5/31/2023

"EL CASO PADILLA". Los tentáculos del autoritarismo

 

EL CASO PADILLA (78’)

DIR: Pavel Giroud

DOCUMENTAL

 

Más cine de carácter político.



Nos situamos en la primavera de 1971. El escritor Heberto Padilla ha pasado unos días en la cárcel y comparece ante la Unión de Escritores Cubanos. Su comparecencia, que constituye la base del documental, nos muestra a un escritor que sin ningún convencimiento hace autocritica de su posición contraria a algunas actuaciones del régimen de Castro;  se declara agente contrarrevolucionario y denuncia a algunos de sus compañeros como Norberto Fuentes .

Esa comparecencia, cuya grabación permanecía inédita hasta la fecha, se produjo un mes después de su detención acusado de atentar contra la seguridad del estado. Aquel hecho movilizó a un amplio número de intelectuales de todo el mundo cuyos testimonios como los de Vargas Llosa,  Carlos Fuentes, Jorge Edwards o Jean Paul Sartre también son incluidos en la película. En una carta exigieron a Fidel Castro que liberase al poeta , cuya única culpa era disentir a través de su obra poética.
Padilla con Norberto Fuentes

Esa autocrítica en la que renegó de sus ideas y de sus obras como “Fuera de juego” suena a falsa. Heberto Padilla fue obligado a pedir perdón y hacer públicos los nombres de los amigos que disentían como él.  Era claro que esos nombres ya figuraban como fichados por la seguridad del estado.

Padilla antes de la Revolución trabajó en diversos medios estadounidenses y colaboró con periódicos y revistas cubanos tras la victoria de Castro. Era un entusiasta de la Revolución, pero a su regreso a la isla en 1966 volvió con serias dudas sobre régimen de Castro y su cada vez mayor acercamiento a la Unión Soviética, país donde había pasado unos años como corresponsal de Prensa latina.

Tras aquella comparecencia ante la Unión de Escritores, Padilla se quedó sin poder trabajar en prensa , en publicaciones literarias o sin acceso a la docencia. Sobrevivió con traducciones que hacía para el Instituto del Libro y en 1980 se exilió a EEUU donde se dedicó especialmente la docencia hasta 2000,en que falleció.

Se consideró un verso libre. Disintió contra el régimen de Castro, pero también contra el exilio de Miami. Creía en el papel critico del intelectual y en su libertad e independencia.

INTERESANTE




"LOS OSOS NO EXISTEN". La última película en Irán dirigida por un director que cree en la libertad expresión.

 

LOS OSOS NO EXISTEN ( 106’)

DIR: Jafar Panahi

INT.: Jafar Panahi, Naser Hashemi, Vahid Mobasheri,Mina Kavani


 


Jafar Panahi pudo rodar esta película antes de ser condenado a seis años de cárcel por el régimen iraní. Panahi es crítico contra el régimen y siempre ha mostrado el compromiso del artista con la sociedad y la libertad de expresión, como hemos visto en otras de sus películas como “Taxi Teherán” o “Esto no es una película”.

Tras “Los Osos no existen” además de su condena a la cárcel, el realizador fue también condenado a no rodar películas durante veinte años. La película ganó el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia de 2022.


En “Los osos no existen”, Panahi rodó en una localidad fronteriza con Turquía y se rodó a sí mismo porque protagoniza este filme entre lo documental y la ficción, una fusión que es habitual en su cine . La historia cuenta como un director quiere rodar a las gentes, las costumbre y las tradiciones de la aldea. Su proceso de rodaje muestra las dificultades a las que se enfrenta en su propio país como es el propio hecho de rodar una película o incluso la posibilidad de amar libremente.  Hay recelo o quizá miedo. Hay mafias que ayudan a cruzar la frontera, pero también traficantes. Un mundo que oculta el régimen iraní. 

Por un lado, Panahi interrelacionándose con los lugareños, pero hay momentos en que sus intentos para rodar determinadas secuencias le crean el enfrentamiento con los lideres locales.  Por otro, el cineasta iraní quiere mostrar el desánimo de la población, de los jóvenes que quieren dejar todo atrás porque ni siquiera pueden escapar a matrimonios concertados.

Los Osos si existen. La policía de la moral, los policías iraníes, están para evitar que salgas del país o puedas amar libremente. En Occidente no dejamos de asombrarnos de que estas situaciones existan, pero son habituales en decenas de países en todo el mundo.

La libertad de expresión puede significar la cárcel,

RECOMENDABLE




5/29/2023

RACISMO, VINICIUS Y CINE


 

Cuando era niño siempre oía decir que España no era un país racista. Lo comentaban los mayores cuando salía alguna noticia de crueldades cometidas en Estados Unidos contra la población afroamericana o en Suráfrica donde se vivía un “apartheid” discriminatorio y violento contra la población de raza negra.

Aquí seguíamos sin ser racistas salvo cuando se trataba de los gitanos que , en todos los estudios sociológicos que se hacían en este país, tenían un notable rechazo de la población paya.

