6/11/2021
MULLHOLAND DRIVE: EL UNIVERSO DE DAVID LYNCH
6/10/2021
"SOLO UNA VEZ"....pero me temo que no será la última.
Quince mujeres han sido asesinadas durante 2021, ocho de
ellas este pasado mes de mayo. La violencia contra las mujeres no ha decrecido
y sin embargo el cine se ocupa de forma tangencial de hechos que merecen la
denuncia y la repulsa unánime de la sociedad. Por eso, es muy reseñable que el
debutante Guillermo Ríos Bordón aborde la violencia machista en “Solo una
vez “(80’), un filme de pocos personajes, en el que asistimos a la consulta
de una terapeuta especializada en la violencia contra las mujeres.
Ariadna Gil, espléndida en su retorno a la pantalla, interpreta a Laura una terapeuta que, por orden judicial, recibe en su consulta a un famoso escritor(Alex García) acusado de haber agredido a su mujer(Silvia Alonso), que sufrió la fractura de un brazo. El insiste en que fue un accidente , un empujón tras una fuerte discusión y su mujer, en un principio, lo corrobora.
“Solo una vez”, es una película que invita a la
reflexión porque en el maltrato no hay un patrón único. De hecho, en el filme vemos
como el marido de otra paciente amenaza continuamente a Laura que debe
buscar la manera de protegerse. Es una película de diálogos claros y concretos en
que Laura va abriendo puertas para conocer la realidad de la situación. Violencia
física, celos, mentiras y sobre todo miedo, mucho miedo de las víctimas y su
actitud reacia a denunciar al agresor.
“Solo una vez”, rodada en Tenerife ,es una adaptación
teatral de María Buchaca que firma también el guion.
"LA CASA DEL CARACOL". o de nuestros fantasmas.
La malagueña Macarena Astorga debuta también en el cine con “La casa del caracol”(101’), adaptación de la novela escrita por Sandra García Nieto, quién es también la autora del guion.
Después del estreno la semana pasada “Sueños de una
escritora en Nueva York”, llega ahora esta película española que tiene como
protagonista a un novelista que busca refugiarse en una casa escondida, en un
pueblo andaluz para superar el mal momento creativo por el que atraviesa.
Pero a diferencia de los sueños de una escritora,
aquí nos encontramos con los sueños o las pesadillas de un escritor en un
pueblo maldito, donde los habitantes intentan protegerse de los monstruos que
asolan el lugar.
Javier Rey interpreta a Antonio Prieto el escritor que entra
en ese caserón sin dueño, en manos del ayuntamiento porque nadie lo ha
reclamado. Paz Vega es Berta, la mujer que le ha buscado la casa y entre ambos
surge una atracción inmediata pero cada uno tienen sus propios miedos. Antonio
la casa, con esos trofeos de caza, los aullidos de los lobos, el bosque y las
niñas que le acusan de ser el monstruo ; Berta, su inseguridad en un entorno
del que no puede salir y los secretos que es obligada a guardar como parte de la
memoria del pueblo.
En “La casa del caracol”, sobrevuela la atmósfera envolvente
de Guillermo del Toro o Juan Antonio Bayona. No hay mucha sangre y si un
rosario de personajes inquietantes entre los que encontramos a Elvira Mínguez o
Pedro Casablanc completando un reparto de lo más completo para una debutante
que se ha curtido en el cortometraje y en sus clases de Comunicación Audiovisual.
6/07/2021
"Peligro:Refugiados".Mi nuevo libro sobre la vinculación del cine con las migraciones.
Tras “La
memoria escondida” y “La piel quemada”, Ediciones de la Torre
publica en 2021 “Peligro: refugiados”, cuyo primer capítulo “Hijos de los
hombres”, escrito con anterioridad a la pandemia, refleja una sociedad
distópica, no muy alejada de los tiempos que vivimos, en que los refugiados son
demonizados, desde los sectores más populistas, como causantes de los males de la
sociedad occidental.
La cifra de
refugiados en el mundo supera los setenta y nueve millones y medio de personas.
A lo largo de las páginas del libro se describe, a través del cine, la
situación actual de las personas refugiadas en una sociedad global que ha
construido más muros que nunca para impedir que traspasen fronteras. Varias entrevistas
con cineastas que como Salvador Calvo (“Adú”) ,Ramón Térmens(“La
mujer ilegal”) Anabel Rodríguez (“Erase
una vez en Venezuela”) o directores de certámenes como Mané Cisneros
(Tarifa), Manolo H. Martin (Huelva) y Juan Ferrer, hasta hace un año responsable
de Lleida complementan este trabajo que quiere adentrarse en la realidad de un
problema progresivo año tras año y al que el cine tanto en la ficción( ”Adú”,
“Pequeño país”, ”Deephan”…) como en el documental (“Fuocoammare” “Érase
una vez en Venezuela”, “Muros”, “Cartas mojadas”) no es ajeno.
Decir
finalmente que, un porcentaje de las ventas de este libro irá destinado a los
programas que lleva a cabo la Comisión Española de Ayuda al Refugiado(CEAR). Su precio en librerías será de 16 euros
Os facilito el correo donde podéis obtener más información
info@edicionesdelatorre.com.
