PERDIDOS EN LA NIEVE

Durante la II Guerra Mundial  dos aviones, alemán y británico, se derriban mutuamente .  Los tres sobrevivientes alemanes avanzan por la inmensa estepa noruega ,en pleno temporal  de nieve, hasta que encuentran una cabaña donde refugiarse. Nada más llegar aparecen los dos tripulantes del avión británico que también han resultado ilesos.

Tras las diferencias lógicas entre los representantes de dos ejércitos enemigos, poco a poco va surgiendo la amistad entre los cinco y todos  arriman el hombro para salir adelante .Se necesitan mutuamente.

Basada en un hecho real, “PERDIDOS EN LA NIEVE”  dirigida por el noruego Peter Naess  narra la actitud de unos hombres que se ven obligados a buscar formas de supervivencia en un paraje inhóspito…Junto a la tensión que desprende el  relato, el realizador ha sabido dotar al filme de un fino humor  y sobre todo ha recordado que las guerras responden a cuestiones políticas, económicas y a militares que buscan su momento de gloria. En la película  resalta por encima de todo la camaradería y complicidad de los cinco hombres  que van poco a poco desgranando su vida íntima y las cuestiones que les han llevado a la II Guerra Mundial.

Como referente a “Perdidos en la nieve” he encontrado una película chilena que vi hace algunos años,”Mi mejor enemigo” que contaba, como coincidían en la Patagonia dos patrullas, una Argentina y otra chilena , cuando ambos ejércitos están a días de comenzar un enfrentamiento armado en la frontera sur, en 1978. Ambas patrullas esperarán la guerra pero esa espera desemboca  en  la amistad  que se da entre seres humanos que son enemigos. 

Un argumento similar al que ahora Peter Naess nos ha presentado con una película que en momentos resulta claustrofóbica, con los cinco personajes en la cabaña y con la imposibilidad de enfrentarse con garantías al duro invierno noruego.

Alemán e inglés a la busca de ayuda

El único sobreviviente en la actualidad de aquella aventura, el teniente alemán Horth Schopis, ya con 98 años, le dio información de primera mano al director sobre una historia que no deja de ser anti-bélica y tremendamente humana. 

Interior de la cabaña.Rancho de musgo y avena

Para Peter  Naess, “Perdidos en la nieve” no transcurre únicamente en el campo de batalla, sino en una cabaña totalmente aislada donde el mundo real, el mundo imperfecto de ideologías fallidas y gobiernos corruptos, no tiene cabida.

Buenos actores, entre ellos Ruper Grint,el pelirrojo de la saga Harry Potter y 101’ de metraje para una película que no defraudará a quién acuda a verla.

                                                          

SE ESTRENA EL 12 DE JULIO

"VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS "

La vi  en el festival de cine Iberoamericano de Huelva.  “Violeta se fue a los cielos “es un biopic bien llevado de la vida de Violeta Parra,una de las máximas representantes de la nueva canción latinoamericana, que tanto éxito tuvo en España durante los años setenta. Sus canciones , plenas de poesía, desgarradas, reivindicativas, desencantadas  fueron himnos de América Latina  que encabezaron aquel movimiento musical y social, durante los años de las dictaduras militares en el cono sur ,a pesar de que ella se había suicidado de un disparo en la cabeza en 1967, a los 49 años. Aquellas canciones han sido interpretadas por decenas de cantantes y a la estela  de Violeta Parra hubo nombres míticos como Víctor Jara, los Quilapayún o los Inti-Illimani. Fueron los representantes de la canción popular en América Latina.

“Violeta se fue a los cielos” está dirigida por Andrés Wood, uno de los cineastas chilenos más conocidos en nuestro país a raíz de títulos como “Machuca” o “La buena vida” con la que ganó el Goya a la mejor película iberoamericana. Wood considera que Violeta Parra era un genio, una mujer avanzada para su época que, si hubiese sido gringa, equivaldría tres Bob Dylan”.

La actriz Francisca Gavilán se metió en la piel de Violeta Parra aprendiendo a tocar la guitarra e incluso a cantar las canciones. Ella representa a aquella mujer  vitalista y depresiva. Capaz de los mejores momentos y de los más tristes. La película se basa en el libro del mismo título de su hijo Angel Parra quién ha querido que este libro y también la película pongan a Violeta Parra en el lugar que se merece  y que los jóvenes que se acerquen a sus canciones sepan por qué y cómo las escribió.

En el fondo el objetivo está cumplido. “Violeta se fue a los cielos” es una película divulgativa sobre la vida de aquella mujer inquieta y  un recorrido por sus inquietudes y sus amores que tantos males le trajeron. Una película nostálgica para quienes vivieron su tiempo y de conocimiento para las nuevas generaciones. A Violeta habría que decirle “gracias a la vida , gracias a tus canciones”      

LA MEJOR OFERTA: GIUSEPPE TORNATORE

Con “La mejor oferta” he tenido la sensación de que no he perdido el tiempo. Hacia bastante que no disfrutaba con una película como lo he hecho con el filme de Giuseppe Tornatore, en el que están medidos hasta los últimos detalles.( Bueno, una compañera me comentó que la protagonista que asegura llevar años encerrada en la casa tiene mechas, pero para mí fue un detalle que pasó desapercibido)

Bromas aparte, “La mejor oferta” es un thriller elegante y con un desenlace inesperado. No creo que haya muchos que digan que el final es previsible, porque Tornatore va engranando los personajes y la historia hasta dar un jaque mate al personaje central y a los propios espectadores.

