OTROS ESTRENOS DE LA SEMANA. 24-9-21

 

Tiene un nombre tan largo que yo solo con decir “Preparativos para estar juntos un periodo de tiempo desconocido”(95’), sabemos que puede tratarse de una relación de pareja no demasiado estable.

Esta película húngara que ganó el año pasado la espiga de oro en la SEMINCI de Valladolid habla de amor incondicional y pasional porque Marta, una neurocirujana de prestigio en Estados Unidos conoce a un hombre del que se enamora apasionadamente y de la noche  a la mañana decide viajar a Budapest , ciudad de la que salió veinte años atrás, para reencontrarse con él.

Ocurre que cuando ilusionada lo encuentra y se acerca a él ,este le dice que no la conoce de nada, que debe tratarse de una equivocación.

Junto a la espiga de oro la película supuso el premio como directora debutante a Lili Horvát y que la protagonista, que también debutaba, Natasa Stork, ganase el galardón de mejor actriz.

Una película que mezcla realidad y sueño con referencias hitchconianas (“Vertigo”) o de Kieslowsky(“La doble vida de Verónica”) pero a juicio de la propia directora hay una película que le impactó profundamente como era “El diario íntimo de Adele H.”, de François Truffaut. En aquella película una mujer está obsesionada por un hombre como ocurre en estos “Preparativos…” pero según contó la cineasta, lo que ella buscaba era reflejar el miedo que los hombres tienen al compromiso amoroso.

El hecho de que la protagonista sea una neurocirujana, cerebral , meticulosa y fría nos muestra que el amor lo puede todo. Que por encima de cualquier otro concepto la pasión amorosa puede llevar a dejarlo todo para reunirte con la persona que amas. El rechazo, la negación de Janos, el colega del que se ha enamorado en un congreso, hace que ella dude de si realmente existe y si aquella pasión incontenible es real.

Drama romántico, psicológico o filme negro, “Preparativos para estar juntos un periodo de tiempo desconocido” es otra de esas joyitas que nos llegan a la pantalla y nos permite viajar a Budapest para alcanzar “El Puente de la Libertad” que anhela la protagonista.

 

Y esta semana también he visto el drama carcelario “La noche de los Reyes”(90’),película procedente de Costa de Marfil que nos introduce en un agobiante y hacinado penal donde rige la ley del más fuerte, del rey que decide sobre la vida y la muerte de los internos o sobre quién debe ser el nuevo “roman” o contador de historias.

Todas las noches el joven elegido tiene que ingeniárselas para contar la historia de Zama, una historia inventada sobre la marcha para evitar ser asesinado por una de las bandas que hay en el recinto penitenciario. Un filme que entremezcla realidad y leyenda ,tradiciones africanas a través del contador oral que, como en las “Mil y una noches”  va desgranando día tras día esa historia que nunca existió, la de un rey en un país que no tenía monarca.

Hay un cierta critica al colonialismo, pero, sobre todo un ejercicio de imaginación en una prisión donde se palpa la lucha por el poder, la de ocupar el lugar del líder que establece las leyes y que está gravemente enfermo. Filme claustrofóbico pero que nos acerca a la sensibilidad del cine africano prácticamente inexistente en España salvo por esfuerzos puntuales como es el Festival de Tarifa.

"MAIXABEL": ¿Es posible el arrepentimiento de un terrorista?

 

Icíar Bollain junto a Maixabel Lasa y Blanca Portillo

“ Prefiero ser la viuda de Juan Mari que tu madre”, dice Maixabel . “Yo preferiría ser Juan Mari, antes de ser quién soy”. asegura Ibon Etxezarreta el terrorista de ETA, arrepentido por los crímenes cometidos

“Maixabel”, es una película de enorme intensidad, tratada con la sensibilidad y el tacto que caracteriza el cine de Icíar Bollain, una directora que crece con cada propuesta. Es valiente porque se ha atrevido con un tema que aun no ha cerrado sus heridas en la sociedad española, como es el perdón de las familias de las víctimas a los terroristas etarras que mostraron su arrepentimiento.

Maixabel, viuda del político socialista Juan María Jaúregui, interpretada por una inconmensurable Blanca Portillo, y un gran Luis Tosar como Ibon, el terrorista que participó en su asesinato, son los protagonistas de una película de silencios, miradas y finalmente esperanza.

Creo que por encima de todo está el valor de Maixabel, su templanza, su serenidad a pesar del tremendo dolor que le acompaña tras el asesinato en 2000 del compañero de toda su vida. Unos años después se hizo cargo de la Oficina de Atención a las Víctimas del Terrorismo del Gobierno Vasco y se entrevistó, tras hablarlo con su única hija, María,  con terroristas arrepentidos, entre ellos dos de los miembros del comando que asesinaron a su marido.

Ibon le cuenta que no conocían a su marido que, simplemente desde la dirección de la banda, les marcaban un objetivo y que se echaba a suerte entre los miembros del comando quién iba a apretar el gatillo. Era así de sencillo y así de terrible.

Icíar Bollain, no se detienen en el asesinato en sí. Es mucho más concreta porque lo que busca es ahondar en esa relación entre víctima y asesino. La cámara nos lleva al momento del asesinato, mientras comía tranquilamente, en su pueblo Legorreta; la huida del comando, la celebración del asesinato y después…la cárcel.

