Despedimos un mes de julio que nos ha recordado casi todos los días que estábamos en verano. Mucho calor en una ciudad con no demasiado trafico y con las calles, las terrazas llenas al caer la tarde.
(AUDIO) NOTAS DE VIDA.4. PINCHAR AQUÍ
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| También estuve en La taurina, en Manzanares el Real |
Buen mes de agosto, buenas vacaciones.
No hablo de salas, pero sí de plataformas donde este próximo uno de agosto se estrena la quinta entrega de los casos del Departamento Q, una serie literaria nacida de la pluma del escritor danés, Jussi Adler-Olsen
Todas las películas de esta saga son muy entretenidas y
aunque ha habido cambio en los rostros de los protagonistas, “El efecto
Marcus” no es una excepción. Aquí la pareja de policías trata de buscar la
relación entre un niño rumano de catorce años y un funcionario acusado de
pedófilo, desaparecido años atrás. El niño porta el pasaporte del funcionario
que, estaba vinculado a importantes programas de ayuda a África y la exhaustiva
investigación que llevan a cabo la pareja de policías permite desentrañar la
trama de corrupción que rodea que rodea al caso.
Dirige Martin Zandvliet, responsable de la notable “Land
of mine” ,película relacionada con la II Guerra Mundial y en la que se
detalla como un grupo de jóvenes prisioneros alemanes fue obligado a desactivar
miles de minas plantadas por los nazis, en la costa danesa. La tenéis en Filmin
como “El efecto Marcus”, a la que también tendréis acceso en plataformas
como Amazon, Movistar + o Rakunen TV.
Hace muchos años, más de cuarenta, el sevillano Gonzalo García
Pelayo estrenó “Frente al mar” que
se definió como la primera película que trataba el intercambio de parejas. El
eslogan publicitario fue concluyente: “Lo comprendemos. Usted no lo haría, pero
existe”.
El resultado fueron 265.000 espectadores lo que no estaba
nada mal para una película pequeñita, con tres parejas de actores aficionados que
se desnudaban, filosofaban y hacían el amor con la vecina o el primo en un
chalet junto a la playa de Chipiona.
Una comedia coral, dirigida por Paco Caballero (“El vecino”)
con buenos momentos, que resulta divertida y en la que en teoría las pasiones y
los impulsos deben tomar el control. Parece fácil de decir, pero es más difícil
de ejecutar porque todos tenemos prejuicios y dudas a la hora de hacer realidad
nuestras fantasías. Ernesto Alterio, Raúl Arévalo, Luis Callejo, María
León, Verónica Echegui. Anna Castillo, Miki Esparvé, Álvaro Cervantes, Ricardo Gómez,
Pilar Castro, María Morales, Ana Millán, Aixa Villagrán … configuran este talentoso
reparto que nos trasmite un humor inteligente y ácido que no cae en la
chabacanería
“Listen” de la portuguesa Ana
Rocho de Sousa, que ganó el premio de mejor ópera prima y el especial del
jurado en el Festival de Venecia, entre otros galardones, no se ha estrenado
comercialmente en España y su presentación en nuestro país no se produjo hasta el
pasado martes en que inauguró el Festival de Cine Ibérico de Badajoz.
Es una historia terriblemente
dura, basada en la historia real de una familia portuguesa que emigró a Londres
y que lucha por mantener su unidad pese a la precaria situación económica en
que viven.
Los protagonistas son unos padres que viven muy humildemente pero que cuidan y se preocupan por sus hijos, pero los implacables Servicios Sociales ingleses deciden arrebatárselos porque consideran que una de sus tres hijos, que es sordomuda, está siendo maltratada físicamente. Lo que queda sobre todo en entredicho, como ocurrió con “Lady Bird, Lady Bird”,de Ken Loach, es la deshumanización de los servicios sociales británicos, ajenos a cualquier reclamación o explicación y amparándose exclusivamente en la burocracia y las normas establecidas. Destaca la interpretación de Lucia Móniz, una conocida cantante portuguesa que imprime gran fuerza interpretativa al personaje de la madre.
Es una nueva lucha de David contra
Goliat. De unos inmigrantes enfrentándose al complejo sistema británico,
recibiendo ayuda prácticamente clandestina, para poder demostrar que, su único
delito es ser pobres. Son más que esclarecedoras las secuencias en que madre e
hija intentan comunicarse por el lenguaje de signos y el funcionario de turno
se lo impide porque solo les permiten expresarse en inglés.