A grandes rasgos cuenta  la historia de  Virgin Oldman( extraordinario Geoffrey Rush) un especialista en arte y agente de subastas ,excéntrico y solitario, que ha sido incapaz de amar a una mujer. Vive amando a las mujeres de los cuadros que colecciona pero no se acerca físicamente  a ninguna. La irrupción de Claire (Sylvia Hoeks) que le solicita tase las obras que se encuentran en la mansión de sus padres, ya fallecidos, trastoca por completo su vida. La joven solo se comunica por teléfono, nunca acude a las citas, y cuando finalmente descubre de quién se trata, conoce que nunca abandona la mansión porque padece de agorafobia. Ese miedo a salir al exterior, a comunicarse hace que Virgin  busque protegerla movido por su deseo . Y no cuento más porque el final se fabrica en la sala oscura , esa que Giuseppe Tornatore nos ayudó a amar, algo más, cuando realizó “Cinema Paradiso”  y que ahora nos hace congraciarnos con el cine viendo “La mejor oferta”.

Giuseppe Tornatore que ha estado en Madrid para presentar “La mejor oferta”, la define como una “historia de amor contada como un thriller, pero sin muertos ni investigadores”. En la película en la que hay también “mujer del cuadro”, hay toques de Hitchcock y la música del maestro Ennio Morricone con el que Tornatore lleva veinticinco años colaborando. Jim Sturges y Donald Sutherland competan un gran reparto que ha contribuido a que “La mejor oferta” se haya llevado seis de los David Donatello de 2013(el equivalente italiano a los Goya) y haya sido vista en Italia por más de millón y medio de espectadores

Ah, y un apunte final, algunos dicen que “La mejor oferta” es también una crítica y una caricatura  de determinados críticos  excesivamente petulantes y con  un absurdo sentido de superioridad respecto a los artistas. Mejor, mi oferta, es que juzguéis vosotros.

SE ESTRENA EL 5 DE JULIO

HIJOS DE LA MEDIANOCHE

Son escasas las ocasiones que nos llega cine indio , a pesar de que Bollywood es la mayor industria cinematográfica del mundo. Hay ocasiones, como ahora, que se da la doble circunstancia de que “ Hijos de la medianoche” , está basada en la novela del mismo título de Salman Rusdhie y que su directora, Deepa Mehta haya traspasado la barrera de occidente con títulos anteriores como “Agua”,”Tierra” y “Fuego”.

Poesía y realismo mágico nos introducen en “Hijos de la medianoche”  .Hay  humor e ironía en esa primera parte de la película que promete mucho más de lo que desarrolla durante los 146 minutos de metraje.

Hay momentos divertidos como las visitas que el médico realiza a la paciente de la que solo puede ver la parte que le duele,( la cabeza, un brazo, el pecho) a través de un agujero efectuado en una sabana .

Esos inicios  nos llevan desde 1917 y posteriormente los estertores del régimen colonial británico hasta la noche del  15 de agosto de 1947 con la proclamación de la independencia y los conflictos que comenzaron con Pakistán y posteriomente Bangla Desh…Los niños que nacieron esa noche son niños mágicos; pero también reales como los dos protagonistas de esta historia que son intercambiados de cuna, modificando también su destino.

El niño rico será infeliz en un mundo de miseria y el pobre vivirá, en su opulencia, el odio y el desprecio hacia los inferiores. Su vida se desarrolla de forma paralela con algunas confluencias…Sus vidas son también una metáfora de este enorme país en que las desigualdades sociales han sido una de sus señas de identidad. 

Desde 1917 en Cachemira hasta 60 años después en Delhi,. Deepa Mehta  nos lleva por la  convulsa historia de India, de la mano de Salman Rusdhie que ejerce como narrador durante las más de dos horas y media de metraje. Amor, violencia, realidad y magia en una película que para Mehta habla de uno de los grandes temas de la ficción:

¿Puede el individuo cambiar el mundo o es un mero testigo de la historia?

HIJOS DE LA MEDIANOCHE  se estrena el 5 de julio

LA BICICLETA VERDE

 He leído que LA BICICLETA VERDE, la película que inaugura hoy la Mostra de Cinema Jove de Valencia,  ha sido catalogada como una historia preciosa que fascina al público…La historia es preciosa,efectivamente, pero también resulta lamentable y desalentador ver el sometimiento a que están abocadas las mujeres en Arabia Saudí y otros países árabes.