Al otro lado la angustia de Maixabel cuando la avisan y el momento en que le confirman la muerte de Juan Mari en el hospital. Es estremecedor también el momento en que María, la hija de 19 años, que se encuentra acampada con sus amigas recibe la noticia de su tía. María, interpretada por la debutante María Cerezuela, describe el tremendo dolor que supone para ella la pérdida del aitá. Apunta a actriz revelación, como Blanca Portillo y Luis Tosar estarán entre los nominados a los Goya.

“Maixabel” es sensibilidad sin sentimentalismo. Hay un propósito de mirar hacia delante sin olvidar lo sucedido. Se apuesta por el perdón, la convivencia, la dignidad de las víctimas, la reinserción de los presos en la sociedad y la restauración de la memoria.

Lo hace desde la ficción, pero también desde el profundo conocimiento y documentación que han aportado los personajes reales que, hace un año protagonizaron la serie documental “Zubiak”(“Puentes”) que dirigió Jon Sistiaga.

En “Maixabel” la secuencia final será difícil de olvidar. La viuda es acompañada por el asesino de su marido al homenaje que, todos los años, llevan a cabo sus compañeros, en el monte donde se esparcieron sus cenizas. Ahí, recordando a Juan Mari Jáuregui, se cruzan las miradas y se detienen en la que María mantiene con el asesino de su padre.

Pocas películas me han conmovido tanto como ésta “Maixabel”, de Icíar Bollain. Pero no era yo el único porque muchos de los compañeros que asistieron al pase, salieron con los ojos enrojecidos.

"ESPAÑOLADAS"

 

CARNAVAL DE “ESPAÑOLADAS”

 

 Comenzó el Festival de Cine de San Sebastián con cuatro películas españolas a concurso: Dos dramas, “Maixabel”, de Iciar Bollain y “El buen patrón”, de Fernando León de Aranoa; un filme de terror, “La abuela”, de Paco Plaza y la comedia “Quién lo impide”, de Jonás Trueba. Cine para todos los gustos y todos los géneros. 

Precisamente el padre de Jonás, Fernando Trueba dirigió en 1998, “La niña de tus ojos”, una comedia dramática ambientada en la Alemania nazi que describía el rodaje   en los estudios alemanes de una película española. En aquella película, tan divertida como amarga, María Barranco, esposa del embajador español en Berlín, espetaba a Antonio Resines, que interpretaba al director, si su película era “una españolada más”… A lo que Resines respondía ¿Y qué quiere que hagamos los españoles,  “hungoradas”, “italianadas”, “americanadas”? Me interesa más “El Tempranillo”  que Al Capone”. Y es que el término “españolada” se ha usado peyorativamente para menospreciar a nuestro cine cuando nuestra cinematografía no responde a un patrón único y hay variedad y temáticas muy diferentes.

No obstante, comulgo con Berlanga cuando afirmaba que el género por excelencia del cine español era la comedia mediterránea que tantos y tan buenos ejemplos nos ha dado a la largo de nuestra historia empezando por el propio cineasta valenciano y siguiendo con directores como Pedro Almodóvar en su primera época, José Luis Cuerda, Fernando Fernán Gómez ,José María Forqué , Fernando Colomo, o Emilio Martínez Lázaro.

Ya sé que si hablásemos de diversión no podríamos olvidar los nombres de Tony Leblanc, José Isbert, José Luis López Vázquez, Gracita Morales, Paco Martínez Soria, Alfredo Landa, Lina Morgan, Antonio Resines, Santiago Segura y un larguísimo etcétera que arrancaría nuestras risas, si recordásemos tal o cual secuencia . Cada uno de nosotros tiene su propia lista de películas favoritas , entre las “españoladas” que pueblan nuestra cinematografía. ¿Hay quizá un mayor alegato contra la pena de muerte que “El verdugo”; una mejor descripción de la sociedad tardo franquista que “La escopeta nacional”; un mundo tan surrealista como el de ”Amanece que no es poco”; unos ladrones tan inexpertos e inocentes como los de “Atraco a las tres” o un entorno tan seductor que, imaginamos casi como el jardín del Edén, ¿cómo el que nos describe  “Belle Époque”? Yo diría que no y habría que mirar el gran cine clásico norteamericano o las buenas comedias italianas e inglesas para encontrar un parangón.

Son “españoladas” llenas de calidad que nos devolverían la sonrisa si volviésemos a verlas o que sorprenderían a las nuevas generaciones si se sentaran frente al televisor o mejor aún, si acudieran a una sala donde se repusieran alguno de estos títulos.

"PUBLICADO EN LA VOZ 20-9-21)

MUERE MARIO CAMUS.: ADIOS AL CINEASTA QUE CONJUGÓ MAGISTRALMENTE CINE Y LITERATURA

 

Recuerdo a Catherine Spaak en el Madrid de los setenta, amante ocasional de un hombre maduro durante el sopor del verano. Aquella película era “Los pájaros de Baden Baden”, basada en el relato de Ignacio Aldecoa, autor que llamó la atención de Mario Camus ya que adaptó otras de sus obras como la del boxeador “Young Sánchez” o la de un hombre gitano que tras cometer un asesinato se ve obligado a huir en “Con el viento solano”.

Todas estas películas tienen en común la soledad de los personajes y al mismo tiempo la tremenda humanidad que desprenden. Están también solos muchos de los personajes de “La colmena”, la compleja novela de Camilo José Cela y que muchos consideraban imposible de llevar a la pantalla. No solo lo hizo si no que ganó el Oso de Oro del Festival de Berlín en 1982 y un par de años después realizó otra obra maestra con “Los santos inocentes”, novela de Miguel Delibes , que obtuvo diversos premios internacionales, entre ellos el de interpretación en Cannes para la pareja protagonista formada por Alfredo Landa y Paco Rabal.