La película ha tenido enorme éxito
en Portugal y es una firme candidata a los equivalentes a los Goya que se
concederán en septiembre. Cine social ,cine que es testimonio del tiempo que
vivimos.
Ya os adelanté algo en mis comentarios de audio de la semana pasada, pero “El viaje de sus vidas”(100’) cuenta como tres amigas deciden regresar al lugar donde estuvieron con una cuarta que falleció debido a un cáncer. En su lugar ,las acompaña la hija de ésta una chica de 17 años que ,en momentos se deja llevar por las excentricidades de las tres protagonistas.
Dirigida por la británica Jules Williamson , “El viaje de
sus vidas” es también un homenaje póstumo a la actriz Kelly Preston, quién
falleció en julio de 2020. Es pues el último trabajo de Kelly que en el filme
interpreta a una actriz de éxito en televisión ,por lo que película se
convierte en sí misma en un homenaje a la actriz ,esposa de John Travolta.
No es una road movie, pero si un tren-movie, porque las tres
amigas( Sally Philips, Jenny Seagrove) y la huérfana(Elisabeth Dormer-Phillips)
deciden cumplir la ultima voluntad de la fallecida, realizado el viaje en Interrail
que hicieron al terminar la universidad.
Empiezan en Londres y el objetivo final es terminar en la
catedral de Palma de Mallorca ,pero antes pasan por Francia e Italia ,además de
otras ciudades españolas como Gerona. La historia está basada en la propia
experiencia de la directora debutante quién junto a sus amigas realizó un viaje
similar cuando terminó en la universidad.
“El viaje de sus vidas”, es demasiado convencional y
previsible. No hay nada que te llame la atención y se deja ver mientras la
historia trascurre, sin sobresaltos. Las amigas han llevado vidas
convencionales o más alocadas en el caso de Kelly y ese viaje pretender ser un
vuelco a todo lo vivido y reencontrarse con aquellos felices años en que no
había un mañana. Lo malo es que creo que no lo consigue. Dos veteranos como
Judy Dench y Franco Nero tienen un pequeño papel en la película.
Qué pasaría si nos despertáramos en una cama, de una
habitación desconocida ,junto a un extraño, sin saber que está ocurriendo.
Habríamos bebido demasiado y acabamos en la cama con un
extraño. Un hombre y una mujer desnudos en esa habitación indeterminada, con
todo cerrado, sin poder salir de ahí porque ambos, además, han sido unidos,
cosidos por el abdomen.
Dos”(70’)es la nueva propuesta de Mar Targarona (“El fotógrafo de Mathausen”) que llega
a los cines esta semana con Marina Gatell y Pablo Derqui como la pareja
protagonista que intenta desentrañar que les ha ocurrido para estar en ese
habitáculo y convertirse en inseparables.
La narración trascurre entre recelos, dudas, acusaciones ,miedos de una pareja que cualquier movimiento que haga les supone un enorme esfuerzo y una dosis añadida de dolor. Buscan la manera de separarse después de desvelar y uno a uno sus secretos más íntimos y tratar de saber quién les ha encerrado en esa habitación sin posibilidad de huir.
Las luces se apagan cuando se acercan más de la cuenta y un
teléfono, ancestral, suena sin que nadie les responda.
“Dos “, tiene una dosis de suspense, un aroma de thriller
con tintes de terror intentando saber que ha ocurrido para que la pareja
protagonista se vea en esa situación. El peso recae por completo en la pareja
protagonista que consigue transmitir una amplia gama de sensaciones en esta
extraña y cuanto menos original película de la directora catalana y solo nos
descubre el pastel en los últimos cinco minutos de la cinta.
Sigo contando historias de vida y andares por este Madrid agotador, por el calor que nos acompaña desde hace varios días. En Callao nos jugaron una broma con 40 grados.
“Ama”, que llega este fin de semana a numerosas carteleras
españolas, es la actriz sevillana Tamara Casellas que, ya desde aquí la veo,
como firme candidata al Goya.
Su voz, su energía dramática la convierten en una actriz de
carácter, con enorme fuerza que acapara todo el sentido narrativo de “Ama”, opera
prima Julia de Paz Solvás que ha construido la película tras el cortometraje
que realizó hace algún tiempo.
