ayudar al niño.

Ambos son capaces de comunicarse en una ciudad que les ignora. Estamos en un filme de ficción, con momentos que nos acercan al documental porque hay imágenes reales de los sin techo . Podemos entender la película como un homenaje a “El chico” de Chaplin, cien años después de que se estrenara la película. Niño abandonado o perdido; vagabunda que lo recoge y cuida y, madre que no sabe nada él. Drexel (“América”) afirmó que su objetivo era mostrar la vida los sin techo para a través del personaje protagonista descubrir toda su belleza, sensibilidad y poesía.


Lo vemos bajo esos puentes del Sena o los lugares más escondido de la ciudad…Lo vemos también en los sueños, un cierto tono onírico que permite a los personajes protagonistas crear sus propias realidades. El de los dos es un ejercicio de supervivencia ,son invisibles salvo para algunos pocos que se muestran más comprensivos y amables.

Pertenecen a una sociedad rica que les ignora ,pero Christine, por encima de todo, da una muestra de tenacidad, coraje y generosidad para ayudar al niño perdido. Quizá, por encima de todo sobrevuele una pintada, en una valla, una frase que entendemos como una declaración de intenciones:

“El amor siempre gana”.

VOLVER A VER "TESIS",VEINTICINCO AÑOS DESPUÉS

Todavía recuerdo a Pilar Miró en la gala de los Goya afirmando que “Tesis” estaba bien pero que la suya “El perro del hortelano” era mucho mejor. Así era Pilar Miró, todo un carácter, y más si estaba convencida que su adaptación de la obra de Lope de Vega merecía el Goya a la mejor película. No estaba satisfecha con el Goya de mejor dirección ni los otros galardones que consiguió la película, aspiraba al más alto y este fue para un joven desconocido de tan solo 23 años que acababa de obtener excelentes críticas con su thriller en Berlín , y ganó el Goya de mejor película, además del correspondiente a la dirección novel y otro puñado de estatuillas.

Posiblemente estuviese de acuerdo con Pilar Miró, porque su película era redonda con dos actores excelentes, Emma Suárez y Carmelo Gómez que se arriesgaron leyendo el verso como lo hubiera imaginado Lope y la factura técnica era minuciosa y precisa en cada secuencia y en cada plano.

“El perro del hortelano” sigue siendo una excelente película que obtuvo muy buenos dividendos en taquilla y enseñó a las nuevas generaciones la fuerza del teatro de Lope, pero “Tesis”, era algo más, porque si bien era inferior como producto cinematográfico tenía la frescura propia de un joven arriesgado y talentoso que había llamado la atención de José Luis Cuerda tras ver uno de sus cortometrajes. El veterano realizador se ofreció a producirle su primer largo y el resultado fue una película que hoy `podemos seguir viendo con interés, con actores noveles como Eduardo Noriega y Fele Martínez y la ya asentada Ana Torrent.


La facultad de Ciencias de Información de la Complutense fue el escenario elegido para rodar este thriller de un estudiante que nunca terminó la carrera pero que se abrió puertas a nivel nacional y posteriormente en todo el mundo. “Tesis”, tiene un argumento sencillo y encuadrado en el mundo académico.

Angela, el personaje que interpreta Ana Torrent quiere hacer una tesis sobre la violencia porque le preocupa que sea algo cotidiano en el cine y la televisión y nos acostumbramos a ella como si fuera algo natural. Amenábar nos metió en el oscuro mundo de las películas snuff, ejercicios auténticos de violencia ,con torturas y supuestos asesinatos reales que, en verdad, nunca han podido comprobarse.


Revisando la película y entre correrías por los pasillos y los despachos de la facultad me quedo con la secuencia en que Angela y Chema (Fele Martínez) se quedan encerrados y a oscuras en los túneles del sótano y solo seguimos sus pasos y la tensión de forma intermitente, mientras se encienden y se apagan las cerillas que es su única fuente de iluminación. La realidad prima sobre los sueños, lo surreal, que tanto peso tendría en su segunda película, “Abre los ojos”. “Tesis” es el sueño que cualquier universitario hubiese querido llevar a cabo. Un cuarto de siglo después, cuando su director y los protagonistas peinan canas, sigue siendo una película que no decepciona y que nos invita a volver a verla y entender por qué Alejandro Amenábar ha hecho una carrera llena de éxitos en el mundo del cine.

"UNA JOVEN PROMETEDORA" y otros estrenos (16-4-21)

“Una joven prometedora “(113’) corrobora el prometedor debut como directora, guionista y productora de Emerald Fennell, actriz que vimos en la serie “The Crow” interpretando a Camilla Parker.