“La bicicleta verde” es la historia de una ilusión y al mismo tiempo una película sensible y reivindicativa. Es  la primera película de la cinematografía saudí  dirigida por una mujer Haiffa Al Monsour que con exquisita delicadeza traza un sutil retrato de la sociedad saudí en que las mujeres se ven obligadas a aceptar el papel superior de los hombres  y de sus leyes … Salvo el marido no pueden ser vistas  sin el velo; no pueden hablar alto si hay hombres cerca; hay que aceptar que el marido se busque una nueva mujer si no le das un hijo varón ;las niñas de diez u once años ya deben comenzar a cubrirse; no pueden montar en bicicleta por si pierden la virginidad;en el árbol genealógico no se contempla a las mujeres; la educación,que imparten las propias mujeres , insisten en todos y cada uno de esos conceptos. Las niñas son educadas para servir al hombre …Son como dos mundos diferentes que solo confluyen en la intimidad de la casa familiar.

La familia saudí,con madre e hija en segundo plano

Haiffa Al Monsour  ha invertido varios años de su vida en poder hacer la película. Cuenta la historia de Wadjda, una niña de diez años  que vive en Riad y que de alguna forma se opone a todos los impedimentos que tiene su condición femenina. Entre ellos el no poder adquirir una bicicleta porque atenta contra la dignidad  de la mujer. Ella busca desesperadamente la bicicleta para poder  ganar en una carrera a su amigo Abdullah, en una relación que también es mal vista por la sociedad saudí.

Wadjda y Abdullah,una relación prohibida

La directora  traza esa radiografía de la sociedad  y describe en particular, las relaciones de Wadjda con su madre y con sus profesoras  en el rígido ambiente escolar, donde uno de los concursos  más apreciados por la dirección y las propias alumnas es el de conocimientos y lectura del Corán.que  reporta a la ganadora una buena cantidad en metálico.

Wadjda sólo busca su bicicleta. En cierta manera me recuerda a un episodio de la película española “Cuentos para una escapada”,en la que un niño quiere conseguir un balón de fútbol. Cuando éste desaparece del escaparate tira el dinero que había reunido. En la “Bicicleta verde” también existe esa ilusión y ese deseo, nada ostentoso, pero prácticamente inalcanzable  para una niña que tiene que atenerse a unas reglas rígidas y agobiantes. Buen debut  Haiffa Al Monsour,la cuestión es saber cuándo podrá volver a dirigir.

SE ESTRENA EL 28 de junio

MI ENCUENTRO CON MARILOU

La nueva película de Jean Becker, “Mi encuentro con Marilou”  mantiene la línea intimista y amable de su filmografÍa que contiene títulos como “Mis tardes de  Margueritte” o “Conversaciones con mi jardinero”. El cineasta francés hace partícipe directo al espectador de todas sus “conversaciones” ambientadas habitualmente lejos de la gran ciudad y llevándonos a la Francia más provinciana.

TAILLANDER CON  SU FAMILIA

En “Mi encuentro con Marilou” ,Jean Becker  nos acerca a un pintor de éxito que con más de sesenta años atraviesa un período depresivo que le impide seguir creando. Se convierte en un ser huraño y desagradable que se mantiene distante con su familia, incluida su mujer, papel que interpreta Miou Miou, una de las actrices francesas más valoradas de los setenta y ochenta tras su interpretación en “Los rompepelotas”(“Les valseures”) con un  también jovencísimo y debutante Gerárd Depardieu.

Taillander(Patrick Chesnais) decide huir de su casa, apartarse de su ambiente  e incluso se plantea si merece la pena seguir viviendo.

Miou Miou con el mejor amigo de su marido,interpretado por Jacques Weber

Conduce horas hasta encontrar el lugar donde comenzó a pintar animado por su abuela, siente que nunca podrá volver a hacerlo. No tiene ganas de nada y bajo la lluvia una adolescente, Marilou, le pide que le lleve al centro de la ciudad. Le cuenta que su madre le ha echado de casa después de discutir con su padrastro que, en el fondo pretende acostarse con ella.

Entre los dos se establece una relación de amistad que les lleve a conocerse y a superar juntos las dificultades que van surgiendo. TaillandIer y Marilou acaban estableciendo una relación de padre e hija y ambos van desgranando los motivos  de sus inquietudes  y esa desesperanza y desconfianza  que tienen en el mundo que les rodea y en sus propias posibilidades.

Taillandier y Marilou 

Tallandier, casi anciano, tiene que aceptar esa condición y el inexorable paso del tiempo. Marilou tiene que crecer, saber que a sus quince años le queda un largo camino por recorrer. Final y principio de la vida se unen en esta historia lineal que, como en todo el cine de Jean Becker profundiza en las relaciones humanas , los sentimientos  y en la posibilidad de que dos seres, desconocidos el uno para el otro, que no tienen nada que ver, puedan encontrarse.




ESTRENO  21 de junio 2013

INSENSIBLES

He tenido que hacer memoria porque la vi hace  varios meses y recuerdo que me produjo una sensación  de inquietud  y desazón.   “Insensibles” es una película sin concesiones al espectador, aunque seguro que más de uno se implicará  en esta ópera prima del hispano-francés Juan Carlos Medina quién aborda  la Guerra Civil española desde una perspectiva diferente y utilizando como Guillermo del Toro (El laberinto del fauno)  o más recientemente Oscar Aibar (El bosque) elementos fantásticos y sobrenaturales .