6/03/2021
Un thriller atípico y un filme de corte histórico, ambos con sello danés, en los OTROS ESTRENOS DESTACADOS ( 4-6-2021)
Esta primera semana de junio nos trae una buena lista de estrenos como los citados “Sueños de una escritora en Nueva York” o “Gaza, mon amor”. En pleno festival de cine español de Málaga que poco a poco, como todos, comienza a recuperar la normalidad, hay opciones para todos los gustos como el thriller danés “Shorta: el peso de la ley”(108’), un potente filme ambientado en los suburbios de Copenhague en que dos policías quedan aislados, poco después de conocerse la muerte de un inmigrante a manos de las fuerzas del orden. En el barrio, las bandas, se organizan para tomarse la justicia por su mano.
Aparentemente hay un poli ”bueno” y otro “malo”, dos hombres que se ven metidos en esa
barriada, casi un gueto, tan habitual en la Europa del bienestar donde
sobreviven familias muy alejadas de las costumbres de los países que los
acogen. “Shorta”, policía en árabe es una película muy buen rodada, con
la cámara muy próxima a los protagonistas que corren sin saber bien a donde por
los laberintos callejeros, intentando huir de quienes están dispuestos a acabar
con ellos. Un filme intenso y potente
que lleva la firma conjunta de los directores Frederik L.Hviid y Anders Olholm,
quienes, además, plantean un debate sobre racismo, el abuso de poder o las desigualdades
sociales.
Muy diferente es “The Good traitor”(115’) de la danesa Christina Rosendahl quien pone el foco en el embajador danés en Washington, Henrick Kauffmann quién, durante la Segunda Guerra Mundial se opuso, con mil artimañas, a entregar Groenlandia a los nazis, desobedeciendo de esta manera a su gobierno, invadido por Alemania.
De Australia llega la comedia “Un pequeño contratiempo·” (90’)que
plantea que ocurriría con nuestras vidas si, de un día para otro, hubiésemos
cambiado de año. Rafe Spall interpreta a Teddy un joven que nunca tiene
prisa que todo lo deja para mañana. El día de su boda recibe un regalo que no
debe abrir hasta pasados varios años.
Sin darse cuenta y aniversario tras aniversario de boda ve
como la vida pasa, como es de corta, como hoy tu mujer(Zahra Newman) está
embarazada y al día siguiente ha nacido la niña; como el trabajo le aparta de
su familia y acaba divorciándose o como su espíritu alegre y desenfadado se va
tornando en sombrío.
Una película entretenida, aunque previsible que deja un no disimulado
homenaje a “Atrapado en el tiempo” y que nos permite una clara
conclusión: “No dejad para mañana, lo que puedas hacer hoy”, porque esto va muy
deprisa.
Se que también se estrenan esta semana secuelas del tipo “Expediente Warren: Obligado por el demonio”, terror a toda máquina o la comedia francesa: “Dios mío, ¡Los niños han vuelto! pero, entre las películas que no he podido ver y de la que mejores referencias tengo es “Karen”, la primera película de ficción de María Pérez Sanz en que se acerca al personaje de Karen Blixen, conocida por su seudónimo de Isak Dinesen, con el que firmaría “Memorias de África”, tras su paso por el continente africano.
Más que un biopic la película quiere ser testigo del entorno y la cotidianidad de la vida de la escritora interpretada por Christina Rosenvinge, quién hace su primer papel en la pantalla grande. La narración se sitúa en Kenia, pero está rodada en Extremadura. “Karen”, cierra esta semana tan danesa en nuestras carteleras bien por tratarse de producciones propias de este país o por centrarse en una escritora danesa como fue Isak Dinesen.
PALESTINA SIEMPRE CONVULSA, SE DA UNA TREGUA EN “GAZA,MON AMOUR"
Todavía tenemos reciente los bombardeos israelís contra Gaza del pasado mes de mayo causando más de dos centenares de muertos, muchos de ellos niños . Fueron once días de muerte y destrucción respondiendo, desde Tel Aviv, un ataque con misiles de Hamás que también causó algunas víctimas mortales.
La respuesta fue brutal y más de dos mil viviendas fueron
arrasadas junto a fábricas y establecimientos comerciales. Una vez más Gaza
debe ser reconstruida.
Prácticamente, coincidiendo en el tiempo, llega a nuestras
salas, “Gaza, mon amor”(87’), película dirigida por los hermanos gemelos
Tarzán y Arab Nasser que ha sido premiada en festivales como Toronto y Venecia
y consiguió la espiga de plata al mejor guion en la última Seminci de
Valladolid.
Los hermanos Nasser, en su segunda película(“Degradé” 2015) construyen una fábula basada en hechos reales. Han contado que un pescador encontró una estatua de Apolo, el dios griego, en los apenas cinco kilómetros que les conceden los israelís para poder faenar en el mar. Nada más recogerla quedó confiscada por el gobierno palestino que comenzó a buscar comprador para sacarle partido al hallazgo.