Cinco nominaciones a los oscar para este filme profundamente feminista que cuenta la historia de Cassie, una joven estudiante de medicina que llevaba un camino brillante hasta que algo se interpuso en su camino .

Cassie busca venganza por lo que la ocurrió. Hasta que es capaz de cumplir sus propósitos sobrevive trabajando en una cafetería durante el día y por la noche lleva una doble vida de la que nadie sospecha.

Carey Mulligan actriz a la que conocemos por filmes como “An Education” o “Shame”, interpreta a la protagonista y por su inquietante papel es candidata al óscar. “Una joven prometedora” también opta a mejor película, dirección , guion y montaje.




Destaca esta semana, también, el documental “Crack of gold: Bebiendo con Shane MacGowan”(124’) en que uno d ellos mejores cronistas musicales de nuestro tiempo Julien Temple nos aproxima al mito irlandés en una película en la que encontramos de todo. Música, alcohol, drogas ,poesía, y espíritu contestario o autodestructivo.

Un documental que celebra los 60 años de Shane MacGowan ,. Icono de la música popular irlandesa al frente de su banda, The Pogues. Pero no solo se centra en la vida del cantante si no que el documental refleja de alguna manera la vida en Irlanda desde un punto de vista social, político e incluso literario.

Temple no juzga deja qwue la cámara y los testimonios fluyan para presentarnos a Shane MacGowan, un musico legendario engullido, como tantos otros ídolos, por la industria del rock .

“UNA VETERINARIA EN LA BORGOÑA”. EL CAMPO ATRAE A LOS CINEASTAS FRANCESES.

Noto una cierta atracción de los cineastas franceses por la campiña como si el covid 19 les hubiese invitado a alejarse del agobio de las ciudades.

Si bien, los títulos que he visto en las últimas tres semanas no pueden decirse que respondan a un ambiente bucólico y pastoril, si están situados en diversos escenarios rurales del país galo.

“El horizonte” nos lleva al último tercio del siglo pasado para hablarnos de granjas y pollos bajo una ola de calor .

“La nube”, en cambio, apostaba por el porvenir, con una mujer empoderada luchando contra todo y todos  para sacar adelante un criadero de saltamontes, insecto que se vislumbra como un alimento de futuro, por su gran poder proteico. Aquí del drama rural se pasa al terror mientras que en “El horizonte”, se pone más énfasis en el periodo de iniciación de un adolescente, las relaciones de pareja y la pasión que crece al mismo tiempo que suben las temperaturas.

Esta semana tenemos otra versión diferente con “Una veterinaria en la Borgoña”( 97’), una comedia que firma Julie Manoukian ,agradable de ver, intrascendente y que no veríamos con desagrado si nos la pusieran en una sesión de tarde de fin de semana, aunque eso no quiera decir que renunciemos a pasar por la sala oscura.

Desde luego no es una historia nueva ni muy original, pero resulta fácil de ver en estos tiempos en que buscamos una manera de evadirnos de todas las derivaciones que trae consigo el covid 19.

Aquí una joven investigadora, Alexandra, Noémie Schmidt, a la que no hemos visto con demasiada frecuencia en nuestras pantallas, deja París para atender, supuestamente, a su tío enfermo, que vive en un pueblecito de la Borgoña, donde ella pasó su infancia. Una vez en su pueblo, en sus orígenes descubre que su tío lo que realmente quiere es que se haga cargo de la clínica veterinaria que dirige junto a Nico (Clavis Cornillac) porque quiere jubilarse.


A partir de ahí comienza el enredo con una Alexandra que se debate entre marcharse por donde ha venido o implicarse como veterinaria en el pueblo, en principio durante las vacaciones de verano. Perros, gatos, pájaros, vacas, ratas y hasta caracoles son objeto de los cuidados de Alexandra que debe mostrar sus cualidades frente a un entorno machista. Se la menosprecia, se la hace de menos, pero es una mujer capaz de lidiar con todo y además, con el apoyo incondicional de una niña que, la acompaña cada vez que tiene que acudir a una granja de la zona. La niña de apenas diez años, es su alter ego y en cierto modo una apuesta por el futuro del entorno rural.





Ya digo, una comedia intrascendente, sin sorpresas, pero que resulta y que es una apuesta por la naturaleza y los animales ambientada en la Borgoña donde, eso sí, no tenemos acceso a sus mejores vinos. Será porque es una película apta para cualquier público.