El realizador valenciano, Lorenç Soler me contaba hace años que, cuando dirigió la película “Lola, vende cá” que hubo mucha tensión en el rodaje entre los actores payos y gitanos. Era de la teoría que los seres humanos somos todos racistas y que lo importante, lo que nos diferencia a la mayoría de la población, es que seamos capaces de plantar cara al racismo de forma tajante, ante cualquier situación que trate de discriminar al diferente.

Hasta entrados los años noventa no comenzaron a venir a España magrebíes, subsaharianos o latinoamericanos de rasgos indígenas. Antes, en nuestras calles, solo la presencia de los chinos que abrían un restaurante y después “los todo a cien”.

En la última década del siglo XX comenzó a producirse un cambio sustancial en nuestras ciudades. Gente proveniente de otros países, de otro color, de otras razas, de otras culturas y tradiciones comenzó a formar parte de lo cotidiano, del día a día y entonces si empezaron los primeros incidentes racistas. España no era diferente al resto del mundo. Había racistas en ese nuevo y colorido mosaico que recorría nuestras calles.

Los insultos a Vinicius, y los que ha habido con anterioridad a otros jugadores como Iñaki Williams o Samuel Etoo han tenido repercusión mundial y la actitud de un grupo de fanáticos ha vuelto a recordarnos que el racismo sigue activo en nuestro país.  No hay que ser benevolentes contra el racismo, no podemos construir una sociedad en que se produzcan este tipo de actitudes. Desde los años noventa somos un país multiétnico como nos lo recuerda el cine con películas filmadas en aquella década en que sectores de nuestra sociedad se oponían a la presencia de otras razas o nacionalidades .

Montxo Armendáriz reflejaba la explotación de los jornaleros subsaharianos en “Las cartas de Alou”, al mismo tiempo que mostraba el rechazo a un trabajador negro que, además, tuvo la osadía de mantener relaciones con la hija blanca del dueño de la taberna. También incidieron en el racismo Imanol Uribe (Bwana) , Chus Gutiérrez (Poniente),  Alberto Rodríguez (El traje) , Manuel Gutiérrez Aragón (Cosas que dejé en La Habana) , Iciar Bollain (Flores de otro mundo) , Enrique Gabriel (En la puta calle) o Carlos Saura (Taxi) que mostraba un grupo organizado de ultraderechistas que atacaba a los diferentes y que mostraba la discriminación en nuestra sociedad.

Han pasado entre veinticinco y treinta años desde que se rodaron aquellas películas . Mucho tiempo trascurrido para tratar de corregir las actitudes de aquella España que había vivido aislada del mundo y solo veía a gentes de otras razas en documentales de televisión , en el cine o entre los norteamericanos que llegaron a las bases de Rota, Torrejón y demás bases pero que solían tener poco contacto con la población . Ver las películas que he citado u otras en la misma línea provenientes de otras cinematografías como la norteamericana o la francesa ayudarían a nuestros jóvenes, en colegios e institutos a acercarse a la realidad del problema y a debatir y analizar por qué se producen actitudes racistas, como la vivida por Vinicius, en nuestro país. España, como país, no es un  país racista pero si hay racistas y actitudes que hay que corregir desde el propio sistema educativo.

PUBLICADO en LA VOZ.29.5.23)

 

5/25/2023

Almodóvar y su pequeño western; el primer amor en la película italiana El Colibrí y la competencia de padre e hijo en la dirección de una orquesta,entre los estrenos..

 

ESTRENOS 26.5.23

 


Erice con sus dos actores protagonistas

Víctor Erice no ha estado en Cannes pero a tenor de las opiniones y los atronadores aplausos tras la proyección de “Cerrar los ojos”, su primera película después de treinta años, estamos ante otra pequeña obra maestra de nuestro cine.

Erice, en una carta publicada en el diario El País ha salido al paso de las excusas de la organización parea no incluir la película en la sección a concurso porque la película no estaba terminada del todo.

Erice explica en la carta que la película se envió el 24 de marzo en solo sin las ultimas correcciones de luz propias del etalonaje digital y las correspondientes a las mezclas finales, pero no perjudicaban a la entidad de la obra. El llamado “work in progress” es un procedimiento bastante usado por los productores y aceptado por los comités de selección de los festivales. En el Palacio de Festivales se ha proyectado “Cerrar los ojos”, con el etalonaje y las mezclas finales por lo que Erice comenta que no es verdad afirmar o insinuar que el comité no pudo verla al no estar “terminada” hasta hace unos días , aduciendo que ese ha sido el motivo de que no estuviese en competición .

Erice en la carta, explica, además, que le ofrecieron inaugurar La Quincena de los Realizadores, pero pidió a sus responsables que esperasen hasta que el director del festival decidiese si iba a seleccionarla o no.  Pero no tuvo respuesta y así se cerraron las opciones tanto de la Quincena de los Realizadores como de otros festivales como Locarno y la próxima Mostra de Venecia.