Ese hallazgo se inserta en la historia que cuentan los hermanos
Nasser que describen como el solitario y sesentón pescador, solo atosigado por
una hermana cotilla y casamentera, se ha enamorado de una mujer que cose ropa
para mujeres, interpretada por la gran Hiam Abbas (“Los limoneros”, “Alma
mater”). Le da buena réplica Salim Daw, que interpreta a ese pescador
solitario ,con una vida monótona que se siente enamorado como un adolescente
por la atractiva modista. Una mirada, compartir un paraguas, llevar unos
pantalones a acortar, cualquier cosa con tal de ir preparando su declaración de
amor que, se complica cuando encuentra la estatua.
Un filme con toques de humor, amargo también, pero en el que
prevalece como han dicho los propios autores “una cierta dulzura y melancolía”.
En su conjunto es una película entrañable que, ojalá fuera
el cine que siempre se pudiera hacer en Gaza, lejos de los bombardeos y la
destrucción de la ciudad.
EL CINE Y EL OFICIO DE ESCRIBIR: "Sueños de una escritora en Nueva York"
El cine y la literatura llevan mucho tiempo yendo de la
mano. Buena parte de las novelas de hoy se escriben con imágenes, como si sus
autores ya viesen a sus personajes moviéndose por la `pantalla. Pero la
literatura en sí, fuera de la adaptación de una obra literaria, es de por sí un subgénero cinematográfico con un
sinfín de biopics, más o menos acertados, sobre grandes autores o, en
otros casos, fabulando historias de escritores que o bien buscan abrirse camino en el mundo de la
literatura o por el contrario se encuentran en sus momentos más bajos de
creación.
Entre las películas de ficción que recuerdo con mayor
interés está “El escritor”, de Roman Polanski; “Medianoche en París”, de Woody
Allen, “En la casa”, de François Ozon o “Descubriendo a Forrester”, de Gus van
Sant. Tampoco olvido “Epílogo”, de Gonzalo Suárez, un cineasta peculiar e
independiente de nuestro cine que cuenta también con una obra literaria que, de
alguna manera ha vinculado a la pantalla grande.
Esta semana se estrena “Sueños de una escritora en Nueva
York” y este mismo mes llegará a las pantallas, “Envidia sana”, dos
películas que hablan de literatura, más bien del deseo de escribir, de
convertirse en autoras para trasmitir todo ese universo literario que desean
crear. Ya llegará el momento de comentar más despacio “Envidia sana”, que
describe como una mujer, sin aparentes inquietudes, se convierte en una
escritora de éxito ante la sorpresa y sobre todo la envidia de su entorno.
“Sueños de una escritora en Nueva York”(101’) adapta
el libro de memorias de Joanna Rakoff “Mi año con Salinger”, en que cuenta como
nada más terminar su carrera entró a trabajar en la prestigiosa agencia
literaria Harold Ober, a la que pertenecieron autores como Scott Fitzgerald, William
Faulkner o Agatha Christie.
Joanna se esfuerza en la tarea que le encomienda su jefa,
Margaret (Sigouney Weaber) dura y exigente en los más mínimos detalles. Un cara
a cara entre la joven en principio tímida y apocada que se inicia en el mundo
laboral ; en las relaciones de pareja y
del entorno de una ciudad que, le es desconocida como Nueva York. Enfrente la
mujer segura de si misma, intelectual, con enorme personalidad que quiere que
todas sus instrucciones se cumplan a rajatabla.
Un filme en tono de comedia ,agradable de ver, pero con la
impresión al salir de la sala que la historia podría haber dado mucho más de sí.
Los personajes secundarios están muy desdibujados y solo la fuerza de las dos
mujeres protagonistas dan empaque a esta cinta que dirige el canadiense
Philippe Falardeau (“Profesor Lahzar”).
5/31/2021
LOS CLASICOS,COMO “LAS UVAS DE LA IRA”, SIGUEN SIENDO VIGENTES.
Esta semana en Alcalá de Henares volví a ver “las uvas de la
ira”, en un ciclo dedicado al trabajo y la literatura y viendo sus imágenes
observé que la historia que escribiera John Steinbeck y llevara a la pantalla
John Ford no ha perdido actualidad.
La familia protagonista ,los Joad , se asemeja a los
migrantes y refugiados que quieren alcanzar hoy nuestras costas huyendo de la
miseria, el hambre, las guerras, las persecuciones políticas o religiosas o incluso,
por razón de su condición sexual. Si la novela es memorable, no le queda atrás
la película que describe ese viaje de tres generaciones de la familia en un
destartalado camión que parte desde Oklahoma hacia California, una especie de
tierra prometida y fértil en que esperan tener una vida digna.
Viendo o leyendo “Las uvas de la ira” te reafirmas en el
papel esencial que juega la cultura en nuestras vidas. Cómo historias tan
crudas pueden desprender un gran lirismo y una sugestiva belleza por la
composición de los personajes o ,en el caso del cine, además, por esas imágenes
imborrables que nos acompañarán siempre.