En  Insensibles , Juan Carlos Medina  entremezcla terror, ciencia ficción y Guerra Civil.  Cuenta como David ( ALEX BRANDEMHUL) sufre un grave accidente  y  precisa urgentemente un trasplante de médula para poder sobrevivir . Es el drama de un hombre que lucha contrarreloj para salvar su vida  al mismo tiempo que se va a acercando a su pasado. Para encontrar respuestas se traslada a un pueblo de los Pirineos en el que,durante la II República, los niños nacían inmunes al dolor y eran encerrados en un manicomio, un edificio agobiante y claustrofóbico  que se convierte en otro de los protagonistas de la película.

El edificio es una metáfora de la infancia como germen traumático y un  submundo  al que acceden  esos personajes que sobreviven entre cuatro paredes, encerrados y escuchando el sonido de las armas y la muerte . No es una película maniqueísta, Juan Carlos Medina considera  que en las guerras  solo existen dos bandos: los inocentes y sus verdugos.”Insensibles” trata de ambos bandos. 

El personaje de Verkano,clave de la historia, enamorado

Su película es una fábula gótica en que la búsqueda del pasado, la identidad y el miedo se entremezclan para configurar un todo. Por su madurez es una película sorprendente para un debutante pero ya he dicho que no es mi cine, que no es el tipo de cine por el que me sienta atraído. Seguro que muchos de vosotros no sois de la misma opinión y colocáis a “Insensibles” como una de las películas del año.

UN INVIERNO EN LA PLAYA .Los escritores buscan el amor)

 Resulta gratificante que alguien quiera ser escritor en estos tiempos que corren. Supongo que los genes y el empecinamiento de un progenitor que escribe, tendrán algo que ver…Así  a grosso modo, se traduce la idea de UN INVIERNO EN LA PLAYA, seguramente el menos apropiado de los títulos después que originariamente la película se llamara  Writers y  posteriormente   “Stock in love”, pero  a alguien se le ha ocurrido establecer una  relación entre  los escritores o los empecinamientos  amorosos  y  la estación invernal .

Padre e hija hablando de literatura o de la vida

Lily Collins(Samantha) y Nat Wolff (Rusty) son los hijos de Greg Kinnear (Bill)  en la película. Los tres son escritores  que trasmiten con las palabras los sentimientos más profundos, pero los tres no encuentran su camino en el amor. 

Dirigida por el debutante John Boone que emplea un tono desenfadado para inspirarse en  su propia experiencia, el divorcio de sus padres, “Un invierno en la playa” muestra como Bill confía en que Erica (Jennifer Conelly) regrese con él a pesar de llevar dos años divorciados. Su hija Samantha  lleva a su máxima expresión eso de que “un escritor es la suma de todas sus experiencias” pero tiene miedo a cualquier relación estable; todo lo contrario de su hermano, tímido y huidizo que escribe poemas a la chica diez del Instituto y tiene a Stephen King como su ídolo.

Los golpes del amor adolescente

En “Un invierno en la playa” tres tipos de escritores, tres concepciones diferentes del oficio de escribir  y el aporte optimista de que los jóvenes pueden tener fácil  el camino hacia la edición. También tres diferentes historias de concebir el amor y el deseo  porque, en el  fondo vida y literatura se entremezclan continuamente 

La facilidad para encontrar  el camino de la literatura, con muchas referencias a Stephen King, ya lo he dicho, un poco de hierba y algo de cocaína; sexo mucho menos que explícito y  chicos y chicas guapos hacen que  Un invierno en la playa , sea un cuento  previsible pero bien resuelto , que nos puede entretener   y  relajar después de una dura semana.

ANTES DEL ANOCHECER

Richard Linklater es un director norteamericano con una docena de títulos a sus espaldas pero con dos y ahora tres que sobresalen por encima del resto. Antes del amanecer(1995)  con la pareja protagonista de la trilogía, Ethan Hawke(Jesse) y Julie Delpy(Céline), nos hablaba del amor de juventud, de esa posibilidad de que dos jóvenes que se conocen en el tren decidan pasar unas pocas horas juntos en una ciudad mágica como Viena, poco antes de que él regrese a Estados Unidos.

Todo empezó en un tren

Se enamoran y deciden reencontrarse seis meses después en la misma ciudad, pero esa cita no llega a producirse nunca .Transcurren  diez años. Jesse es un escritor conocido y firma ejemplares de sus libros en París. Allí está Céline, en su ciudad, y vuelven a verse  en “Antes del atardecer” (2004), en que rememoran aquella noche de romanticismo juvenil, sus ilusiones pendientes ,las primeras heridas,...Una cinta con humor ,diálogos naturales y la música de Nina Simone.

“Antes del anochecer “( 2012), también funciona, aunque los protagonistas (40 y pocos años), son todavía bastante jóvenes para plantearse ese anochecer. Viendo las tres películas te das cuenta que una de las razones de su éxito es que nos hemos sentido identificados  porque todos hemos ido envejeciendo al mismo tiempo que los protagonistas. Se acabó la inocencia, se acabó la pasión  y solo queda el amor y seguramente con más fuerza la amistad y el compañerismo .