El director español dice que no ha acudido a Cannes, como ya comunicó a la dirección del certamen, no porque la película no haya sido incluida en la sección oficial sino por la actitud del director del festival Thierry Frémaux que no se prestó al diálogo y la consulta por lo que se cerraron las opciones de presentar la película en otros escenarios.

“Cerrar los ojos” en opinión de quienes la han visto, es un canto al cine y según titula Elsa Fernández Santos en El País, Erice ahonda en el cine como identidad y memoria.

Manolo Solo,  José Coronado y Ana Torrent encabezan el reparto de una película que esperamos con expectación.

La que ya llega es “Extraña forma de vida”, el mediometraje de Pedro Almodóvar, que si acudió al festival de Cannes

 

EXTRAÑA FORMA DE VIDA (31’)

DIR: Pedro Almodóvar

INT.: Ethan Hawke, Pedro Pascal, Jason Fernández, José Condessa, George Steane, Pedro Casablanc, Sara Sálamo.

El pequeño western de Pedro Almodóvar con dos protagonistas que muestran su condición homosexual algo que, a juicio del director manchego no fue capaz de hacer visible Hollywood porque para él son muchas las películas del oeste que, muestran una poco disimulada atracción sexual entre los protagonistas masculinos.Bien rodada pero intrascendente.

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MAESTRO(S) (96’)

DIR: Bruno Chiche

INT.: Yvan Attal, Pierre Arditi, Miou-Miou, Caroline Anglade, Pascale Arbillot

Una comedia sobre el mundo de la música clásica y dos protagonistas, padre e hijo,  ambos directores de orquesta comidos por los celos y el egocentrismo.

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EL COLIBRÍ (126’)

DTORA: Francesca Archibugi

INT.: Pierfrancesco Favino, Kasia Smutniak, Bérenice Bejo, Nanni Moretti, Laura Morante

 

Una historia de un amor que atraviesa décadas. Cómo ese primer amor puede marcar nuestras vidas

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MATAR CANGREJOS (106’)

DIR: Omar A. Razzak

INT.: Paula Campos, Agustín Díaz, Sigrid Ojel, Casper Grimbere


Actores no profesionales en la nueva película del tinerfeño Omar A. Razzak en que un niño y su hermana adolescente esperan ansiosos la llegada de Michael Jackson a Tenerife para asistir al concierto que dará en la isla.

Sus planes se complican cuando su madre se queda embarazada de un extranjero y todo podría cambiar antes de que el cantante llegue a la isla.

Película plena de naturalidad y frescura que Razzak escribió hace dos décadas, cuando tenía 19 años. La acción se sitúa en la década de los noventa y toma como referencia el concierto de Michael Jackson en 1993, al mismo tiempo que en aquellos años comenzaban a llegar las primeras pateras con inmigrantes.

 

ANHELL 69 (75’)

DIR: Theo Montoya

 

Un coche fúnebre recorre las calles de Medellín mientras un joven director cuenta la historia de esta ciudad marcada por la violencia. Recuerda su infancia , su interés por el cine de autor y su sexualidad.  Con imágenes que entremezclan realidad y ficción, pasa después  a describir como intenta dirigir su primera película, una ficción sobre una secta de fantasmas. El casting se realiza entre la juventud queer pero el actor principal muere de una sobredosis a los 21 años. Cuando el director ve como van desapareciendo los otros actores, la película explora entonces los anhelos de una generación que siempre vivió en guerra, sus temores y sus dudas y el deseo de continuar haciendo cine.

Medellín es la gran protagonista de esta historia inclasificable.  Poesía en una ciudad en que se puede morir de muchas formas y en la que los “espectrofílicos” salían solo por las noches para mezclarse con los vivos. Eran tantos los muertos- dice el narrador- que los fantasmas habían comenzado a convivir con los vivos . Muertos y vivos de una generación que nunca conoció la paz y para la que los acuerdos de paz de 2016 fueron una puerta a la esperanza.

Montoya define “Anhell 69” como la primera película trans porque el cine está cambiando como la sociedad y a su juicio, es necesaria la renovación del audiovisual porque esta sociedad tiene una mayor mixtura. El cine debe experimentar, dejar de etiquetar y aceptar el porvenir de los nuevos tiempos.

Transexual, transgresora, transformadora …“Anhell 69” que es también un homenaje a los cineastas colombianos como Víctor Gaviria y su “Vendedora de rosas” inaugura el festival Rizoma de Madrid que acoge producciones muy alejadas del cine comercial.

 

LA SIRENITA (135’)

DIR: Rob Marshall

INT.: Halle Bailey, Javier Bardem, Melissa McCarthy, Jonah Hazuer King, Saveed Diggs




Tras el clásico animado de Disney llega esta nueva versión sobre Ariel, la más joven de las hijas del rey Tritón (Javier Bardem), se propone conocer del mundo, mas allá del mar y mientras visita la superficie, se enamora del príncipe Eric.