Aquí, en España, cuando se publicó “Las uvas de la ira”,
íbamos con retraso. La censura se encargó de que el libro no saliera hasta 1951,
doce años después de su publicación, mientras que la película no se estrenó en
nuestro país hasta el 26 de febrero de 1974,pero cambiando sustancialmente en
el doblaje el discurso de Tom Joad, Henry Fonda quién manifestaba su
lucha contra cualquier injusticia.
Que tendrá la cultura para que los dictadores le tengan
tanto miedo y ordenen quemar libros u obras de arte; cortar fotogramas o vetar
representaciones teatrales. Qué tendrá “Las uvas de la ira” para que sigamos
leyéndola o viéndola como si estuviésemos viviendo la crisis consecuencia del
coronavirus. Quizá porque las obras maestras siempre perduran y que pasen años
y generaciones y sigamos dejándonos llevar por su lectura y sus imágenes y
hacer nuestros a todos los personajes que luchan por salir adelante. Mamá
Joad, en su alegato final en la película, no queda muy claro si fue idea de
Ford o del productor Zanuck, define a los suyos como “la gente que vive. No
pueden arrollarnos, no pueden vencernos. Seguiremos siempre adelante ,porque
somos el pueblo”.
PUBLICADO EN LA VOZ (31-5-2021)
5/28/2021
Cuando "Cruella" no era "Cruella." Estrenos de la Semana 28-05-2021.

Cruella”, interpretada por Emma Stone va a ser otro de los estrenos de la semana. En la película que dirige Craig Gillepie (“Yo Tonya”) no nos acercamos a la Cruella de carne y hueso que interpretó Glenn Close, si no que nos vamos al pasado para conocer el origen del personaje.
Vamos que el final de la película coincidiría con su primera aparición en la cinta de Walt Disney, “101 dálmatas” de 1961, cuando se reencuentra con su antigua amiga: “
-“Anita querida”
- “¿Cómo estás?
- “Desdichada, querida, como siempre. ¡Perfectamente, miserable!
Así respondía aquella excéntrica mujer, siempre con su boquilla en unos labios rojos, rodeada de humos, con abrigos de pieles más largos que ella o con el pelo coloreado. No vamos a ver a la “Cruella” que conocemos si no el pasado que le llevó a ser quien es.
Hay un personaje nuevo, la Baronesa (Emma Thompson) que le dará una oportunidad en su estudio de moda, pero, detrás hay gato encerrado.

Una propuesta muy diferente es “Siervos” que nos sitúa en la antigua Checoslovaquia en 1980.
Es una película que habla de adoctrinamientos y como, en el fondo, unos y otros tienen pocas diferencias porque su objetivo es eliminar las opciones individuales. Aquí vemos como dos seminaristas se debaten entre mantenerse fieles a su vocación o aceptar las presiones de la policía del estado.
Basada en testimonios reales la película dirigida por el checo Ostrochovsky y premiada en la SEMINCI, plantea entre elegir entre tus ideales y el `poder. Un thriller en blanco y negro, con 80’ de duración y una coproducción que lleva la firma de Eslovaquia, república Checa, Rumania e Irlanda.

He tenido ocasión de ver esta semana “Armugán: El último acabador”, una película bien rodada, también en blanco y negro pero que es difícil recomendar. Dirigida por Jo Sol “(Vivir y otras ficciones”, Armugán es una ficción sobre un hombre que te ayuda a morir y de quien quiere aprender de su experiencia y convertirse en su sustituto.
Pocos diálogos y mucha poesía en esa presencia del “último acabador”, en los momentos finales de nuestra existencia y la apuesta por una muerte digna.
Lo difícil es atraer a los espectadores a ver películas como la que he comentado.
5/27/2021
Acción, acción, acción: "Despierta la furia"
El cine es espectáculo y ya se encargó de recordárnoslo
James Bond, con filmes plenos de acción e ingenio o la saga de Misión Imposible
con Tom Cruise reventando taquillas como ocurre ahora con películas bastante
más fantásticas, con superhéroes que realizan acciones inverosímiles, en las
que solo podemos creer porque las vemos en pantalla.
Eso constituye buena parte de la magia del cine, en que los
efectos especiales artesanales hace mucho tiempo que fueron sustituidos por
sofisticados nacidos de la tecnología digital.
“Despierta la furia”, con prácticamente dos horas de duración, va a hacer que no nos enteremos que el tiempo pasa porque está plena de acción. Personalmente no es el cine que me interesa, pero permite acomodarte en tu butuca y desfrutar del espectáculo sin nada que te moleste. Es una película construida con fundamentos suficientes para tener repercusión en taquilla. Su director es el británico Guy Ritchie quién irrumpió con fuerza en el mundo del cine en 2000, con el thriller “Snatch: Cerdos y diamantes” ya con Jason Statham en el papel protagonista o su última aportación al cine con “The Gentleman: Los señores de la mafia”. Tampoco hay que olvidar sus dos entregas sobre Sherlock Holmes o la dedicada al Rey Arturo.
En “Despierta la furia , Jason Statham es H. un
frio y misterioso conductor en una empresa de traslado de dinero. Cada semana
los camiones blindados mueven cientos de millones de dólares por las calles de
Los Ángeles con el consiguiente interés de las bandas organizadas.