(AUDIO) : "Otra Ronda"

 

El canto a la vida y la juventud del danés Thomas Vinterberg: "Otra ronda"

Otra Ronda

TRES DE RISA QUE BUENA FALTA HACE

La primera se estrena hoy mismo , GUERRA DE MENTIRAS(108’) película alemana de Johannes Naber., que esa una sátira sobre los preparativos y sobre todo las mentiras que rodearon a la primera guerra de Irak, tras los ataques contra las Torres Gemelas y el Pentágono en 2001.

Todo un entramado y un rompecabezas con el único objeto de mentir a la opinión pública. No había armas químicas en Irak, pero desde Washington nos dijeron que si y aquí Toni Blair y José María Aznar se lo creyeron a pies juntillas.

En esta película alemana hay buenas dosis de humor sustentadas en el engaño urdido por las autoridades norteamericanas para preparar a la comunidad internacional de un más que probable ataque a Irak que, no era otro que acabar con el régimen de Sadam Hussein y de paso tener asegurado el petróleo de este país.

“Guerra de mentiras”, entremezcla ficción con realidad porque muestra momentos puntuales como la intervención de Colin Powell, secretario de estado de EEUU ante Naciones Unidas, intentando convencer a sus miembros de que había armas químicas en Irak.

Una farsa que proporcionó a EEUU los resultados esperados pero que produjo miles de muertos y heridos. La mentira fue ajena a los daños colaterales.




De la sonrisa a la carcajada porque llega “Cuñados”(95’), comedia española llena de gags, firmada por el debutante Toño López.

Un arranque con un secuestro calamitoso y los preparativos de un robo que a de convertirse en el golpe del siglo. Dos cuñados son los responsables y para seguir por esa línea de familia política, el secuestrado es cuñado de la empresaria corrupta a la que quieren dejar limpia.

Esta comedia de enredo se complica aún más con la presencia de la policía que investiga los hechos que también está vinculada familiarmente con los secuestradores . Ritmo de farsa en la dirección de este debutante gallego que cuenta con un reparto convincente que invita a las dosis suficientes de humor. Xosé A. Touriñán, Miguel de Lira, Federico Pérez Rey son esos “cuñados” que aseguran un rato agradable.





Y para terminar un filme que lleva varios días en pantalla, “Un efecto óptico”(80’), dirigida por Juan Cavestany (“Gente en sitios”) que cuenta la aventura de dos turistas en Nueva York (Pepón Nieto y Carmen Machi) .

Dos turistas que no reconocen la ciudad que han visto en las guías, con sus parques, sus calles y sus rascacielos absolutamente perfectos e inmaculados

Un paisaje urbano que no es la única razón de ser de la película porque en ella se cuelan otros temas como el síndrome del nido vacío; la crisis de la pareja o la violencia de género.

Cavestany es un francotirador y desde siempre ha hecho el cine que le ha apetecido hacer

“OTRA RONDA” de ... buen cine /9-4-2021/

Los protagonistas de “Otra ronda” no piden saltamontes ni cualquier otro insecto piden, más bien, cerveza, vino o vodka. Thomas Vinterberg construye un canto a la juventud y a la vida en su nueva película, multipremiada en festivales y candidata al oscar en la categoría de mejor película en lengua extranjera y dirección.

“Otra ronda”, comienza con una fiesta de la cerveza, con un grupo de jóvenes que deben beber determinadas cantidades mientras corren alrededor del lago. Continua entre risas y jolgorio en el regreso a casa, en el metro, con más de una gamberrada inofensivas.

Su actitud contrasta abiertamente con la de uno de sus profesores interpretado por Mads Mikkelsen(“La caza”) quien muestra una apatía y un desinterés total por todo, incluso las clases de historia que imparte en el instituto y que son objeto de las protestas de padres y alumnos.

Las cosas en casa no van demasiado mejor. Hay cada vez un mayor alejamiento de su mujer y solo atiende a los hijos para salvar el expediente.

En esas uno de sus amigos (Magnus Millang) psicólogo en el Instituto, cumple cuarenta años y a la cena acuden también el responsable de educación física (Lars Ranthe) y el de música ( Thomas Bo Larsen).Todos son actores muy conocidos del cine y las series danesas.


Los cuatro amigos tras una cena relajada y de la que salen algo bebidos deciden poner en práctica la teoría del psiquiatra noruego Finn Skârderund ,según el cual todos nacemos con un déficit de alcohol en sangre del 0’05%, la cantidad máxima permitida para conducir. A partir de esa noche y todos los días menos los fines de semana beberán la cantidad permitida que evaluarán con un alcoholímetro. La bebida elegida es el vodka porque es la que deja menos rastro en el aliento.