El amor lo puede todo y Ariel , a pesar de que las sirenas no pueden interactuar con los humanos hace un trato con una bruja para `poder estar con Eric. Su decisión pon e en peligro su vida y la pervivencia del reino de Tritón.

MAESTRO (S): La musica y los celos de padre e hijo

 

 

MAESTRO(S) (96’)

DIR: Bruno Chiche

INT.: Yvan Attal, Pierre Arditi, Miou-Miou, Caroline Anglade, Pascale Arbillot


Una comedia adornada con excelente música clásica que muestra las diferencias entre padre e hijo, dos directores de orquesta, ambiciosos y egocéntricos que mantienen un pulso abierto.

Maestro (s)” es una versión libre del largometraje “Pie de página”, del director y guionista israelí Joseph Cedar, quién también participa en el guion de este filme junto al director Brino Chiche.

Padre e hijo tienen una relación muy fría y casi formal que se agravará cuando un malentendido hurgará en la herida, porque ambos quieren ser los mejores en su profesión. Mientras François entra en la recta final de su carrera internacional su hijo Denis continúa acumulando premio tras premio.

Denis tiene como compañera a una violinista de su orquesta y su ex mujer es su agente. Un triángulo que se complementa y al que se une el hijo de ambos quien no se muestra muy convencido en seguir la carrera musical.

Por su parte, François convive desde hace décadas con su pareja (Miou-Miou) con la que nunca se ha casado y que, es el centro de la familia porque es ella la que busca arbitrar la relación entre padre e hijo.


Comedia, con sus puntos dramáticos, que permitirá que nos relajemos en la sala oscura durante la hora y media que dura su metraje.

ENTRETENIDA




"EL COLIBRÍ" : AMOR PARA SIEMPRE

 

EL COLIBRÍ (126’)

DTORA: Francesca Archibugi

INT.: Pierfrancesco Favino, Kasia Smutniak, Bérenice Bejo, Nanni Moretti, Laura Morante




 Ha sido uno de los éxitos de este año en Italia. Basada en la novela del mismo título del escritor italiano Sandro Veronesi, “El colibrí” es un recorrido por la vida de un hombre que nunca pudo olvidar su primer amor.

Es, ya lo he dicho una narración sobre el amor, pero también una constatación de que debemos superarnos a nosotros mismos y buscar la manera de enfocar nuestras vidas.

Con un estupendo reparto, “El colibrí” es un fresco sobre las vivencias del protagonista, Carlo (Marco Carrero)  quién no puede dejar atrás el pasado. Recuerdos que aparecen y desaparecen como el verano que pasaba en la playa y donde conoció a Luisa (Berenice Bejó) , su primer amor y de la que estuvo enamorado toda su vida.  La película se desarrolla a lo largo de varias décadas con Carlo, ya médico, apodado el “Colibrí” por sus conocidos, debido a su baja estatura durante la infancia.

No obstante, ambos pasaron página y siguieron con sus vidas. Carlo se caso y tuvo una hija. Luisa hizo lo propio pero sus vidas siempre estuvieron relacionadas. Era difícil romper el hilo que los unía a pesar de que su relación tuviera que ver más con lo platónico que con lo carnal.

Junto a Carlo y Luisa hay otros personajes destacados como el psicoanalista Danielle Carradori  (Nanni Moretti) que tratará que su amigo Carlo sea capaz de afrontar los cambios que se producen en su día a día. Mentiras, infidelidades, inseguridad, pérdidas, diferencias entre hermanos una amalgama de situaciones y sentimientos que la veterana realizadora italiana Francesca Archibugi sabe contarnos a pesar de los permanentes vaivenes cronológicos que nunca rompen el hilo de la narración.

INTERESANTE



5/24/2023

"EXTRAÑA FORMA DE VIDA" : Almodóvar hizo su pequeño western

 

EXTRAÑA FORMA DE VIDA (31’)

DIR: Pedro Almodóvar

INT.: Ethan Hawke, Pedro Pascal, Jason Fernández, José Condessa, George Steane, Pedro Casablanc, Sara Sálamo.



Lo corto si breve dos veces bueno. Corto porque ver media hora de película entre la maraña de títulos que sobrepasan con creces las dos horas de duración es una tregua en el día a día de los críticos y comentaristas de cine.

Dicho esto, la película, la historia que plantea Almodóvar se queda corta, constreñida, como si quisiera contar muchas cosas y que es difícil que se puedan concretar en tan poco tiempo.

Sherif insobornable , íntimo amigo que aparece 25 años después, asesinato de la cuñada a manos del hijo del segundo; pasión contenida durante un cuarto de siglo; recuerdos de aquella primera vez:  honor y cumplimiento del deber.

Ethan Hawke interpreta a Jake ese sheriff sereno y honrado que revive su pasado cuando aparece su amigo de juventud, Silva (Pedro Pascal). Vivieron momentos de pasión y este último cree que pueden volver a recuperarlos.