H Es capaz de acabar con cualquier asaltante que se
enfrente a él y también de hurgar en la corrupción que parece haber en la
compañía que le ha contratado. Busca venganza, quiere encontrar a quienes le
causaron un daño irreparable.
Ni que decir tiene que Jason Statham es un actor que encaja
perfectamente en el papel. El protagonista de las últimas “Fast Furious” o de
la saga “Transporter” es un actor hierático, frío y ajeno a todo lo que pueda
desviar sus objetivos. Reparte a diestro y siniestro y nos recuerda que los
buenos siempre ganaban en las películas, aunque su bondad,en algunas
secuencias, deje mucho que desear.
5/20/2021
ESTRENOS(21-5-2021) "Influencers",soledades, amores y sonidos de western.
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La protagonista y el director de" Sweat" presentaron la película en los cines Embajadores, de Madrid |
Esta semana hay varios estrenos que hablan de amor. Pero no
de un solo amor. Hay películas que hablan de amor tóxico, homosexual, de la
carencia de amor e incluso del poliamor. Las hay también que hablan de
solitarios, de como la fama y el éxito puede esconder la mayor de las soledades
.También hay lugar `para el sueño americano con un western en que sus
protagonistas son cazadores de pieles.
Son solo algunas de las propuestas porque, este fin de
semana, la cartelera se muestra animada y con algunos títulos, aparte de “Pequeño
país”, al que he dedicado ya un comentario, que tienen su interés.
El director sueco sigue el día a día de la protagonista en
esta coproducción entre su país y Polonia. La cámara no se aparta de ella para
que intentemos comprenderla . Sus clases, su comida, sus fiestas familiares, su
imposibilidad de sentir, de amar o de ser amada, el sentirse acosada, la tv…Sylvia tiene días
buenos y malos que muestra sin pudor, cree que sus seguidores deben conocer
todo lo que hace. “Sweat” nos
sitúa ante la triunfadora que expone su intimidad a todo aquel que quiera
seguirla. Detrás de su fachada atractiva, alegre, desenfadada está la enorme
dependencia que conlleva su popularidad que conduce a la ansiedad y a preguntarse quién es ella, porque no tiene a
nadie a quien amar.
De amores y soledades también habla “Mía y Moi”(104’) en que la historia se sitúa en una masía no muy lejos de la playa en que Mía, Bruna Cusí(“Verano 1993”), recibe a su hermano Moi (Ricardo Gómez, “Cuéntame”) y la pareja de este Eneko Sagardoy (“Handia) donde pasarán unos días de vacaciones.
Y he visto esta semana también, la comedia “Poliamor para
principiantes”(97’) que firma el veterano Fernando Colomo y que me ha
decepcionado porque está muy lejos de las mejores comedias del director madrileño.
No se si el reparto no ha sido el más apropiado, si el guion
ha cojeado o los diálogos son demasiado simples, pero no he visto al mejor
Colomo por ningún lado. Dicho lo cual, “Poliamor para principiantes”
podría haber tenido muchas más posibilidades de las que nos muestra en la
pantalla. Manu(Quim Ávila) es un romántico empedernido, un youtuber que aumenta
exponencialmente sus seguidores cuando adopta la personalidad, en las redes, de
Ranger del amor, apoyado por su padre (Karra Elejalde) y con el escepticismo de
su madre (Toni Acosta) que, en el fondo están deseando que “el niño”, se busque
la vida fuera de casa.
Manu se enamora de Amanda(María Pedraza) una médica que tiene relaciones poliamorosas
tanto con hombres como con mujeres. Todo lo contrario, a lo que Manu desea. Situaciones
de enredo, equívocos, desencuentros, encuentros y todo, demasiado previsible.
Ya digo que la idea podría haber dado mucho más de si,porque mimbres y estar al día no le faltan a Colono, pero
le ha faltado el alma de filmes intimistas como “Isla bonita” o comedias
clásicas de nuestro cine como “La vida alegre”.
Y el último titulo que os comento esta semana , “First cow”(122’),
western norteamericano de Kelly Reichardt que no habla de amor, pero si de una
amistad hasta sus últimas consecuencias.
Una mujer paseando a su perro descubre unos restos humanos y
a partir ahí viajamos al pasado para conocer su origen. La película narra la
historia de un cocinero(John Magaro) contratado por una expedición de cazadores
de pieles, en el estado de Oregón. Estamos en 1820 y miles de hombres se hallan a
la búsqueda del “sueño americano”.
Un western nada épico y si más reflejo de la vida cotidiana
y la picaresca para salir adelante en tiempos difíciles donde el barro y la
suciedad salpica al espectador. Deseas que los protagonistas se den más de una
ducha en aquella América primitiva de principios del siglo XIX. Kelly Reichardt
(Wendy&Lucy) sigue siendo una de las cineastas independientes más interesantes
de EEUU.
PEQUEÑO PAÍS. La mirada atónita de un niño ante el genocidio de Ruanda y Burundi.
Burundi 1993. Algo más de cinco millones y medio de
habitantes. Se convivía en paz, pero las dos grandes etnias dominantes hutus y
tutsis mantenían sus diferencias ancestrales.