Escribo recordando las entrevistas que hice a Mario Camus en distintos momentos, tanto personal como telefónicamente y se mostraba como un hombre tímido, modesto, incluso pero muy convencido de lo que hacía.

Creía en esa unión entre el cine y la literatura y sin duda, para mí, supo conjugarlos de manera magistral. Creía en el cine y en la poesía si volvemos a ver algunos de sus últimos títulos como “El color de las nubes” y recuerdo también que fue uno de los primeros, si no el primero, en recordar al maquis en la posguerra española con “Los días del pasado”, que tuvo como protagonistas, creo que como única vez en nuestro cine al matrimonio formado por Antonio Gades y Pepa Flores.  La guerra civil también quedó reflejada ,sobre todo, en la excelente serie de televisión “La forja de un rebelde”, basada en la autobiografía de Arturo Barea que refleja la primera mitad del siglo XX.

A Camus como a Kubrick no le gustaba volar y por eso era persona poco asidua a festivales y actividades cinematográficas. Fue un grande callado y silencioso que nos regaló su cine próximo y real y nos llevó en muchas ocasiones por su Cantabria natal que casi nos dejó como un testamento en el lejano 2007 cuando rodó su última película: “El prado de las estrellas”.

 

TRES ESTRENOS ESPAÑOLES ESTA SEMANA(17-9-21): "SEVILLANAS DE BROOKLYN","EL CLUB DEL PARO" y "LAS CONSECUENC IAS"

 

Enseñar sevillanas, pero sobre todo a vivir (“Sevillanas de Brooklyn”), tomar unas cañas en un bar, para arreglar el mundo en (“El club del paro”) y descubrir los secretos de una familia (“Las Consecuencias”) tres ofertas españolas para este fin de semana

 

 

Me he dado un festín de cine español. Esta ha sido una semana completamente nacional para sentir nuestras películas , esas que tienen tan difícil atraer a su propio público que casi firmaría aquella secuencia de “La niña de tus ojos” en que María Barranco ,la esposa del embajador en la Alemania nazi, espetaba a Antonio Resines, el director de la película si lo que estaba rodando era “una españolada más”.

A lo que Resines respondía ¿Y qué quiere Sra. que los españoles hagamos hungoradas?

 

Pues el caso es que me he visto tres hungoradas, dos de risa y otra dramática de esas que nuestros directores noveles o medianamente avezados intentan hacernos llegar para entretenernos, divertirnos e incluso hacernos pensar.

Me he reído con “Sevillanas de Brooklyn”(97’), la tercera película de Vicente Villanueva tras “Lo contrario al amor”  y “Nacida para ganar”, y creo que la mejor de todas porque es una comedia que trascurre sin estridencias, con actores convincentes y con un guion que encaja de principio a fin.

En “Sevillanas de Brooklyn”, no aparece Brooklyn ni las sevillanas agobian hasta hacerse dueñas de la trama. La protagonista es una familia humilde que vive en una barriada sevillana y se las ingenia para acoger a un estudiante estadounidense que les reportará unos cuantos euros para su maltrecha economía.

Carolina Yuste, premiada con el Goya revelación por “Carmen y Lola”, sigue creciendo. La joven actriz extremeña interpreta a Ana, una chica de hoy que es la esperanza para su madre, estupenda Estefanía de los Santos, que se las ingenia para mantener a la familia, un marido en paro y con pocas ganas de encontrar trabajo (Manolo Solo), una madre inválida y un hijo preadolescente.

Ana estudia y da unas clases de sevillana a algunos niños del barrio. Sobrevive y es amiga de sus amigos de siempre. La llegada de Ariel el estudiante norteamericano(Sergio Momo)  va a suponer un cambio en su vida.

Comedia de enredo, comedia romántica e incluso sutil critica social mostrando las dos sevillas. La de los señoritos y la del pueblo.

Gags divertidos y un buen rato asegurado. Incluso aprendí más de sevillanas que en cualquier clase con las explicaciones de Ana que, al mismo tiempo que se lo explica a los norteamericanos, se lo describe al público.

 

También hay paro ,no podía ser de otra manera, en “El club del paro”(83’), la última película del director David Marqués ( “Dioses y perros”, “En fuera de juego”…) , autor, también, del guion de  “Campeones”

Marqués, que también es el guionista de “El club del paro” construye una película ágil y bien narrada gracias a diálogos ingeniosos y cuatro actores convincentes y brillantes para trazar un fresco de la sociedad española actual. Fernando Alonso (Carlos Areces), un periodista en paro , hastiado de que cualquier pueda ejercer la profesión sin unos mínimos conocimientos, como es el caso de Benavente (Adriá Collado)  quién sigue estando en la plantilla del periódico gracias a que es el compañero de mus del director (Antonio Resines) ; El Negro (Eric Francés) siempre en paro porque gana el dinero en negro y Jesús (Fernando Tejero) que rechaza cualquier trabajo porque desde el poder se conspira contra la sociedad.

Cuatro personajes unidos por el paro en un bar, oficina de muchos españoles, donde buscarán, a su manera, arreglar el mundo, sin dejar títere con cabeza en una sociedad que les ignora, aunque ellos la ignoran todavía más.