“Extraña forma de vida” es una historia de deseo y de amor entre dos hombres que son muy distintos a como lo eran en su juventud.  Almodóvar se decanta por la sensualidad de sus personajes que intercambian miradas atrevidas y temerosas, al mismo tiempo.

Un pequeño western que reúne todos los elementos del clásico y que entendemos como un capricho de Pedro Almodóvar quién considera que el western está lleno de personajes homosexuales que no pudieron dar rienda suelta a sus deseos y a su pasión en un género demasiado puritano y poco atrevido a mostrar otro tipo de relaciones fuera de las más convencionales.

Muy bien rodado y con una excelente factura técnica. Personalmente no me ha interesado pero seguro que habrá muchos seguidores fieles de esta pequeña película.




 

 

5/22/2023

ALMODÓVAR y su "Extraña forma de vida"

 

He visto el mediometraje de Pedro Almodóvar "Extraña forma de vida" ( 31') en  un pase al que hemos asistido  más de medio centenar de periodistas.

En tres líneas : Muy bien rodado  a lo que contribuyen ,sin duda, la impecable fotografía de José Luis Alcaine; la música de Alberto Iglesias y el montaje de Teresa Font.

Una historia demasiado constreñida para contar el reencuentro de dos hombres que vivieron una apasionada relación 25 años atrás. Almodóvar ha comentado que los western están plenos de personajes homosexuales que reprimen sus deseos y en su película trata de hacer visible esa relación que Hollywood ocultó sistemáticamente. 

Amor, más bien deseo, entre hombres que no se atrevieron a continuar con su relación y que, no sabían nada uno del otro.

El reencuentro es apasionado pero hay cuentas pendientes  y el sheriff  (Ethan Hawke) quiere cumplir con su cometido y arrestar al hijo de su amigo (Pedro Pascal).  ¿Qué pasará? .La respuesta a partir del próximo día 26 en que se estrenará en salas y ya se han agotado las localidades para la sesión en que participará Almodóvar, al termino de la proyección.

De Pedro Almodóvar y del cine español escribí este lunes (22.5.23) en (La Voz) y este es el artículo.



ALMODÓVAR

 

A estas alturas de la película es difícil negar la atracción que tiene el cine de Almodóvar para el público internacional. Su corto o mediometraje, según se mire, “Extraña forma de vida” que tiene una duración de treinta minutos, ha necesitado de varios pases más para cubrir la demanda de muchos espectadores que no tuvieron acceso a su presentación en Cannes.

Para el festival francés que, tan rácano ha sido históricamente con nuestro cine que, no suele tener presencia en la sección oficial ,y que solo tiene una palma de oro en su palmarés, la que ganó Luis Buñuel por “Viridiana”, Almodóvar  está en un pedestal  como ocurrió en su época con Carlos Saura, habitual en el certamen y de alguna manera el único cineasta español que les interesaba. Fernando Méndez Leite, actual presidente de la Academia de Cine contaba que, en sus tiempos al frente de la Dirección General de Cinematografía siempre que hablaba con Gilles Jacob, director de Cannes, este solo le preguntaba “¿Alguna nueva película de monsieur Saura?”.

Era el único, aunque por ahí también estuviesen Mario Camus o Víctor Erice que, por cierto, ha vuelto al certamen con “Cerrar los ojos”, treinta años después de rodar su última película y cuando ya ha cumplido 82 años.

En Cannes una película de Pedro Almodóvar es todo un acontecimiento cinematográfico y lo es desde el inicio de su carrera con “Pepi, Luci, Boom y otras chicas del montón”, un filme menor, pobremente rodada, pero con una frescura hasta entonces desconocida en nuestro cine. Aquel filme y los que lo siguieron en aquella época, “Entre tinieblas” y “Laberinto de pasiones”, se convirtieron en todo un icono de la “movida” madrileña de los años ochenta.

No me considero un seguidor incondicional del cine del director manchego , no suelo volver a ver sus películas como me ocurre con otros cineastas españoles como Berlanga , José Luis Cuerda o incluso, Fernando Trueba, y algunas me han parecido malas o muy malas como “Los amantes pasajeros”, un bodrio de muy alto nivel, pero si reconozco que algunos de sus títulos como  “¿Qué he hecho yo para merecer esto?”, “Mujeres al borde de un ataque de nervios” o “Volver” me han parecido excelentes en su conjunción entre la comedia y el drama y la excelente dirección de actores y actrices que es otra de las características de su cine.

La fuerza de sus personajes, excéntricos, apasionados ,rencorosos, impetuosos han creado un universo Almodóvar con actores y sobre todo actrices que han sido habituales en su cine en distintas épocas, como son los casos de Carmen Maura y Penélope Cruz. Actrices ligadas para siempre a su cine como también habría que incluir en esa lista a Victoria Abril, Chus Lampreave, Julieta Serrano, Cecilia Roth, Rossy de Palma y un largo etcétera de “chicas Almodóvar”. Mujeres que responden a esas características que antes apunté y que unen, en muchos casos, la condición de madre, un rol imprescindible en el cine de Almodóvar que mezcla lo tradicional y lo transgresor, con personajes marginados y poco dados a aceptar ninguna regla.