Con estos mimbres construye el director francés Eric Barbier
su película “Pequeño país”, que acaba de ganar el Barcelona Film
Festival Está basada en el libro autobiográfico, del mismo título de Gabriel
Fayé que ha sido un éxito completo en Francia donde ha vendido más de
setecientos mil ejemplares.
Barbier describe con delicadeza cada momento y solo ,en muy
contadas ocasiones, deja ver al espectador alguna secuencia violenta. Recuerda
momentos históricos como la inacción, una vez más, de las fuerzas de Naciones
Unidas y la pasividad de la comunidad internacional o el papel que jugaron los medios
de comunicación locales y en particular la radio ruandesa para animar al
aniquilamiento de los tutsis
“Pequeño país” es la historia de un niño que conoció
la guerra y que cuando creció nunca pudo olvidarla. Es la historia también de
un niño que, gracias a una maestra, se aficionó a la lectura leyendo a Jack
London y acabó convirtiéndose en escritor . Y es, sobre todo la mirada atónita del
niño, de cualquier niño ,de cualquier parte, ante la violencia que crece. Sus ojos lo dicen
todo.
“Pequeño país”, es una pequeña gran película firmada
por Eric Barbier al que recordaremos en nuestro país por “Promesa al amanecer”,
basada en la vida del escritor Romain Gary. Ah la película dura 113’ pero los
últimos siete reproducen sobre los títulos de crédito algunas de las canciones
de Gabriel Fayé. Merecen la pena. Este es un fragmento:
“Pequeño país, cuando lloras, lloro
Cuando ríes, río
Cuando mueres, muero.
Cuando vives, vivo.
Pequeño país, sangro por tus heridas.
Pequeño país te quiero, de eso estoy seguro”
5/17/2021
SI BERLANGA,VIVIERA…
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Estos tiempos dan para meditar |
Berlanga, en su centenario, si volviera, se sorprendería de
que han bajado los decibelios y que los sonidos están cubiertos por mascarillas
salvo, cuando damos un sorbo a la cerveza, en los miles de terrazas que
proliferan por toda nuestra geografía.
Berlanga se hubiese quedado sin su principal instrumento: la
palabra. Porque el cine del maestro valenciano es una sucesión de personajes
que se atropellan en sus expresiones, en su manera de hablar, siempre un poco
más alta del que tienen enfrente. Más que conversaciones, sus personajes se
expresan a gritos y sus palabras surgen como un torrente. Nos tenía calados.
Radiografió como nadie a los españoles
Siempre he tenido muy presente el cine de Berlanga y no
puedo evitar una sonrisa cuando recuerdo secuencias que se han clavado en mi
memoria. Por supuesto el discurso de Bienvenido Mr. Marshall; los esfuerzos del
pobre Cassen en Plácido por pagar la letra del motocarro; los intentos de Pepe
Isbert por convencer a su yerno, Nino Manfredi para convertirse en verdugo y
poder acceder a un piso de protección oficial o su saga de los nacionales, con
aquella “Escopeta nacional” en que introdujo a toda la fauna de la época, en
una cacería durante el franquismo en que
se daban cita ministros ,aspirantes a ministros con el sello del Opus; curas
posconciliares; aristócratas venidos a menos; empresarios ambiciosos; amantes ,
criados obedientes y cómplices y obsesos
sexuales. Personajes corruptos, pero a los que Berlanga trataba con ternura y
con ese humor que nos hacía reír sin pudor. Personajes, que como les que
vinieron después con la transición acabaron “Todos en la cárcel”, adelantándose,
de alguna manera, a la corrupción que hemos vivido en nuestro país.
Me pregunto cómo hubiese retratado Berlanga a la clase
política de hoy, qué imagen habría podido hacer de todos esos políticos que se
insultan ,se desprecian o se acusan en el Congreso, en otras instituciones o en
la calle durante las campañas electorales . Berlanga habría puesto su cámara y
no habría necesitado de actores. Aunque usen mascarillas son fáciles de
reconocer. Sus expresiones, su verborrea , sus insultos se suceden un día si y
otro también. La clase política de hoy tendría papel protagonista en esas
películas corales de Berlanga.
El director valenciano no hubiese necesitado a sus cómicos,
ni siquiera a Fernando Fernán Gómez o Luis Ciges, coetáneos de Berlanga, de los
que también conmemoramos su centenario. Quizá para celebrar ese acontecimiento
podría ofrecerles un cameo o una aparición fugaz a lo “austrohúngaro”.
Quien dice que el cine de Berlanga no es universal, que no
ha trascendido fuera de España creo que tiene razón porque a ver quien es el valiente
que se atreve en subtitular sus películas. Sería imposible reflejar las
expresiones, las conversaciones, los gritos de esa multitud de personajes que transitan
por sus historias ruidosas, como las tracas falleras.
(PUBLICADO EN LA VOZ DE CÁDIZ. 17-5-2021)
5/13/2021
“HIJOS DEL SOL” en busca del tesoro.