Ingenio postpandemia de la mano de un director que ha situado prácticamente toda la acción en un bar, un lugar que no es ajeno a “los húngaros”.

Y termino en vísperas de que se inicie el festival de San Sebastián con ”Las consecuencias”(96’) , donde las sonrisas se transforman para adentrarnos en un drama familiar agobiante dirigido por la venezolana   Claudia Pinto (“La distancia más larga”) . La trama de su segunda película se centra en los supuestos abusos sexuales infantiles en una familia, algo que iremos desvelando a medida que avanza la historia.

Una historia compleja ,llena de silencios y de secretos escondidos entre los que fluctúan los tres personajes principales…Asistimos a esos silencios y esas miradas, entre Fabiola(Juana Acosta), su padre, el chileno (Alfredo Castro)  y su hija Gabi, interpretada por María Romanillos, galardonada como mejor actriz secundaria en Málaga.

“Las consecuencias” desvela un secreto tras otro, pero cuesta llegar a ellos como a la pequeña isla donde la familia tiene una casita y a la que solo se puede llegar en barca. Una forma de aislamiento e incomunicación entre los tres personajes protagonistas que esconden sus miedos y sus silencios.  Los suyos son los miedos de muchas familias que nunca hablan de lo que les avergüenza.

 Estas son las tres “hungoradas” que he visto, las tres películas que muestran nuestro cine y la semana que viene volveré con algunas más ya que a San Sebastián van cuatro títulos a concurso: “Maixabel”, de Iciar Bollain , “El buen patrón”, de Fernando León de Aranoa, “La abuela”, de Paco Plaza y “Quién lo impide”, de Jonás Trueba.

 

“MIS FUNCIONES SECRETAS” y otros estrenos (10-9-21)

 

La “guerra fría” , tiene en la comedia “Uno, dos, tres”, de Billy Wilder un referente difícil de olvidar. Incluso, si nos acercamos más en el tiempo podemos recordar “Good bye,Lenin”, que nos describe, con buenas dosis de humor, aquellas difíciles relaciones entre Occidente y los países del llamado “telón de acero”.

Se estrena este fin de semana “Mis funciones secretas”(99’), una comedia suiza que nos relata la historia de un policía, tímido y reservado, que por orden de sus superiores se infiltra en una compañía teatral que va a representar en el teatro una obra de Shakespeare y que, según la policía, puede ser una tapadera para elementos subversivas.

Una comedia convencional, dirigida por Micha Lewinsky, sin grandes sorpresas y cuya novedad es situarnos a Suiza dentro del mapa geopolítico, con tramas y situaciones de las que parecía estar exenta el país helvético.

Se dan algunos datos históricos y entre ellos se recuerda que 900.000 ciudadanos suizos habían sido investigados por la policía antes de la caída del muro de Berlín. Cierto tono crítico y antimilitarista, pero, sin levantar demasiado la voz.

 Y para desperezarnos en esta vuelta a la normalidad después de las vacaciones, un par de comedias, la española, ¿Con quién viajas”(87’) y la francesa ¿Quién es quién?(100’).

La segunda está dirigida Jean-Patrick Benes con Alexandra Lamy, la gran dama de la comedia francesa, en el papel protagonista. Cuenta como los Morel descubren una mañana que sus cuerpos se han intercambiado y cada uno de ellos está atrapado en el cuerpo de otro. La niña de siete años en el su padre , su hermana mayor en el de su madre y el hijo adolescente en su hermana. Situaciones divertidas, pero sobre todo una manera de original de contar las relaciones entre padres e hijos poniéndose cada uno en el rol del otro. La familia, la pareja, el desencanto non son ajenas a esta comedia de situaciones.

Mientras que “¿Con quién viajas?”, debut en el largometraje de Hugo Martín Cuervo es una road movie, rodada casi por entero en un coche,  en que cuatro desconocidos quedan en Madrid por una aplicación de viajes compartidos para realizar un trayecto a Murcia.

En el viaje ,desde que arranca el conductor, llama la atención el extraño comportamiento de éste que, parece ocultar algo y que está muy pendiente de una de las chicas. Ana Polvorosa, Salva Reina, Andrea Duro y Pol Monem son los cuatro integrantes de ese vehículo que habrá de recorrer algo más de cuatrocientos kilómetros hasta llegar a su destino.

Y ahora que se cumple el vigésimo aniversario de los atentados del 11-S en Nueva York, llega a las salas “Worth”, drama dirigido Sara Colangelo (“La directora de parvulario”) que describe las dificultades legales a las que hubieron de enfrentarse los supervivientes de los atentados contra las dos Torres Gemelas. Michael Keaton, Stanley Tucci y Amy Ryan son los protagonistas.

 

 

"PEARL" . CULTO AL CUERPO

 

Yo, cuanto menos, no recuerdo haber visto una película ambientada en el mundo del culturismo femenino y esos grandes primeros planos en el inicio de la cinta ,mostrando con detenimiento la musculosidad de unos cuerpos tallados artificialmente

”Pearl”, opera prima de la directora francesa Elsa Amiel, describe el día a días de una mujer , Julia Föry, culturista profesional, que debuta también en el cine mostrándonos la dureza de una vida que vive solo para mostrar la musculosidad de su cuerpo, pendiente siempre de las exigencias y los métodos rigurosos de su entrenador (Peter Mullan) que controla sus movimientos, su alimentación o los contactos que pueda establecer.