A sus 73 años Pedro Almodóvar sigue adelante y ya ha anunciado que su próxima película se rodará en Nueva York y será la primera que ruede en inglés. No ha trascendido más allá de que las protagonistas serán dos actrices anglosajonas. Veremos.

 

 

 

5/19/2023

Almodóvar en Cannes en una semana con estrenos como el drama italiano "Ocho Montañas" y "Alice, cariño", cine indie sobre maltrato

 

ESTRENOS 19.5.23

 

Cannes está en plena ebullición. El posiblemente, el festival más importante del mundo es una fiesta del glamour y del cine. Poca presencia española salvo la esperada vuelta de Víctor Erice , cuarenta años después con “Cerrar los ojos” y el mediometraje de Pedro Almodóvar “Extraña forma de vida”, con Ethan Hawke y Pedro Pascal. Un western protagonizado por una pareja gay que vuelven a encontrarse y   que llegará a las salas españolas el próximo día 26.  Tras la proyección el cineasta y Ethan Hawke dialogaron sobre la película con una sala abarrotada en la que Pedro Almodóvar comentó su aversión al género cuando era niño y como después fue redescubriéndolo hasta convertir en pasión el western clásico.

En el acto celebrado en Cannes anunció que rodará un largo en inglés en Nueva York y con dos actrices anglosajonas que, no ha confirmado de quienes se trata . Tiene previsto rodar tres semanas en Nueva York en la próxima primavera y los interiores en España.

 

LAS OCHO MONTAÑAS (147’)

DIR: Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch.

INT.: Luca Marinelli, Alessandro Borghi, Filippo Timi, Elena Lietti, Elisabetta Mazzulo

“Las ocho montañas” es la historia de una amistad fraguada desde la infancia. La narración se inicia en los años ochenta y abarca hasta la primera década del siglo XXI, con los protagonistas ya adultos .La montaña como protagonista y testigo de esa larga amistad  

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SICA (91’)

DTORA.: Carla Subirana

INT.: Thais García, Nuria Prims, Marco Antonio Florido, María Villaverde.



La naturaleza también es protagonista de “Sica” en que una adolescente se niega a aceptar que su padre ha muerto en un naufragio en la Costa a Morte. Debut en la ficción de la documentalista, Carla Subirana

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ALICE, CARIÑO (89’)

DTORA: Mary Nighy,

INT.: Anna Kendrick, Wunmi Mosaku, Kaniehtio Horn. Charlie Carrick

El proceso de una joven para ser consciente de que está siendo maltratada psicológicamente. Un filme cuya intensidad va creciendo a medida que vamos metiéndonos en la narración y acercándonos a la relación que mantiene la pareja protagonista.
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UNA BUENA PERSONA (128’)

DIR.: Zach Braff

INT.: Florence Pugh, Morgan Freeman, Celeste O? Connor, Molly Shannon, Chinaza Uche.


Una buena persona” es una `película sobre la pérdida y como hay que volver a levantarse tras una tragedia. Zach escribió el guion en plena pandemia junto a la actriz protagonista Florence Pugh que, entonces, era su pareja.
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LA GRAN JUVENTUD (126’)

DTORA: Valeria Bruni Tedeschi

INT.: Nadia Tereszkiewicz, Sofiane Bennacer, Louis Garret, Micha Lescot





Valeria Bruni Tedeschi ( La casa de verano) nos traslada a los años ochenta, al Theatre des Amandiers en el suburbio parisino de Nanterre que, en aquella época fue dirigido por el director de cine, teatro y opera Patrice Chéreau.

Aquel escenario, en que trascurre la mayor parte de la acción, era el lugar más deseado por los jóvenes intérpretes o directores que  querían hacer una carrera en el mundo del teatro o el cine y recibir clases de primeras figuras como Michel Piccoli , Catherine Deneuve o Gerard Depardieu.

La protagonista de la película Stella (Nadia Tereszkiewicz) estudia en la escuela de interpretación de Patrice Chéreau (Louis Garrel). Allí, además, de preparase como actriz encontrará el amor, en una época en que el fantasma del sida amenazaba la sociedad.

 

ADEMÁS, esta semana,  TIBURÓN A LA VISTA, película francesa que entremezcla terror y comedia; INCREIBLE, PERO CIERTO, otra comedia firmada por el francés Quentin Dupieux y una nueva entrega, la décima, del filme de acción FAST FURIOUS.

5/18/2023

UNA BUENA PERSONA: Salir del infierno tras la pérdida de un ser querido .

 

UNA BUENA PERSONA (128’)

DIR.: Zach Braff

INT.: Florence Pugh, Morgan Freeman, Celeste O? Connor, Molly Shannon, Chinaza Uche.