Tres películas en una

“Antes del anochecer” es melancólica y al mismo tiempo divertida, muy divertida por los diálogos llenos de ironía y complicidad. Es una película más profunda y penetrante que las anteriores por ese paso del tiempo y la llegada a la madurez de los protagonistas. En esta ocasión Richard Linklater desarrolla la trama en tres grandes secuencias. 

La primera es el viaje en coche de regreso del aeropuerto  donde Céline y Jesse han dejado al hijo de éste para que regrese con su madre a Estados Unidos. En el asiento de atrás viajan dormidas las gemelas de ambos. Están en Grecia donde han sido invitados a pasar unas vacaciones. En ese coche se atisba la complicidad entre los dos y también algunas diferencias como es el hecho de que Jesse plantee que se vayan a vivir a Estadios Unidos para estar más cerca de su hijo.

La segunda es una comida entre amigos, en la casa en que están alojados. Se habla de literatura, de vida, de sexo, de  muerte. Es una comida distendida pero al mismo tiempo profunda y divertida .

La tercera secuencia que resalto es la habitación del hotel  en que se alojan invitados por dos de los amigos. Una noche que debe ser relajante y sensual pero en la que  Céline y Jesse sacan los trapos sucios de casi diez años de convivencia.

Si en las dos anteriores cintas Viena y París tenían gran protagonismo en esta ocasión, Grecia se queda en un segundo plano. No hay un exceso de paisajismo. Linklater  ha preferido ahondar en las relaciones sentimentales de los protagonistas, en que les acompañemos en esa complicidad divertida y en ocasiones agria que trae la convivencia y el paso del tiempo.

Ellos son los protagonistas pero siempre la belleza del mar

"Antes del anochecer", una película pequeñita, dentro de una gran trilogía. No se necesita mucho para armar buen cine. Un guión bien escrito y un grupo de actores, sobre todo los dos protagonistas, que trasmiten su complicidad al espectador. Crecen con los años no envejecen

SE ESTRENA EL 28 DE JUNIO

INCH' ALLAH ( SI DIOS QUIERE)

No son muchas las películas que sobre Palestina se han estrenado comercialmente en nuestro país(“Los limoneros”,”Zona libre”,”La banda nos visita”) por eso resulta gratificante que en estos tiempos , tan difíciles para el cine independiente en nuestro país, haya distribuidoras que nos refresquen la memoria sobre un conflicto que parece no tener fin.

“Inch’ Allah”  (Si Dios quiere) es una coproducción franco-canadiense que no deja de ser  una mirada de los occidentales, a  través de los ojos de una joven ginecóloga, de la situación en que viven los refugiados palestinos y la vida de los israelíes al otro lado del muro.

Chloe con su amiga israelí

Chloe con sus amigas palestinas

Chloé, Evelyne Brochu,estupenda actriz, es la joven ginecóloga que vive en Israel  y que diariamente se traslada a un campo de refugiados palestino donde atiende a las embarazadas como Rand(Sabrina Ouazani) que se convierte en su amiga. Al mismo tiempo mantiene amistad con su vecina una soldado israelí Ava(Sivan Levy) con la que sale y conversa  habitualmente.

Poco a poco esa mirada neutra va tomando posiciones. Esa relación con personas que se encuentran a ambos lados de los muros y puntos de control del campo de refugiados irán cambiando sus convicciones y  su aparente falta de implicación. No es una película maniquea, pero la balanza se va volcando hacia el lado palestino.

La directora  Anais Barbeau-Lavalette, que procede del campo documental, hace que “Inch’Allah” mantenga esa línea entre la ficción y el reportaje documental. Anais Barbeau dijo que su película refleja “todas las ambigüedades de una situación. Una mezcla de amor y de odio; de fascinación y de enfrentamiento. Cuanto más veía, menos entendía, pero más quería sumergirme en ese mundo”

Si nos sumergimos en ese mundo veremos cómo los palestinos viven en condiciones infrahumanas sobreviviendo si Dios quiere porque nadie de la comunidad internacional es capaz de tratar con justicia una situación que persiste desde hace sesenta años. Se les han quitado sus tierras, sus niños mueren por lanzar piedras a los carros de combate israelís; las mujeres tienen que parir en un  coche porque se les impide el acceso al hospital y  cada día pueden esperar un ataque indiscriminado  en represalia a los atentados palestinos, que nacen de la desesperación y la impotencia.

A Chloe se le dice “no es tu guerra. No te llenes el plato con nuestra mierda”. Todos estamos rebozados por no mirar .Por eso conviene que veamos “Inch Allah”.