Tamara, que ya ganó la biznaga de plata en el último
festival de cine español de Málaga, es una madre joven a la que le cuesta
aceptar su papel porque no quiere renunciar a su vida de discotecas , noches alocadas
y drogas. Al regreso de una de sus noches la amiga que vive con ella le exige
que se vaya. De la noche a la mañana se ve en la calle, sin encontrar un lugar
donde dormir en una ciudad levantina que vive el verano de fiestas y turistas.
“Ama” es un paseo sin rumbo por las calles y las playas,
marcado también por el pasado de su tóxica relación su madre. Tamara, Pepa en
la película no es una buena madre en el concepto al que estamos habituados. No
tiene recursos económicos, pero tampoco emociales para cuidar de Leila,
su hija, de apenas seis o siete años. Su itinerario por la ciudad está lleno de
rabia, de impotencia porque puerta tras puerta ,se cierran a su paso. No podemos dejar de mirar a
Pepa que nos está diciendo que no la juzguemos, aunque lo hagamos. La
película me acerca al cine social europeo y en particular al de los hermanos
Dardenne, que muestran su influencia no solo en la construcción de la historia
sino en la manera de rodar, de otra firme candidata al Goya, en el apartado de
revelación, Julia de Paz Solvás.
La película está rodada en Sevilla, Alicante, Benidorm,
Alfás del Pi y la playa de Albir y sufrió
diversos avatares ya que hubo de suspenderse debido al confinamiento.
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| CASA EMILIO(López de Hoyos 98) cerveza bien tirada, de toda la vida |
Lo cotidiano y lo no extraordinario. Días en un Madrid cada vez más solitario mientras el virus sigue creciendo y amenaza el mes de agosto. Pero hay más cosas. ARREGLADO EL FALLO EN LA AUDICIÓN
NOTAS DE VIDA 17 (PINCHAR AQUI)
Es un tema manido, pero del que se hace eco con frecuencia la cinematografía de todo el mundo como es el cuidado de los mayores, consecuencia directa del envejecimiento de la población.
El problema de “Amalia en el otoño” es que no ha sido
capaz de ahondar en ninguno de los personajes, salvo quizá el que interpreta
María José Alfonso. La película tiene buenas intenciones, pero se queda en un
esbozo, en un intento, no sé si por el guion o el propio montaje. Su
resolución es muy precipitada.
La película iba a ser estrenada en noviembre de 2020 y su
rodaje coincidió con la pandemia como queda reflejado en alguna de las
secuencias, ya que Amalia decide continuar en el centro cuando el virus
comienza a hacer estragos entre la población y particularmente en los mayores.
“Amalia en el otoño” describe como casi una
octogenaria, María José Alfonso, ingresa en una residencia por empeño de su
hija que debe trasladarse a Suiza. Entra en la residencia sin oponer
resistencia y enseguida congenia con dos amigos, que son los picaros y
vividores ,de cualquier centro de mayores.
Los veteranos Máximo Valverde y Manuel Zarzo encarnan a esos
personajes que intentan vivir lo que les queda de vida de la mejor manera
posible y ambos junto a Amalia hacen alguna que otra escapada por las calles de
Madrid, ante la complicidad del director del centro.
Vemos entre los residentes a otros ilustres actores como Saturnino García o Jesús Guzmán y entre el personal de la residencia a Guillermo Montesinos, pero todos pasan como un suspiro.
En un filme coral, la pareja de directores y guionistas Anna
Utrech y Octavio Lasheras, abordan también algunas cuestiones sociales, pero
sin demasiada acritud como el egoísmo de los hijos, la soledad de los mayores o
la vida en las residencias. También hay hueco para el exmarido de
la hija de Amalia, la nieta y hasta la historia de amor que viven la cocinera de
la residencia y un repartidor. También hay lugar para la presencia de un acosador
que no solo pretende controlar a su mujer que trabaja en el centro, si no que intenta
flirtear con la joven que se ocupa de la peluquería.
Buenas intenciones, pero un resultado fallido quizá por el
bajo presupuesto o la situación vivida como consecuencia de la pandemia.
Llega un nuevo thriller francés, “Las apariencias”, en este
caso ambientado en Viena , en las esferas de la alta burguesía ,con personajes
de vida artificial y confortable.