El entrenamiento trascurre de forma monótona. Nada parece que vaya a trastocar los planes del entrenador y su pupila, hasta que aparece la antigua pareja de ésta con el hijo que tuvieron juntos y al que ella no deseaba.

La cercanía del campeonato no permite excepciones. Julia intenta esconder al niño, cuya presencia le hace recordar su pasado al que renunció por completo. “Pearl” es un drama ambientado en un mundo desconocido para la mayoría de los espectadores, pero en el que aparecen temas universales como la soledad o el concepto de maternidad.

Debut arriesgado de Elsa Amiel, cineasta que se forjó como ayudante de dirección  de realizadores como Bertrand Bonello y Mathieu Amalric que nos muestra a un mujer que ha transformado su cuerpo en una montaña de músculos y ha escondido su vida anterior najo esa nueva imagen que quiere forjarse.

GUNPOWER MILKSHAKE (CÓCTEL EXPLOSIVO)

El mejor hombre es el hombre muerto. No sé si es muy radical la propuesta, pero todos los hombres que aparecen en Gunpower Milkshake (114’) o son una pandilla de asesinos o son imbéciles, lo que es aun peor.

Es una película de acción y buenas dosis de humor con un selecto grupo de mujeres ,asesinas a sueldo y camufladas como bibliotecarias.

El directo israelí Navot Papushado comentó que el origen de su película hay que buscarlo en su infancia cuando iba a las bibliotecas e imaginó a la encargada del centro que vigilaba sus movimientos y sus ruidos, como una especie de asesina de élite.

Es lo que le ocurre a Sam ((Karen Gillian) que cuando tenía 12 años fue abandonada por su madre Scarlet (Lena Headey) ,una asesina de élite que se vio obligada a huir. Sam fue criada por “La firma”, una organización criminal compuesta por hombres, con un director ejecutivo(Paul Giamatti) que es quien le daba los encargos.

Sam ha heredado la misma profesión que su progenitora, pero cuando tiene que decidir entre proteger a una niña de ocho años o servir a “La firma”, toma una decisión que le va a carrera infinidad de problemas.
Solo recibe la ayuda de las “bibliotecarias”, tres mujeres (Angela Basset, Michelle Yooh y Carla Gugino) que demuestran porque todo está en los libros.


Una película que nos muestra a tres generaciones de mujeres, incluida la niña, que se unen para hacer frente a todo el que se ponga por delante… Influencias del comic, del spaghetti western, de las artes marciales y por supuesto de Quentin Tarantino, que ha dado su bendición a la película. Violencia que también me lleva a recordar ”Escondidos en Brujas” de Martin McDonagh, no solo por la pareja de asesinos en serie protagonista, si no por las buenas dosis de humor que incluye.



Entretenida pero demasiado larga, para lo que cuenta. Hay muchos finales, pero parece que el director no daba con el adecuado. Seguramente se habrá alargado porque las actrices se lo debieron pasar estupendo durante el rodaje. Los hombres menos, porque no dejan de ser peleles en sus manos.Feminismo,, con humor. 

LA METAMORFOSIS DE LOS PÁJAROS

 

 

La directora portuguesa Catarina Vasconcelos cuenta su vida y la de su familia en “La metamorfosis de los pájaros”(110’) un muy peculiar documental ,profundamente poético, en que la voz de la narradora nos muestra el paso del tiempo, la memoria , la pérdida y sobre todo la ausencia de la madre, de las madres,  a la que la directora del documental perdió cuando contaba diecisiete años .

La presencia de la madre y también la de la abuela flota permanentemente entre bellas imágenes y frases cadenciosas. La saudade se extiende por cada rincón de este documental que me lleva a buscar paralelismos con una película española, “En el balcón vacío”, de Jomi García Ascot y María Luisa Elio, único filme rodado por los exiliados españoles en México, en el que prevalece la memoria ,la pérdida y el paso del tiempo como elementos claves de la narración.

En “La metamorfosis de los pájaros” la hija habla con la madre que vuelve sin saber que se ha ido. Le explica lo que ha pasado en los quince años trascurridos, en lo poco que han cambiado las cosas y como su presencia permanece en todos los rincones. “Los muertos-dice la voz- no saben que están muertos, solo lo saben los vivos”.

Esos sentimientos se entremezclan entre la hija y el padre que perdió a su madre y a su mujer casi al mismo tiempo. “La metamorfosis de los pájaros” es un documental, pero también un cuento que fluctúa entre lo autobiográfico y lo fantástico en que se hacen propios los recuerdos.

“CHAVALAS” y OTROS ESTRENOS DE ESTA SEMANA(3-9-2021)

 

Los otros estrenos de esta semana son la producción española “Chavalas”(91’) , una comedia dramática en que la debutante Carol Rodríguez Costas lleva a su protagonista (Vicky Luengo) de un entono acomodado de Barcelona al barrió periférico donde vivió porque le resulta imposible mantenerse como fotógrafa en el mundillo en que se mueve.

Un cambio que solo es posible con el reencuentro con sus amigas de la infancia y adolescencia interpretadas por Carolina Yuste, Elisabet Casanovas y Angela Cervantes.

Nos llega de Francia, “Adiós, idiotas” (87’) comedia dramática de Albert Dupontel, protagonizada por Virginie Efira, Nicolas Marie y el propio Albert Dupontel . Con premios, incluidos mejor película y dirección, la película fue la gran triunfadora de la última edición de los Cesar.

Bastante humor en una situación límite como es la de una mujer con una enfermedad terminal que trata de encontrar al hijo que dio en adopción con la ayuda de un archivero ciego y un suicida fallido.