Hace unas semanas escribía en este mismo blog sobre “Yalda: la noche del perdón”, película iraní sobre los reality show llevados al extremo de poder reafirmar una sentencia de muerte. Este fin de semana nos llega “Hijos de la noche”(99’) del director iraní Majid Majidi quien propone un filme que traslada el mundo de Oliver Twist a las calles de Teherán.
Un grupo de niños de la calle sobrevive con pequeños hurtos
y actitudes picarescas en una ciudad hostil y en la que es complejo sobrevivir.
Unos delincuentes convencen a los niños para que se matriculen en un colegio
porque, en sus sótanos ,hay escondido un tesoro. Deben buscar la manera de
llegar hasta él.
Majid Majidi, a través de sus niños protagonistas, reflexiona sobre el trabajo infantil y al mismo tiempo traza una suave línea que nos acerca a los sueños de esos niños que van desde ayudar a sus familiares enfermos a convertirse en jugador de fútbol. Unos niños que trabajan sin descanso para intentar encontrar el tesoro, cavando hasta la extenuación en el sótano de la escuela. El tesoro no deja de ser una metáfora sobre la propia infancia porque en los niños está el futuro.
La escuela es también un símbolo, un lugar donde los docentes de una ONG intentan ayudar a los niños de la calle y buscan redimirlos a través de la educación. La formación es un antídoto frente a la violencia y una opción para el futuro.
Los protagonistas fueron elegidos entre 3000 niños que se
presentaron al casting , niños que no estaban acostumbrados a someterse a
ninguna regla. El protagonista, Roohollah Zamani, un niño de 12 años llegó a
ganar el premio “Marcello Mastroianni” en Venecia y hoy es uno de los actores
que trabaja en una serie televisiva iraní, junto a otro de los personajes
entrañables de la película, una niña afgana, sin identidad ni pasaporte, que
vende baratijas en el metro de Teherán.
Majid Majidi recuerda en su cinta que 160 millones de niños
en el mundo trabajan para mantener a sus familias, un tema que ya abordó en 1999
cuando se convirtió en el primer iraní candidato al Óscar por “Niños del
cielo”.
“Hijos del sol” es una de las opciones más interesantes para
este próximo fin de semana.
OTROS ESTRENOS: “Ghosts”, “Vivir sin nosotros”.
“Ghost”(90’), debut de la directora turca Azra Denis
Okyay, ganó la Semana de la Crítica en el último festival de Venecia. Es una
película de gran fuerza visual que nos lleva a lo más profundo de la noche en
una barriada de Estambul en proceso de demolición.
La joven directora ha dicho que su película “es una metáfora
de un país, el mío, que se hunde en la oscuridad”. Y es que en sus “fantasmas”
reina el caos, situando en la acción a cuatro personajes que entrecruzan sus
destinos en esa barriada condenada a ser demolida. Debe transformarse
definitivamente por los intereses de las inmobiliarias. La familia, el
activismo feminista, la música urbana o los sabotajes son elementos que se
suceden frenéticamente en un gran cóctel explosivo ,en la noche más larga, en
que los helicópteros sobrevuelan el barrio , mientras las patrullas policiales
desalojan los edificios.
Su estreno, alejado de los circuitos más comerciales,
coincide con otro título que lleva varias semanas buscando la manera de llegar
a la cartelera, “Vivir sin nosotros”(104’), filme sueco con el que
también debuta David Fierdmar. Una joven pareja homosexual debe enfrentarse a
su ruptura. Mientras uno de los protagonistas, Hampus, considera muy positivo
pasar página de una relación autodestructiva , el otro Adrian está destrozado anímicamente
porque no quiere separarse bajo ningún concepto.
Un drama que se cuenta con naturalidad y que nos dice que
también en el ámbito gay las rupturas de pareja son igual de corrientes y
traumáticas que las que se producen entre los heteros. Una reflexión que ahonda
en la psicología d ellos personajes y nos lleva a conocer esos “secretos de matrimonio”
que ya revelaba Ingmar Bergman.
5/08/2021
OTROS ESTRENOS (7-5-2021)
Junto a las
dos grandes películas de esta semana, “El olvido que seremos” y ¿Quo
Vadis, Aida?, hay otros títulos que os referencio brevemente por si tuvierais
interés en asistir a alguna de estas películas.
Se trata de
“Cuatro días”(100’), película que dirige Rodrigo García (“Madres e
Hijas”), en que de alguna manera sigue ahondando en las relaciones materno filiales
a través de la compleja relación de una madre, Glenn Close y su hija
heroinómana, Mila Kunis.
Filme duro
que refleja esa impotencia y frustración de una madre por no poder solucionar
la enfermedad de su hija. La acción se desarrolla durante los cuatro días del
título y a Glenn Close su interpretación, le valió una nueva nominación al Oscar,
premio que nunca ha obtenido.
Y como
último apunte, una película de terror “Tiburón blanco”(100’). El
debutante John Williams sigue explotando a estos escualos gigantescos como
generadores de terror. Esta vez las víctimas son un grupo de excursionistas en
la gran barrera de coral australiana. Ni que decir tiene que el tiburón se
convertirá en pesadilla para todos ellos.