Karin Viard es Eve la mujer de un famoso director de
orquesta ,Benjamin Biolay que trabaja en la ciudad de sus sueños y seguramente
en los de cualquier músico.
La relación entre ambos es fría pero correcta , mantienen
las apariencias en las reuniones con amigos, la mayor parte de la colonia
francesa en la capital austriaca y prolongan esa distancia incluso con su hijo
adoptado que parece un objeto más de la lujosa casa en que viven.
Las cosas comienzan a cambiar cuando Eve descubre que su
marido la engaña, que tienen una relación con otra mujer. Eve hace todo lo
posible para vengarse con tal de no perder su status porque por encima de todo solo
le interesa el prestigio y las apariencias.
Ni siquiera le interesa dejarse seducir por un chico
atractivo y mucho más joven que ella que irrumpe en su vida, una de esas noches
en que su marido le engaña asegurándole que tiene que viajar por motivos de
trabajo. Solo, insisto le afecta aquello que desestabilice su confortable vida
a la que no quiere renunciar bajo ningún concepto.
En “Las apariencias” todo es elegante y sofisticado. Los escenarios, los personajes, sus vestidos, sus conversaciones sin palabras malsonantes…Son protagonistas de un mundo feliz que, por una serie de circunstancias se irá tambaleando y en el que dirigir una prestigiosa orquesta en Viena o la biblioteca francesa en la capital austríaca, no son obstáculo para que la pareja protagonista baje a la tierra. Un filme dirigido Marc Fitoussi y del que apenas hemos visto nada en España, salvo “Luces de París” y “Copacabana”, que no puede obviar la influencia que ejerce en su película el cine de >Claude Chabrol y aquellos maravillosos thrillers relacionados con la alta burguesía francesa,
Estas son historias cotidianas …Historias que os contaré mientras
me sienta con ganas y con fuerzas, aunque no valgan para nada, pero quizá
alguno se sienta identificado y comente sus propias anécdotas y vivencias del tiempo
presente y de aquel que dejamos atrás.
La cerveza en una terraza o la añoranza de la barra de un
bar; la calma de las playas al amanecer o las olas que rompen furiosas cuando
se acerca la noche; los bosques oscuros en que se entremezclan personajes y
cuentos de infancia o las montañas en las que rozas las nubes. ..
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En “Notas para unas memorias
que nunca escribiré”, Juan Marsé muestra su desprecio por políticos, escritores,
periodistas, pero también su gran amor por su nieto Guille o los cuidados a su
perro Simón. Se refleja su pasión por la literatura y la lectura , pero también por el cine y
sus ganas de nadar, de seguir zambulléndose lo más asiduamente posible a pesar
de que, pasaba de los setenta cuando escribió aquellas notas…Marsé falleció
el 18 de julio de 2020, la semana que viene hará un año de su muerte
No se llama Simón pero si Ringo y es mi nuevo amigo portuense.
La tercera excelente película de este fin de semana lleva
por título " La mujer del espía"(115’.) y
está dirigida por el japonés Kiyoshi Kurosawa, que no tiene nada que ver con el
maestro Akira,
El prolífico director japonés con más de cuarenta películas de
todos los géneros en su filmografía ,ganó el León de Oro al mejor director en
la última edición de Venecia por este drama con aroma a thriller de espionaje
ambientado en los inicios de la II Guerra Mundial en la ciudad japonesa de Kobe.
Una historia de amor, en que el director no esconde su
admiración por Hitchcock, y en la que asistimos al despertar político de los
personajes, coincidiendo con el tono totalitario del Japón de aquellos años
cuarenta y al siniestro papel que jugó la comunidad científica nipona como responsable
de crímenes de guerra, torturas o experimentos con seres humanos. Toda una
serie de elementos y situaciones que llena de interrogantes un argumento en que
te preguntas ¿Quién es el traidor? o ¿Quién engaña a quién?
Kurosawa, autor de filmes como “Tokyo Sonata”, realiza una
de sus mejores películas y una muestra de su tremendo amor por el cine que ha
quedado reflejado a largo de su extensa carrera, en que ha dejado a un lado sus
películas de terror, ciencia, ficción o de samuráis para introducirnos en el
mundo del espionaje donde la mentira y la verdad se confunden y donde la
traición forma parte de la propia esencia de los personajes.