Zach Braff (“Algo en común”) en su cuarta película como director continúa en su línea de relatar aspectos de su propia vida  al contar experiencias vividas en los últimos años en que familiares cercanos y amigos fallecieron en pocos meses.

Una buena persona” es una `película sobre la pérdida y como hay que volver a levantarse tras una tragedia. Zach escribió el guion en plena pandemia junto a la actriz protagonista Florence Pugh que, entonces, era su pareja.



Allison, la protagonista, lleva una vida perfecta tanto en lo personal como en lo profesional. Está a punto de casarse con Natham (Chinaza Uche) pero un desgraciado accidente cambia toda su vida.

La película narra la caída a los infiernos de Allison, pero también es capaz de trasmitir humor en los momentos más dramáticos porque el director y guionista es de la opinión de que en la vida drama y humor se mezclan. Busca que sus historias tengan personajes con conflictos, pero en las que haya espacio para la sonrisa. ENTRETENIDA




 

ALICE, CARIÑO : El enemigo está en casa

 

ALICE, CARIÑO (89’)

DTORA: Mary Nighy,

INT.: Anna Kendrick, Wunmi Mosaku, Kaniehtio Horn. Charlie Carrick




Es una película que habla de maltrato sin mostrarlo explícitamente. El personaje protagonista, Alice,  sufre maltrato psicológico, pero no es consciente de lo que le está pasando. Minimiza el daño que sufre, al mismo tiempo que los espectadores van descubriendo y analizando esa relación tóxica que tienen los protagonistas


.

Durante unas vacaciones con sus amigas, en una cabaña alejada del bullicio de la ciudad, Alice va tomando conciencia de la relación que vive con un hombre que de cara a quienes lo conocen, es el novio perfecto. Es un personaje inmaduro, inseguro y controlador que anula la personalidad de Alice que, ante sus amigas se muestra esquiva e irritable, incapaz de reconocer y ni siquiera entender lo que la está ocurriendo.



Un filme canadiense de tono feminista que, trata de forma muy sutil e inteligente, un aspecto del maltrato poco abordado cinematográficamente. Un filme cuya intensidad va creciendo a medida que vamos metiéndonos en la narración y acercándonos a la relación que mantiene la pareja `protagonista.

INTERESANTE




SICA: El mar y la pérdida

 

SICA (91’)

DTORA.: Carla Subirana

INT.: Thais García, Nuria Prims, Marco Antonio Florido, María Villaverde.




La documentalista Carla Subirana hace su debut en la ficción para contarnos una historia en que la naturaleza tiene un papel determinante. La cineasta catalana narra la obsesión de una adolescente por el mar que, ha hecho desaparecer a su padre ,en un naufragio en la costa gallega.

Una situación que ella no quiere aceptar por lo que se enfrenta a todo y a todos para tratar de encontrarlo y cuanto menos, su cuerpo, sea recuperado. La Costa da Morte es una protagonista más, testigo de las diferencias entre la hija y la madre que si acepta la pérdida. Las mujeres que hay en el pueblo si esperan recuperar los cadáveres para que los seguros se hagan cargo de las indemnizaciones y puedan cobrar una pensión.

Carla Subirana ha querido de alguna manera hacerse eco de los más de 600 naufragios documentados en la Costa da Morte en que, el mar se convierte en una inmensa sepultura. Según cuenta la leyenda “las almas de los marineros pueden escucharse entre las grietas de las rocas”. Es una película de mujeres y de iniciación con la niña adolescente y un niño que predice distintas situaciones y espera la llegada de una enorme tormenta “Ofelia” que planea durante todo el filme como una amenaza y una llamada al daño que le estamos haciendo a la naturaleza


Con algunas objeciones , “Sica” es un filme que nos trasmite el poder del mar, de la naturaleza en un entorno en que persiste lo mágico y las tradiciones. No me parece muy creíble la secuencia de las percebeiras y la debutante Thais García se muestra demasiado inexpresiva. A destacar la fotografía de Mauro Herce quién ya nos sorprendió con su manera de describirnos el paisaje en “Lo que arde”.

INTERESANTE



 

5/17/2023

LAS OCHO MONTAÑAS: ODA A LA AMISTAD

 

LAS OCHO MONTAÑAS (147’)

DIR: Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch.

INT.: Luca Marinelli, Alessandro Borghi, Filippo Timi, Elena Lietti, Elisabetta Mazzulo

 

“Las ocho montañas” es la historia de una amistad fraguada desde la infancia. Dos niños de entornos sociales diferentes que, encuentran en los Alpes italianos el lugar donde sustentan su amistad y perfilan su identidad.

Felix van Groeningen (Alabama Monroe) y Charlotte Vandermeersch, su pareja en la vida real, adaptan el best-seller del mismo título de Paolo Cognetti, en una coproducción que incluye a Italia, Francia y Bélgica.