 

Y hueco también para el cine de terror, con “El tubo”(90’), una coproducción entre Francia y Reino Unido dirigida por Mathieu Turi. Una cinta profundamente claustrofóbica en la que la protagonista Gaia Weiss (“Vikingos”), tras subirse al coche de un desconocido, despierta en el interior de una estrecha galería con un brazalete que marca una cuenta atrás. Si ya lo pasamos mal con “Buried” esta no se queda atrás.

"NORA", una mujer en busca de su identidad.

 

El cine que se hace en el País Vasco suele tener cada año uno o dos títulos que alcanzan recorrido en festivales , buenas críticas y apoyo del público.

Ocurrió el año pasado con “Ane” , galardonada con numerosos premios como antes lo fueron “Handía” y “Loreak”.Hay una gran naturalidad y al mismo tiempo verdad en las historias que nos narran como ocurre ahora con “Nora”(100’), de Lara Izaguirre, cuya primera película “Un otoño en Berlín” su opera prima fue muy reconocida. Lara vuelve a adentrarse en el universo femenino , con un personaje protagonista , que ella misma ha dicho que se parece mucho a su concepción de la vida

Lara, seguramente busca su lugar en el mundo como la protagonista de “Nora”, Ana Pikaza, a la que vimos en un papel secundario en “Ane” y que tiene su primer protagonismo en la pantalla grande.

La muerte de su abuelo ( Héctor Alterio) le lleva a replantearse su vida. Con la excusa de transportar las cenizas de su abuelo al mismo lugar donde estaba enterrada su mujer, Nora inicia una road movie atípica en que conoce a varias personas y situaciones desconocidas para ella. Se está buscando a si misma…

A sus treinta años quiere huir del proteccionismo familiar y en especial de la mala relación que tiene con su madre. Es una mujer que no se ha independizado, que escribe en la radio sobre los signos del zodiaco y que se limita a cuidar a su abuelo o sus sobrinos. Tampoco tiene pareja y está insatisfecha con la vida que está llevando en casa de sus padres.  …Vivía para cuidar a su abuelo y este ya no está. Solo le atraen los dibujos y la posibilidad de algún día publicarlos y darlos a conocer. Pero le cuesta dar el paso.

En un viejo Citroën, una furgoneta que utiliza para dormir en cualquier lugar, Nora conoce a diferentes personajes que la inician en actividades que nunca había practicado. apenas tienen la importancia del momento que pasan con ellos…Una mujer mayor y solitaria, que apenas tiene relación con su hija la acoge con recelo y le muestra su huerto; un profesor de surf le invita a que pruebe el paddle surf: un pescador le permite que vaya con él a pescar chipirones, una vieja librera le muestra su espacio o una joven periodista de viajes le cuenta sus proyectos que son los que ella desea para ella, como viajar a Argentina, de donde procedía su abuelo.

Sus padres, su hermana, sus sobrinos quedan atrás en un intento de ir hacia adelante y conocer nuevas experiencias. “Nora” muestra el viaje interno y externo de la protagonista en Amorebieta y otros parajes naturales de playa y montaña en el País Vasco que se convierte en un protagonista más de la narración.

“Nora”, según explicó la directora, es un nombre de mujer, pero en euskera significa “adónde”. Esa pregunta es la que prevalece durante toda la narración en esa búsqueda hacia ninguna parte y hacia cualquier lugar donde pueda saber lo que quiere encontrar en su vida. Ana Pikaza, la protagonista, se nos muestra risueña, triste, impetuosa, tímida, extrovertida, tierna o irascible. Su interpretación mira a los premios que, seguro, recibirá.

Naiara Carmona ,Itziar Ituño(La inspectora Murillo en “La Casa de Papel”) , Ramón Barea, Klara Badiola, completan el reparto de este segundo filme de Lara Izaguirre que reconoció que el momento más emocionante del rodaje fue llegar a su pueblo, Amorebieta, a Héctor Alterio, el actor al que había admirado desde pequeña, cuando veía sus películas en el cine del pueblo. 

 

LAS CINEASTAS AFGANAS NO QUIEREN SER INVISIBLES

 

 

“El mundo no puede darnos la espalda”. Esta afirmación, casi un ruego , pertenece a Sahraa Karimi, directora de cine afgana que consiguió salir de Kabul, junto a su familia, ante la llegada de los talibanes . Desde Kiev, donde se ha refugiado, esta cineasta ,que ha participado en festivales internacionales ,recordó que los talibanes, “no favorecen el arte, no valoran la cultura y nunca apoyarán este tipo de cosas y además “tienen miedo de las mujeres educadas e independientes porque lo que quieren es que las mujeres estén ocultas e invisibles”.

Hace veinte años, Kabul, era una ciudad fantasma porque sus habitantes apenas salían de casa. Las niñas y las mujeres tenían prohibido salir si no estaban acompañadas por un familiar varón. Pero es que tampoco se les permitía estudiar ,trabajar o hacer ruido al andar. Lois mujeres si eran invisibles en esa prisión que imponen los burkas.

Los talibanes aseguran que respetarán a las mujeres según la ley islámica, pero ¿cómo se interpretará esa ley? Afganistán es hoy un país diferente porque los casi dos tercios de sus veintiocho millones de habitantes han crecido con televisión o internet lo que ha roto su aislamiento.