5/06/2021
¿Quo Vadis, Aida? : Memoria histórica de Srebrenica

“Quo Vadis Aida?(101’) , o ¿ qué hizo Naciones Unidas durante la guerra de Bosnia? Sería la pregunta que habría que hacerse porque esta cinta de la realizadora Jasmila Zbanic, nominada al Oscar de mejor película en lengua extranjera, nos traslada a los años noventa del siglo pasado cuando la ciudad de Srebrenica fue tomada por las tropas serbias que ejercieron una brutal represión contra la población civil.
¿Quo vadis, Aida? refleja la violencia sin límites protagonizada por los serbios a cuyo mando se encontraba el general Ratko Mladic, condenado a cadena perpetua por genocidio en 2017 por el Tribunal de la Haya .

Mladic entró en Srebrenica y acabó mandando matar a más de ocho mil hombres y niños musulmanes bosnios el 11 de julio de 1995, después de la inacción del destacamento neerlandés de Naciones Unidas, que custodiaba la zona, que quiso creer las promesas de los serbios de que no les ocurriría nada.
La película refleja esos momentos a través de la impotencia de una traductora de Naciones Unidas, excelente la actriz Jasna Djuricic, que hace lo imposible por proteger a su marido y sus dos hijos, ante el poco apoyo que recibe de los mandos militares de Naciones Unidas . Aida es un personaje de ficción, pero todo lo que cuenta la película es real y se basa en trascripciones de los juicios llevados a cabo y en relatos de los testigos supervivientes.
Jasmila Zbani, que solo tenía 17 años cuando se produjeron las matanzas de Srebrenica, quiso terminar sus estudios de cine con un documental sobre las fosas comunes. A día de hoy todavía no han podido ser identificados los restos de más de mil personas asesinadas por los serbios. Zbani, con su primera película de ficción “Grbavica”(2006) obtuvo el oso de oro en Berlín.

¿Quo Vadis, Aida? describe aquel genocidio, pero pone el acento también en la inacción de las Naciones Unidas , no tanto en los militares que debían haber protegido a los refugiados si no en los políticos de despacho que fueron ajenos a la tragedia que iba a producirse. De hecho, tampoco la UE, dentro de Naciones Unidas, hizo nada por detener los sucesivos conflictos bélicos que se produjeron en la antigua Yugoslavia , todos ellos a las puertas de la Europa del bienestar.
"EL OLVIDO QUE SEREMOS: La historia de un hombre bueno

“El olvido que seremos”, seguramente lo seremos la mayoría ,salvo algunos que serán inmortales y los recordarán generaciones y generaciones. Pero Héctor Abab Faciolince no olvidó a su padre, el cariño y la admiración que sintió por él y que reflejó en un libro que lleva ese mismo nombre y que publicó por primera vez en 2006. Posteriormente se reeditó en 2017,convirtiéndose en un libro de culto.
“El olvido que seremos”(136’) , llevada al cine por Fernando Trueba y ganadora del Goya de la mejor película iberoamericana, representado a Colombia, cuenta la historia de un hombre bueno. De un ser humano afable, generoso, cariñoso con los suyos, solidario y firme defensor de los derechos humanos. Héctor Abad Gómez alzaba su voz contra cualquier injusticia.

Su hijo, Héctor Abad Faciolince nunca olvidó a su padre, asesinado en 1987 por paramilitares en Medellín, asesinos a sueldo de esas fuerzas ocultas que se encargan de eliminar a todo aquel que les moleste .Los que mueven los hilos del poder no soportaban que un médico les dijera que había que potabilizar el agua y que los niños recibiesen leche gratuita en los barrios más pobres de la ciudad. Le acusaron de marxista por su atención a los más necesitados, pero también desde la izquierda se le acusó de burgués tibio porque no estaba de acuerdo con la lucha armada. Estaba en medio del fuego cruzado.
Se exponía con sus opiniones y en sus clases de la universidad, pero estaba convencido de que no hacía mal a nadie. Su hijo cuenta todos los secretos que compartía con su padre, y ese cariño y admiración que sentía por él como les ocurría a sus cuatro hermanas. Javier Cámara realiza un brillante trabajo, incluso con el acento de Medellín, para interpretar a ese padre próximo y realista que transita por la vida de forma decidida, convencido de sus valores.
Fernando Trueba dirige una de sus mejores películas, pero el guion de su hermano David no se queda atrás. Parecía ,casi imposible adaptar un libro tan intenso y lleno de fragmentos y de recuerdos que van y vienen pero que permiten sentir los besos y abrazos que el padre repartía entre sus hijos o sus esfuerzos por acabar con los años de plomo en Medellín.

En “El olvido que seremos” viviremos la infancia , la juventud y los momentos previos al asesinato del padre. Son ráfagas que definen el rápido trascurso de la vida. El color o el blanco y negro fotografían sensaciones, resaltando pasajes luminosos o, por el contrario, la proximidad de la muerte.
Ese “Olvido que seremos”, el primer verso de un poema de Borges que siempre llevaba en su chaqueta el médico Héctor Abad Gómez , es un gran libro, pero no tengo duda de que también es una gran película.