Pietro, de doce años pasa sus vacaciones en Grana, un pueblo, a los pies de los Alpes,  con tan solo catorce habitantes en que reside Bruno, un niño de su misma edad quién le inicia en los trabajos del campo y le enseña el entorno donde trascurren los días de verano. El padre de Pietro se traslada los fines de semana desde Turín donde trabaja.  Quiere inculcarle a Pietro su afición por el montañismo y junto a Bruno suben  algunas cumbres.

La narración se inicia en los años ochenta y abarca hasta la primera década del siglo XXI, con los protagonistas ya adultos .



El dialecto de la región, el amor a la naturaleza, el trabajo con el ganado o la elaboración de quesos de forma tradicional son elementos que muestran una forma de vida que va desapareciendo. Los directores huyen del paisajismo, a pesar de la belleza del entorno en que se desarrolla la acción y ponen el acento en la relación entre padres e hijos; la búsqueda de identidad de los personajes protagonistas y sobre todo, como he dicho,  la amistad aunque haya etapas de distanciamiento, falta de comunicación o reencuentros. El formato de 16mm contribuye a una mayor  proximidad a la trama y los personajes.

La montaña en toda su belleza y el lugar donde se sustenta la relación de amistad de los protagonistas pero que, también puede llegar a ser una cárcel de la que no se quiere salir. RECOMENDABLE, aunque quizá excesivamente larga.




5/15/2023

SER CINÉFILO EN EL SIGLO XXI

 


 

El otro día asistí a una pequeña asociación cultural para comentar una película. Se trataba de “Lamerica”, del italiano Gianni Amelio sobre la crisis migratoria de los años 90, que contaba como miles de albaneses intentaron abandonar su país y viajar a la cercana Italia en barcos absolutamente abarrotados y que al llegar eran retenidos en campos con alambradas soportando unas temperaturas terribles antes de ser devueltos a su país.

Fue una película notable en su momento y aún hoy muestra su vigencia si la comparamos con los intentos migratorios de sirios, libios y subsaharianos que casi a diario, intentan alcanzar la costa italiana . Siempre será el sueño de todos los emigrantes que buscan una vida mejor.

No éramos más allá de una docena de personas en una pequeña sala comentando la película y el hecho de que el protagonista se quedase abandonado a su suerte en Albania y tuviese que conocer “in situ” cuales eran los problemas de la población y vivirlos en carne propia. Solamente una persona de las que estaban en la sala ya había visto la película. El resto la desconocía por completo, porque es un filme que se estrenó en pocas salas y con muy escasa promoción . El tema no es precisamente de los que atraen al gran público.

Hablamos, comentamos y valoramos la película y antes de marcharnos me presentaron a un señor al que calificaron como el “gran cinéfilo del barrio”. Lo primero que me preguntó es si sabía donde podría volver a ver “La paloma”, una película de 1974 dirigida por un realizador suizo, Daniel Schmid cuya trayectoria se limita a tres películas todas realizadas el siglo pasado. Le dije que no tenía ni idea, porque no conocía al director ni a la película. Se quedó extrañado y pasados unos minutos volvió a la carga : “¿y el cine de Béla Tar? “ . Estaba ante un auténtico examen para conocer cual era mi nivel de cinéfilo. Le dije la verdad, lo conocía, pero no había visto sus películas.

Poco le faltó para llevarse las manos a la cabeza y me aseguró que, este director húngaro, había realizado maravillas como “Sátántangó” con siete horas y treinta minutos de duración.

Movido por la curiosidad, ya que sus películas no se han estrenado comercialmente en España, busque en la plataforma Filmin donde hay una selección de su filmografía. Vi dos de ellas y comprobé su enorme manejo de las técnicas cinematográfica, pero, sus historias me aburrieron soberanamente. Su cine se mueve entre lo onírico y lo realista, con instantes casi documentales. Le gusta experimentar con actores no profesionales, diálogos improvisados y cámara en mano.

En cierta ocasión Béla Tar, según he leído, comentó que “no se llevaba bien con los cineastas húngaros porque ellos son directores y yo no. Yo no sé lo que soy”.

Yo sé que, en mi juventud veía las películas más complejas y extrañas que había y hacía que alguno de mis amigos, se durmieran en la sala. Con los años cada vez soporto menos las disquisiciones filosóficas y la experimentación de algunos cineastas. El objetivo del cine, como el de cualquier otro arte es llegar al público. Existe el cine de autor, pero las historias tienen que tener una coherencia por muchas lecturas que tenga cada película.

El cine debe ayudarnos a reflexionar y también entretener, pero no una tortura de siete horas y media de duración en que seguro, aprecias la calidad de algunas imágenes, los planos, los contraplanos, los colores o los movimientos de cámara, pero llegadas estas edades, no podrás evitar alguna cabezada que otra.

No soy cinéfilo ni consumidor de las películas más experimentales posibles. Si hablamos de cine experimental ya lo hicieron los pioneros como los Lumiére, Melies, Murnau, Eisenstein o Griffith cuando sentaron las bases del séptimo arte. Hoy sigo amando el cine, pero también, me aburro soberanamente.

(PUBLICADO en LA VOZ. (15.5.23)