En "Miss Marx "(107’) lLa
italiana Susanna Nicchiarelli construye su particular biopic de Eleanor
Marx (Romola Garai),hija de Karl Marx, quién en el último tercio del siglo XIX
fue una mujer profundamente activa en defensa del socialismo y el feminismo, convirtiéndose
en una pionera de la fusión de ambos movimientos
La directora de “Nico”, filme sobre la cantante punk de The Velvet Underground, considera a Eleanor como una mujer trasgresora, una revolucionaria punk que siempre quiso vivir a su manera, sin atarse a ningún canon . Era una mujer de fuertes convicciones, pero al mismo tiempo muy frágil a nivel emocional. Este hecho también es destacado por la directora italiana que pone el acento en las relaciones con su marido Edward Aveling( Patrick Kennedy) quien dilapidaba alegremente el dinero de su mujer mientras le era infiel, de manera casi compulsiva. Eleanor no le recriminaba nada y siempre se mostró unida a él a pesar de su actitud y de que la arruinó por completo.
La música también juega un papel importante en la película
porque según la directora muestra las dos caras de la protagonista, la romántica
y la punk con los acordes de Downtown Boys incluso con una versión de la Internacional,
compuesta para la película.
Fuerza en la narración y en la música aderezadas ambas con
imágenes de archivo que nos muestran un pasado también de reivindicaciones y de
situaciones deplorables como el trabajo infantil que continúa siendo realidad en muchos
lugares del mundo.
Esta semana he visto tres buenas películas, de esas que,
cuando sales del cine te das cuenta que has invertido bien tu dinero porque las
tres tienen gran calidad cinematográfica. Dos de los títulos que llegan a las
carteleras tienen que ver con el marxismo. “Mrs Marx” un biopic muy
particular sobre Eleonor Marx, la hija de Karl Marx y “Queridos
camaradas” que recoge la represión de las autoridades soviética en
Novocherkask contra los obreros que se habían puesto en huelga por la abusiva
subida de los alimentos, un hecho que ocurrió en los años sesenta del siglo
pasado y que fue ocultado durante muchos años por las autoridades soviéticas .
A estos dos títulos se une la película japonesa, “La
mujer del espía”, un thriller con tintes de espionaje ambientado en la II
Guerra Mundial. No he visto el último y seguro boom taquillero de Santiago
Segura “A todo tren: destino Asturias” y el thriller “La viuda negra”
Una espléndida Julia Vysotskaya, esposa del director,
interpreta a Lyuda miembro del comité del partido y convencida comunista al mismo tiempo que nostálgica
defensora de la época de Stalin, ajena por completo a los crímenes que llevó a cabo .Tiene el convencimiento de que el único sistema
político que debe existir es el comunismo y se muestra activa en la defensa
de los intereses del estado e incluso promueve a que se tomen duras medidas contra
las reivindicaciones de los obreros que ven como suben
desorbitadamente los precios de los alimentos, al mismo tiempo que les rebajan
los salarios.
Esas reivindicaciones acaban con la muerte de muchos trabajadores
asesinados por francotiradores de la KGB ocultos en los desvanes de los
edificios. Los supervivientes, tras la masacre, fueron obligados a firmar un
documento, bajo amenaza de cárcel, si revelaban lo que allí había ocurrido.
Lyuda no da crédito a la actitud de las autoridades
comunistas, del propio ejército, a pesar de estar en desacuerdo con las órdenes
que reciben y por supuesto de la KGB . La búsqueda de su hija, recabando opiniones de testigos, visitando hospitales
y morgues, le van abriendo los ojos de la realidad de su país, donde el estado
ejerce un férreo control contra cualquier actividad considerada anticomunista.
La suya es la búsqueda de la verdad. como la de cualquier ciudadano.
La transformación de Lyuda es también la transformación de
todo un pueblo. Esa mujer fanática, fría, antipática incluso, comienza a comprender que
vive en un estado policial y que la decidida búsqueda de su hija puede también
acarrearla problemas con las autoridades que ,en el filme, están todas
supeditadas a las órdenes que trasmite la KGB. En un filme muy realista, con una
dirección técnica espléndida en que decorados o incluso vestidos responden a la
verdad, a cómo eran aquellos lejanos años sesenta en la URSS posterior a Stalin
y a un suceso que fue escondido al resto del país y la comunidad
internacional.