Cuando escribo este artículo miles de personas han logrado salir del país, pero muchas más intentan abandonar Afganistán y millones siguen atrapadas entre la incertidumbre y el miedo como la también realizadora Sharbanoo Sadat quién pudo salir de Kabul, pero no lo hizo porque su familia no podía acompañarla. “Si sobrevivo-dijo-mi cine habrá cambiado para siempre”. La directora, de solo 31 años, también ha participado en festivales internacionales con títulos como “Wolf and sheen” y tiene el firme propósito de salir, pero sin dejar atrás a los suyos. Sus voces y las de otros realizadores eran la esperanza de las nuevas generaciones en un país castigado por la violencia y las continuas guerras que han hecho que haya más de cinco millones de afganos que viven fuera de su país, en su mayor parte, como refugiados. Algunos de aquellos afganos exiliados nos contaron como la ficción puede ser realidad. Fue el caso de “Kandahar”(2001), muestra palpable del régimen de terror instaurado por los talibanes que prohibieron la producción de películas en 1996.

En 2003 pudimos ver en salas “Osama”, basada en la historia real de una viuda, sin recursos económicos, que decide hacer pasar a su hija por un niño para que pueda trabajar en un comercio. Fue la primera película rodada en Afganistán tras la caída de los talibanes. Pero si quisiéramos palpar aún más esa ficción, surgida de la realidad, invitaría a que nos sentáramos para admirar “Las golondrinas de Kabul”(2019) una película francesa de animación que muestra la violencia ejercida por los talibanes y en especial contra las mujeres que, a pesar del miedo, de las amenazas que se ciernen sobre ellas, se niegan a ser nuevamente invisibles.

(PUBLICADO en LA VOZ.30-8-21)

Y ADEMÁS “ LA SALA DE CRISTAL” y OTRAS PELÍCULAS DE ESTA SEMANA (27-8-2021)

 

“La sala de cristal “ (94’) es una película alemana de Christian Lerch que muestra una visión de los últimos meses de la II Guerra Mundial a través de la mirada de los niños. La acción se sitúa en los alrededores de Munich cuando una madre y su hijo deciden dejar la ciudad ante los bombardeos aliados y trasladarse al campo. El líder local mantiene su fanatismo a pesar de las noticias, cada vez menos halagüeñas, para las tropas alemanas. Denuncia a la Gestapo cualquier actitud derrotista y traslada su actitud a su hijo de doce años que actúa con la misma intimidación respecto a los otros niños de la localidad. Félix, el recién llegado, tiene once años y a su padre en el frente. Poco a poco se verá cada vez más seducido por la propaganda nazi. mientras su madre, Anna, intenta esconder su poca simpatía hacia los nacionalsocialistas.

Como en “Esperanza y gloria”, el clásico de John Boorman, “La sala de cristal” es una mirada inocente de los niños a la contienda mundial, y en cierto modo una pérdida de esa inocencia con el fanatismo y la muerte que se hace presente en sus vidas.

Un drama con aroma clásico que ganó el premio del público en el pasado festival de cine alemán de Madrid.

“El rey del fin del mundo”  dirigida por Michael Haussman, es un drama histórico situado en el siglo XIX ,en que a un oficial de la marina británica se le encomienda la misión de acabar con los temidos piratas que navegan por las costas de Malasia.  Pero sir James Brooke no solo acabará con ellos si no que se convertirá en el rajah del reino de Sarawak y se tornará en una auténtica amenaza para el imperio británico.

“La patrulla canina: la película” , tras D’Artacan, otra de las series de televisión más seguidas por los más pequeños.  Los perros son el mejor amigo del hombre, pero, en especial, de los niños como vemos en estas historias de héroes caninos.

Apuntar también un remake de la película de terror “Candyman”  y la reposición de un clásico romántico y musical como es “Dirty Dancing”.

SIEMPRE CONTIGO : ENTENDER EL AUTISMO

 

 

“Rain man”(1988) ,fue la película que dio visibilidad a los autistas con una pareja de grandes actores como son Tom Cruise y Dustin Hoffman quién ganó un oscar a la mejor interpretación. Barry Levinson dirigió aquella historia que años antes, en España, había tenido ya un título muy notable tratando el tema, ”Mater amatísima”(1980) de José Antonio Salgot ,con una gran Victoria Abril en el papel de madre de un niño autista. Más recientemente Gerardo Olivares dirigió “El faro de las orcas” (2016) y a nivel internacional hemos visto títulos como “Yo soy Sam”(2001) o  “Especiales(2019) de Olivier Nakache y Eric Toledano.

Llega ahora “Siempre contigo”(104’) , producción israelí dirigidas por Nir Bergman que relata la relación de un padre con su hijo autista que, acaba de cumplir la mayoría de edad,  y como su madre quiere ingresarlo en una institución especializada en el cuidado de personas con este trastorno psicológico.  El matrimonio está separado y toda la relación la tiene con el padre que conoce cada reacción de su hijo. Renunció a una prometedora carrera como diseñador gráfico para dedicarse al cuidado de Uri.

Aharon cree que su hijo no está preparado para ser ingresado en un centro de estas características, lejos de él, que se siente como la única persona capaz de comprenderle.  Ante las negativas de su exmujer a retrasar el ingreso de su hijo en el centro , Aharon decide escaparse junto a Uri en autobuses y trenes recorriendo diversas partes de Israel y rencontrándose con viejos amigos y familiares.