Los resultados son más que positivos. Mikkelsen, de ser un profesor cuestionado, se convierte en un docente del que sus alumnos no quieren perder sus clases. Es ameno, ingenioso y brillante. Lo mismo ocurre con sus amigos que convierten sus clases en un divertimento, al mismo tiempo que mantienen su línea didáctica.

La experiencia es tan buena que deciden apretar las tuercas, es decir, subir la dosis de alcohol . Ahí ya entramos en otro estado más complejo y surge más de una complicación.

Thomas Vinterberg (“Celebración”, ”La caza”…), fundador junto a Lars von Trier, del movimiento Dogma, utiliza la cámara en mano para describirnos y acercarnos, al mismo tiempo, a los cuatro personajes .Seguimos con ellos sus experiencias y sus correrías. Todo insertado en un guion perfecto. Pasamos de la comedia al drama en un soplo , casi como el devenir de nuestras vidas.


En “Otra ronda” Thomas Vinterberg apuesta por la vida y la amistad y se hace eco del pensamiento de Kierdegard, que se nos muestra en pantalla: ¿Qué es la juventud? Un sueño. ¿Qué es el amor? El contenido del sueño.

Todos los protagonistas se introducen y nos introducen en ese sueño, una borrachera cinematográfica que no deja resaca, mientras suena una canción “Estoy joven, estoy vivo que, me importa lo que digan…”

ESTRENOS(9-4-2021) : “LA NUBE”. Relato rural y apocalíptico

No parece una profesión muy atractiva pero la protagonista de “La nube” (90’ ) está más que convencida que en su trabajo está el futuro.

Nos situamos en la campiña francesa donde Virginie, una mujer de mediana edad, interpretada por Suliane Brahim, quién ganó el premio de interpretación femenina en el último festival de Sitges, recientemente viuda, vive con sus dos hijos en una granja donde ha construido unos criaderos de saltamontes, cuya harina, muy rica en proteínas, se utiliza para alimentar a otros animales.

Virginie está convencida que, dentro de unos años, con el deterioro del medio ambiente, los saltamontes, como otros insectos, acabarán siendo imprescindibles y en ellos estará el futuro de la alimentación de la humanidad.

Antes de que "La nube" se convierta en protagonista

La película que comienza como un drama de carácter rural, con los esfuerzos de Virginie en sacar adelante la granja y sus hijos y la poca ayuda exterior que encuentra desemboca en un thriller con tonos fantásticos y apocalípticos que no esconden la admiración del director por los clásicos como “La mosca” o “Cuando ruge la marabunta”, en que pequeños seres, casi insignificantes, son capaces de dar la vuelta a todo.

Virginie en su afán por sacar adelante su negocio experimenta con su sangre para alimentar a los saltamontes. Pero los resultados no son los deseados porque los saltamontes acaban mutando y forman esa nube que nos atrapa, nos rodea y trata de vampirizarnos.

De la vida complicada, pero apacible del entorno rural viramos a un tono apocalíptico y agobiante en que Virginie es al mismo tiempo víctima y culpable

Just Philippot, quién en su debut en la dirección consiguió el premio especial del jurado en Sitges ha dicho que con su película. Le gustaría llevar a la reflexión sobre las catástrofes que provoca la mano del hombre por su propia inconsciencia y como eso nos desconcierta, como pasa con el covid19”.

No es desconcierto, pero si muchas dudas sobre el futuro porque como reza la publicidad del filme: ¿Cómo alimentar el mundo del mañana?

Marchando una de saltamontes.... ¿Otra ronda?

Isabel Lamberti entrevistada por "La última primavera"

"OCHO y MEDIO" con Fellini al fondo de la librería





”La última primavera”, el día a día de una familia en la Cañada Real, una barriada desconocida para la mayoría de los madrileños más allá de las noticias que hablan de delincuencia y drogas, se estrenó, como comenté ,el pasado fin de semana. Antes de su estreno tuve ocasión de charlar con Isabel Lamberti, su directora, nacida en Alemania, residente en Ámsterdam, pero con raíces españolas.

Conocer la Cañada fue un reto de esta joven realizadora que ganó el premio a la mejor dirección novel en el Festival de San Sebastián. Su película es un canto a una manera de vivir y un canto a la libertad a través de la familia protagonista

Me cité con Isabel en un sitio inmejorable para hablar de cine. La librería “Ocho y Medio”:







¿Me gustaría que me explicaras de donde surgió tu interés por la Cañada Real, siendo una persona que pasa la mayor parte del año en Ámsterdam?