POPULAIRE: El reino de las secretarias

Los franceses, como los americanos, con argumentos simples consiguen  sacar un buen producto comercial. POPULAIRE otro de los éxitos de la cinematografía francesa llega a las carteleras  españolas con la historia de una mecanógrafa que escala a las más altas posiciones desde un pequeño y escondido pueblo de la Baja Normandía…

Estamos a finales de los cincuenta y muchas jóvenes consideran que ser secretaria es una profesión moderna y  que es a lo máximo a lo que pueden aspirar.  Rosa Pamphile (Deborah François), tiene 21 años, vive con su padre, viudo, que regenta un pequeño bazar  y que quiere que se case con un joven del pueblo. Rosa ,en cambio,tiene claro que su futuro es no ser un ama de casa sumisa y aplicada y decide presentarse a unas pruebas para secretaria en Lisieux, la ciudad más importante de la zona. Resulta un desastre como aspirante  pero escribe a gran velocidad lo que llama la atención de Louis Echard ( Romain Duris) que se convertirá en su jefe y entrenador para competir en los diferentes campeonatos que se celebran para elegir la mecanógrafa más rápida.

Una protagonista en la línea cándida y simple de Ámelie, pero con ganas de aprender, que va haciéndose una carrera como la mecanógrafa más rápida de la región y que después, como si el mundo viviera en torno a las pulsaciones que alcanzan por minuto las secretarias, compite en pruebas internacionales, lo que hace interminable la película que se acerca a las dos horas de duración. Y es que  POPULAIRE, opera prima de Regis Roinsard,  resulta reiterativa, superficial y previsible,  una pena porque  la historia podría haber dado resultado por el  tono candoroso, romántico  y retro que plantea .

Por una vez el jefe no es un “lobo” que quiere atrapar en sus redes o en la cama, que es lo mismo, a la inocente chica de provincias. Guarda su propia historia y la de un amor frustrado, pero es un tipo legal aunque egoísta porque su  objetivo es que Rosa sea  la mejor de las mecanógrafas y que gane en todas las competiciones.

Por cierto.¿Qué ha sido del sonido de las máquinas de escribir y de esa velocidad de antaño?
  En el fondo creo que no hemos cambiado tanto si observamos a nuestros vecin@s  del metro o el autobús …Cómo manejan los móviles!!!!!!! . Los pulgares son la taquigrafía moderna. Eso sí, bastante más silenciosa.

En sus puestos.Preparadas,listas...ya 

HIJO DE CAÍN

Viendo “Hijo de Caín” la pregunta  más directa sería ¿es usted el asesino?. Porque en la película del debutante Jesús Monllaó Plana parece desde el inicio que el malo es muy evidente pero a medida que avanza parece que hay otro peor  y si continuamos volvemos al principio. Nada es lo que parece ¿o si?

El tarraconense Jesús Monllaó concibe “Hijo de Caín” como una gran partida de ajedrez, en que el más inteligente va moviendo los personajes a su antojo, utilizando todas sus armas y con el inequívoco objetivo de matar al rey. En el filme se ven influencias de algunos thriller de los ochenta-noventa , más en la forma que en el fondo. Títulos como   “La caja de música” de Costa-Gavras o “Instinto básico” de Paul Verhoeven  describen, como en “Hijo de Caín”, a “falsos culpables”  que  parecen sometidos a  una conspiración o una presión injusta.

En “Hijo de Caín” la protagonista es una familia acomodada que comienza a romperse por la actitud del hijo adolescente. Nico (David Solans) tiene una postura distante y fría, especialmente con  su padre (José Coronado)  que les lleva al enfrentamiento mientras la madre (María Molins) asiste casi impotente al progresivo deterioro de la relación familiar en que la hija pequeña (Helena de la Torre) es un testigo mudo de lo que ocurre. 

La  contratación de un  psicólogo para que trate al joven parece reconducir la situación, aprovechando la  afición común que sienten  por el ajedrez. Julio (Julio Manrique) incorpora progresivamente a su exclusivo círculo a Nico que ve que el ajedrez y su entorno son una filosofía de vida.

El ajedrez como metáfora de la vida en este thriller psicológico en que todos los protagonistas tienen un secreto que ocultar.  Es trabajo del espectador ir desentrañando  la trama  de Jesús Monllaó basada en la novela “Querido Caín”, de Ignacio García-Valiño

360. JUEGO DE DESTINOS.El nuevo filme de Fernando Meirelles

Sólo se vive una vez. ¿Cuántas oportunidades tenemos en la vida?  Un sabio dijo que si encontramos una encrucijada en la carretera, tomemósla. Se le olvidó mencionar que dirección debíamos tomar. ¿Quién sabe cómo serán nuestros caminos?, ¿Hacia dónde nos llevarán?.

Algunos de los personajes de “360º. Juego de destinos” llegan a su encrucijada y eligen el camino. Sobre esta  propuesta se mueve “360º. Juego de destinos”, la última película del  brasileño Fernando Meirelles ( “Ciudad de Dios”,”El jardinero fiel”, “A ciegas”) que interrelaciona varias historias sobre el amor y las relaciones de pareja en el siglo XXI, en diferentes ciudades y países ,Viena, París, Londres, Bratislava, Río de Janeiro, Denver, Phoenix, seis idiomas diferentes en esta Torre de Babel  de la globalización, en que lo que afecta a uno alcanza a todos.