Una road movie, un drama en el que prevalece la relación de amor paterno- filial entre dos personas que dependen el uno del otro.   Su relación arranca sonrisas, ternura , complicidad, pero también lágrimas cuando Uri se opone con todas sus fuerzas a ser ingresado para no renunciar a la figura del padre y los peces que cuida como si fuesen sus hermanos.

Notable guion y buena interpretación de la pareja protagonista.

GARCÍA Y GARCÍA (MAS MADERA, MAS COMEDIAS)

 

 

Parece que las risas solo son para el verano o por lo menos es que lo que parecen considerar los distribuidores de películas españolas que, desde junio, nos ofertan distintas comedias unidas por el patrón común de encontrar un lugar en taquilla.  “A todo tren. Destino Asturias”, han seguido títulos como “Donde caben dos”, “Descarrilados” o la propuesta de esta semana “García y García”. Películas que no sorprenden, en su mayoría para todos los públicos, y con gags que hemos visto miles de veces en producciones que sirven para pasar el rato y tenernos entretenidos durante el largo y cálido verano que encara la última semana de agosto.

“García y García” (98’) utiliza el apellido más habitual de España para construir una historia llena de equívocos y situaciones ya vistos porque los protagonistas son como el príncipe y el mendigo e incluso uno de los dos se convierte en “rey por un día”.

La directora Ana Murugarren recurre a los clásicos como Keaton o Chaplin, aunque con situaciones excesivamente previsibles, que sustenta en la actuación de los protagonistas, dos cómicos de peso en nuestro país como son Pepe Viyuela y José Mota que, sin embargo, nunca habían coincidido interpretando una película.

Ese tono clásico que quiere imprimirle la realizadora se construye desde el propio hilo argumental en que un mecánico en paro (Pepe Viñuela) y un consultor de prestigio para grandes empresas (José Mota) son confundidos por quienes les esperan al llamarse de forma idéntica. Mientras el consultor es enviado a una pensión de mala muerte, el mecánico accede a un hotel de cinco estrellas con todas las comodidades y atenciones que ello supone.

El consultor, que debe asesar a una compañía aérea tiene que poner los pies en el suelo mientras que el mecánico vive en una nube . Intercambian sus roles, su status social acompañados de una serie de situaciones equívocas con personajes como la ex mujer del García “rico” que no está dispuesta a firmar el divorcio o la familia del García “pobre” que no da crédito al status alcanzado por el marido y padre.

En definitiva, no es una gran comedia pero responde el objetivo de entretener y de pasar el rato frente a la gran pantalla.

 

"DESCARRILLADOS". NOSTALGIA DEL INTERRAIL

 

Llevo una semana lejos de las salas, a mucha distancia de los habituales pases de prensa, pero guardo algunos títulos que pude ver en su momento en los pases de prensa. Ahora desde Panxón, pueblecito pesquero a treinta kilómetros de Vigo, recupero alguno de los filmes que ya he podido ver como “Descarrilados”, que se estrena este fin de semana.

Una película muy apropiada para estas fechas en que nos desplazamos de un lugar a otro aprovechando las vacaciones y que, aunque no tenga nada que ver me recuerda a la película inglesa el “Viaje de sus vidas” que comenté hace unas semanas en este mismo blog . Ambas tienen por argumento rememorar unos viajes de juventud en recuerdo y homenaje a la amiga /o, fallecido que participó en aquellos viajes.

Mientras en el  “Viaje de sus vidas”, son tres amigas cincuentonas acompañadas por la hija de la fallecida;  “Descarrilados”(98’) , opera prima de Fernando García Ruiz , se mueve decididamente en el terreno de la comedia. Tres amigos, que llevan veinte años sin verse, después del mal recuerdo que les dejó el viaje en Interrail, vuelven a reunirse cuando una notaria, les cita en su despacho para comunicarles que el cuarto componente de aquel grupo de juventud, ha fallecido y les deja su herencia siempre y cuando repitan aquella experiencia en un plazo de tiempo limitado, llevando sus cenizas y compartiendo su experiencia en redes sociales.

Julián López, es un padre de familia que debe ocuparse de la casa y de los hijos; Arturo Valls, sobrevive vendiendo pisos y cualquier chanchullo que se presente y finalmente Ernesto Sevilla es como si siguiera teniendo veinte años, encerrado en su cuarto con los posters, las fotografías, la música o las camisetas que utilizaba en su juventud. En el viaje se enfrentan a diferentes situaciones y momentos complejos que se agravarán cuando conocen a una atractiva estudiante (Dafne Fernández)  .

Con guion de David Marqués (“El club del paro”),  “Descarrilados” es una comedia ligera y hasta cierto punto nostálgica de aquellos viajes que los jóvenes realizaban recorriendo Europa en tren ,cargados de mochila, bocadillos y poco dinero. La cosa es que ahora han pasado veinte años y es difícil rememorar muchos momentos vividos porque los protagonistas ya no son los jóvenes de entonces.

La película se ve con facilidad y da pie a la sonrisa más que a la carcajada.  Hay bromas más afortunadas que otras y un humor para un público más adulto del de  “A todo tren. Destino Asturias” ,la taquillera película de Santiago Segura que recupera el tren como medio de transporte y vehículo cinematográfico que tantas y tan buenas películas nos ha traído .

No es exactamente el caso de “Descarrillados” que, si invita a pasar un buen rato en la sala oscura , divertido y permitiéndonos dejar a un lado cualquier problema que tengamos. Además, los que hayan viajado en interrail seguro que rememorarán aquellos felices años y espero que felices viajes.