Soy medio española, media holandesa, y tengo una abuela en Madrid que visito todos los años. Un día estábamos viendo televisión y de repente salió la Cañada Real. Le pregunté a mi abuela que donde estaba esa barriada y me contestó que era un sitio al que no se podía ir.

Le dije que me interesaba mucho y que iba a ir de cualquier forma. Recuerdo que se enfadó mucho y me dijo que no podía ir con esa pinta, de guiri, de rubia. Que no era aconsejable que fuera.

La verdad es que estabas buscando un tema para mi cortometraje de graduación y me pareció un sitio más que apropiado para hacer una película sobre un tema español y porque era una manera de conocer un poco más a mi país.

-¿Y te encontraste con la familia protagonista o hiciste un casting?

Fue a través de la Asociación del secretariado gitano en la Cañada Real que me presentaron a la familia Gabarra Mendoza. Desde el primer momento me pareció una familia fantástica. En seguida establecimos una buena relación y con ellos rodé mi cortometraje “Volando voy” y posteriormente “La última primavera”.

¿ Cuál es tu opinión sobre la Cañada Real ¿.Es comprensible que la gente viva en las condiciones en que viven?

He estado haciendo una entrevista para televisión antes de estrenar la película .Pasa algo muy raro en la Cañada. Es un sitio muy difícil ,con condiciones muy malas, pero cada vez que estoy allí también me entra una sensación de libertad. El ritmo de la vida, mi vida diaria cambia si estoy allí. Hay más naturalidad, hablas con los vecinos, es diferente. Así que si estoy en la Cañada tengo esa sensación de libertad lejos de la miseria, las malas condiciones o todos los males con que se relaciona a esta barriada.



“La última primavera” refleja el día a día de la familia protagonista y recoge momentos puntuales como el problema de la luz, y sobre todo las viviendas, que han construido y que les obligan a abandonarlas. No solo pierden sus casas si no sus recuerdos

Si. La pérdida no es solo material porque pierden sus vivencias, sus historias, sus vidas, sus recuerdos …-Creo que es muy importante entender porque nuestras casas son solo nuestras casas y para ellos es su vida, es su alma y es todo.



- Los protagonistas no son actores profesionales. ¿Han sido tan naturales en el rodaje como aparentan en pantalla?

- Pues algunos si , con otros tienes que trabajar un poco más. Si trabajas con actores no profesionales tienes que ajustar tu tipo de dirección a la persona que tienes enfrente de ti, por lo que los ensayos no solo son para ellos, si no también para mi… Que instrucciones les ayudan y cuales les incomodan. Hace falta mucha psicología.

- “La última primavera “ es una ficción, pero tiene una estructura casi documental . ¿Buscabas ese efecto desde que la concebiste?

--Lo más importante era capturar la vida cotidiana quería ver cómo era la vida en la Cañada. El ritmo que marcamos me hacía estar allí, casi como un miembro más de la familia, y vivir su vida. Esa cercanía hace que los conozcamos mejor.

--La suya es una historia de las pequeñas cosas, del día a día . Recuerdo una vieja serie de Televisión española, “Vivir cada día”, que trasmitía esas sensaciones desde un falso documental.

--- No conozco esa serie, pero si vi “Los olvidados” de Buñuel que entiendo como una película inspiradora de esa vida diaria. Siempre me ha encantado las películas dende la narrativa no es solo lo más importante. Creo que uno de los efectos más especiales que puede trasmitir el cine, llevarnos a otro mundo.

¿ Y la siguiente película está ya en marcha?

-Estoy escribiéndola ahora, después de pasar unas semanas investigando. Quiero rodarla en Madrid. Trata de mujeres inmigrantes que vienen de países latinoamericanos, que dejan a sus hijos y sus maridos si tienen, en sus países de origen y que trabajan sin descanso para mandarles dinero a sus familias.

¿Trabajará más la línea documental o la ficción?

Mas ficción, pero mi investigación previa es siempre exhaustiva siempre es muy grande He hablado ya con unas cincuenta mujeres que están viviendo de esta manera. Mientras que escribo el guion uso muchísimo los detalles, los relatos, las historias que han vivido las mujeres con las que hablo.

¿A lo mejor incorporas a alguna de las mujeres que has conocido a tu película?

Podría ser me gusta mucho trabajar con actores no profesionales, pero a lo mejor para conocer mejor como es la experiencia podría mezclar profesionales y no, ya veremos.



Isabel se tiene que marchar. Le espera una nueva entrevista en Prado del Rey. Le deseo suerte e invito a todos a que vean “La última primavera”.