“360.Juego de destinos”  comienza con una chica eslovaca sometiéndose a una sesión fotográfica de desnudos para ofrecerse en internet. Su primer cliente es un ejecutivo londinense(Jude Law) que se enfrenta a la dura decisión de continuar siendo fiel a su mujer (Rachel Weisz) con la que lleva varios años casado.  El lugar elegido al inicio es Viena, ciudad que abre y cierra la historia que relata Fernando Meirelles.Un circulo que tiene otros muchos eslabones.

Jude Law y Rachel Weisz,una pareja que se aburre

La mujer tiene un joven amante brasileño en Londres; la novia de éste se harta y  decide volver a Río. En el aeropuerto conoce a un inglés(Anthony Hopkins) que viaja a Phoenik para saber si el cadáver encontrado en esa ciudad corresponde al de su hija desaparecida hace varios años. La escala en Denver se  alarga por una espectacular nevada que le atrapa como también a un maníaco sexual que tiene su primer permiso carcelario. Paralelamente en París un dentista magrebí está enamorado de una mujer rusa que está a punto de romper su matrimonio con el guardaespaldas de un mafioso, también  ruso . 

Una prostituta eslovaca en Viena

Personajes y situaciones globales. Todo está ocurriendo  y  hay una interrelación que permite que cualquiera pueda estar en cualquier lugar y como nos propone Meirelles ser conscientes de que sólo se vive una vez.

“360º. Juego de destinos” tiene una impecable factura técnica  ; mejor montaje y  excelentes actores. Fernando Meirelles siempre los ha elegido bien. Jude Law, Rachel Weisz,Anthony Hopkins  y todos los desconocidos, para mí , que les acompañan componen un fresco de este siglo XXI. Meirelles sigue consolidando su oficio y para ello se sustenta en obras literarias “Ciudad de Dios”(Pablo Lins); “El jardinero fiel” (John le Carré) , A ciegas(José Saramago) y ahora ha buscado inspiración en el clásico “La ronde”, una obra escrita en 1900 por el austríaco Arthur Schnitzler , que llevara al cine en 1950 Max Ophüls.

UN AMIGO PARA FRANK

La presencia de un robot como sustitutivo del ser humano siempre me ha causado cierta prevención cuando sustenta el argumento de una película.   No es el caso de “Un amigo para Frank”  una divertida y al mismo tiempo profunda comedia  que se sitúa en un futuro muy cercano, podría ser hoy mismo, y que cuenta como un robot se convierte en el compañero inseparable de un anciano solitario y taciturno que  no acepta la dependencia de nadie y que busca mantener su modo de vida a pesar de que sus facultades van mermando progresivamente.

Frank -Frank Langella, excelente en su papel-  es atendido esporádicamente por sus hijos (Liv Tyler y James Mardsen)  que viven a considerable distancia de su ciudad. El solitario Frank rechaza  en un principio el regalo del robot pero poco a poco  ve como se hace imprescindible en su vida, convirtiéndose en un amigo y un cómplice al que va enseñando sus habilidades.

“Un amigo para Frank” que se vio en Sundance y obtuvo el premio del público en el festival de Sitges, más que de ciencia ficción es una película realista porque no va a pasar mucho tiempo en que los ancianos, en una sociedad cada vez más envejecida e informatizada, acaben siendo atendidos por algún tipo de artilugio electrónico. Tampoco parece augurársele un gran futuro al libro de papel y a las bibliotecas tradicionales. Ellos son una de las escasas pasiones de Frank  que tiene en su rutina acudir periódicamente a la biblioteca del pueblo, atraído además por la bibliotecaria (Susan Sarandon)) ,que ve peligrar su puesto y forma  de trabajo ante la llegada de nuevos y modernos propietarios.

Frank, junto a su amigo el robot, comienza a elaborar un plan para vengar a su amiga y ridiculizar a los nuevos  dueños de la Biblioteca. Ah dirige, y bien, el para mí desconocido Jake Schreier.

"LA ESTRELLA" : Ingrid Rubio

 Siempre tuve debilidad por Ingrid Rubio, a la que considero una actriz completa. La entrevisté a finales de los noventa y primeros dos mil cuando fue reconocida por sus actuaciones en películas como “Todas las azafatas van al cielo” o “El faro del sur”, ambas realizadas por cineastas argentinos, Daniel Burman y Eduardo Mignona,respectivamente. En especial y gracias a la magia de la radio recuerdo la conversación que mantuvieron ,en uno de los programas que hacía por aquella época, el desaparecido Mignona, en Buenos Aires  e Ingrid en Barcelona para hablar de su trabajo conjunto.

Después Ingrid estuvo en títulos como “Salvador”, “Tirante el blanco”, “El alquimista “impaciente o “La playa de los galgos”  pero no había vuelto a verla con la fuerza  de aquellos primeras películas hasta ahora en que he asistido al pase de “La estrella”, opera prima de Alberto  Arévalo  que se sitúa en la periferia de Barcelona, en Santa Coloma de Gramanent, en 2002,  una ciudad que se fraguó en los años cincuenta con la llegada de inmigrantes de las zonas más depauperadas de España .

Ingrid Rubio combina la sonrisa, la tristeza, la soledad, el deseo, la sensualidad, la pasión con idéntica naturalidad. Hace creíble su personaje, el de una limpiadora del cementerio, enamorada de un joven ambicioso(Marc Clotet) que encuentra trabajo como ejecutivo en una empresa constructora y amiga de sus amigas, de la gente del barrio en que se crió. En Santa Coloma, “Estrella” mantiene sus raíces  aunque sus padres regresaran a Andalucía, a Carmona, cuando alcanzaron la jubilación.

Marc Clotet  e Ingrid Rubio

“La Estrella” tiene un guión cuidado y creíble, escrito al alimón por Alberto Arévalo y Belén Carmona ,la autora de la novela en que se basa la película. Prevalece el personaje de Estrella pero los secundarios, empezando por Carmen Machi (Trini)  contribuyen a la buena factura de la película.  En “La Estrella”  se hace referencia  a hechos reales como la revuelta vecinal contra la instalación de una mezquita , que tuvo tintes racistas y que al parecer estuvo promovida por una empresa constructora que necesitaban el local para continuar con su plan especulativo en la zona.  Se hicieron algunos documentales sobre el tema como “Mezquita,no”. En “La Estrella” hay también referencias al negocio del ladrillo, tan boyante aquellos  años o a cuestiones como el  maltrato a mujeres  y  el espíritu machista de la sociedad.

“La estrella” es un relato de la otra Barcelona,alejada del lujo de Paseo de Gracia, el Puerto Olímpico o Pedralbes. A poco más de 10 kilómetros está Santa Coloma de Gramanent ,una ciudad que nos retrotrae a las novelas de Juan Marsé y a ese otro mundo que parece taparse u olvidarse.

Un mundo en que Estrella tiene nombre de cerveza porque su padre amaba esa cerveza catalana, por encima de cualquier otra…. Otros en Andalucía podrían haber llamado a su hija Cruz  y  en Madrid lo tenemos más difícil  aunque no con menos espuma, cuando recurrimos a la Mahou…. “La” estrella es una caña bien tirada.

EL GRAN GATSBY ( THE GREAT GATSBY)

El Gran Gatsby es Hollywood. Posee todos los medios posibles para que asistamos al estreno de una gran superproducción. No se han escatimado esfuerzos y sobre todo dólares ( 127 millones ) para volver a llevar a la pantalla la novela de Scott Fitzgerald, en la que brilla el dinero pero sobre todo una época  que con el paso del tiempo observamos viva,creativa y optimista.

Tenía mucho miedo a  Baz Luhrmann  que se pierde por los excesos, por la parafernalia, los efectos especiales y los sonidos estridentes como me demostró en Romeo y Julieta y Moulin Rouge …En eso no me he equivocado pero, pese a ello, la esencia de la novela está en esta nueva versión cinematográfica del director australiano.

Es como si hubiese dos películas en una. Las fiestas resultan estridentes, artificiosas y vacías. Mucho colorido, fuegos artificiales y música ruidosa en lugar de los sonidos del jazz que no han parecido atraerle al cineasta. Esa película es la que se puede ver en 3D, con gafas al uso y reclamo de adolescentes.

La otra película es la que se queda sin el envoltorio y recupera la fuerza de los personajes, no todos, pero si  el de Jay Gatsby con un Leonardo DiCaprio que crece continuamente. Gatsby es la historia de una pasión. 

Ninguna mujer ha sido tan amada como Daisy Buchanam , interpretada por Carey Mulligan ( An Education). Es pasión, es deseo, es obsesión  por una mujer que le amó y por la que hace todo con la esperanza de recuperarla.

Son los años veinte, los felices años veinte previos al crack del 29. Nueva York es una fiesta y Gatsby representa el éxito, el sueño americano. Se reinventa continuamente a sí mismo  sin un pasado al que agarrarse. Ha conseguido todo pero le falta recuperar ese amor tan extremo y absoluto.

Nick Carraway( Toby Maguire), aspirante a escritor y personaje  creado para esta nueva versión de “El gran Gatsby” es el narrador de la historia ,el celestino y árbitro de los amores entre Gatsby y Daisy. Quiere estar al margen  pero  se siente irremisiblemente atraído por la personalidad de Gatsby.

“El gran Gatsby”  describe el poder del dinero; la sensación de que con él todo se puede comprar y  los dos o tres mundos que giran a su alrededor …

Los desheredados de siempre, los habitantes del Valle de las Cenizas ; el joven triunfador que ha borrado su pasado ; y los poderosos  y prepotentes  representados por Tom Buchanam (Joel Edgerton),el marido de Daisy que desprecia a Gatsby por sus orígenes inciertos . Es aquello de “todavía hay clases” y ese aspecto queda muy bien reflejado en la película de Baz Luhrmann que ha tomado el relevo de la que protagonizaran Robert Redford y Mia Farrow en 1974 y de otras versiones que nunca he visto como la de 1949 con Alan Ladd como Gatsby o más atrás la versión muda que dirigió Herbert Brenon en 1926, tan solo un año después de que Scott Fitzgerald publicara la novela.