Esta semana también tenemos cine francés con una comedia
disparatada y absurda, “Mandíbulas”(77’) que firma Quentin Dupieux(“Rubber”)
Absurda porque su humor se sustenta en situaciones absurdas,
casi surrealistas, con un par de protagonistas que hace oposiciones a ver quién
de los dos, da menor talla intelectual.
Los dos protagonistas encuentran en un viejo coche que
acaban de robar a una mosca de gran tamaño que aparece de pronto en sus vidas y
ambos se plantean amaestrarla para conseguir beneficios económicos, y salir de la
precariedad en que viven
En ese chalet hay una chica con un tono de voz muy peculiar
como consecuencia de un accidente, papel que interpreta Adele Exarxhopoulos, que
acompaña en el reparto a David Marsais, Grégorie Ludic e India Hair, entre
otros.
“Mandíbulas” recupera la comedia de colegas, un subgénero
que parecía haber perdido su sitio y que encuentra en las solitarias carreteras
de la Costa Azul, desprovista de su glamour habitual a unos personajes un tanto
anárquicos y muy alejados de las normas más tradicionales
Lo que sí nos encontraremos es, dentro de ese tono de lo
absurdo, una comedia que discurre por cauces más tradicionales y en que los dos protagonistas sustentan su
amistad a prueba de bomba en un grito de guerra :“Toro”.
Javier Tolentino, en su programa de Radio 3,”El séptimo vicio”, daba voz a las minorías, a aquellos cineastas alejados del gran público con difícil acceso a las un salas comerciales ,al mismo tiempo que se detenía en el llamado cine de autor, en películas independientes que huyen de las presiones y limitaciones que supone el cine de los grandes estudios lo que da mayor libertad y autenticidad al cineasta y por tanto a la película que realiza.
Esa libertad y autenticidad la vemos en “Un blues para Teherán”(80), el primer documental que dirige Javier Tolentino, cuyo estreno prácticamente coincide en el tiempo de su salida de Radio Nacional de España, Radio 3.
La cámara de Tolentino se acerca a la música tradicional y
actual de Irán, siguiendo las inquietudes de cada uno de los protagonistas ,al
mismo tiempo que recoge testimonios de las gentes de un país que mezcla
tradición y modernidad siempre bajo la supervisión de un régimen ultrareligioso.
Una película plena de poesía que tiene como eje central a un joven aspirante a
director que no encuentra su lugar en el Teherán del siglo XXI. Erfan Shafei se
convierte en guía del documental e introductor de otros personajes como el
pescador feminista del Caspio o la propia familia kurda de Erfan, profundamente
liberal.
Una actitud que contrasta con la dictadura que tiene maniatada a las mujeres que no pueden cantar en público o no pueden llevar el pelo suelto, algo que si ocurre en la película . Javier Tolentino se pregunta como un país tan culto como Irán, que lo tiene todo a nivel musical, literario o cinematográfico, no seas más tolerante.
“Un blues para
Teherán” es cine, un cine de encuadres
minuciosos, detallados que muestra la fascinación que Tolentino siente por Irán
y sus gentes y en particular su gran admiración `por el cine de Kiorosmati, Majidi
o Panahi y esa manera de entenderlo, tan pausada, tan poética, a la que no es
ajena esta opera prima. Seguro que los espectadores también se dejarán llevar
por la magia de este blues que trasmite sonidos, sensaciones y olores de la
antigua Persia.
Hay un teléfono, una cabina, que está en la colina de Namista Otsuchi en la prefectura de Iwate, en Japón. Se llama “El teléfono del viento”, nombre que da titulo a esta película japonesa que ha llegado a nuestras salas, este fin de semana.
Ese teléfono está operativo desde que ocurrió el terremoto y
el tsunami de 2011 y con el accidente que se produjo en la central nuclear de Fukushima
que causaron la muerte a 15897 personas y continúa habiendo a día de hoy 2532
desaparecidos.
Ese teléfono es la manera de sincerarse simbólicamente con
quienes ya no están y de hecho han pasado por allí más de 30.000 personas que
vuelcan su dolor en las conversaciones que tienen con quienes les dejaron.
Haru era una niña de nueve años cuando sus padres y su
hermano fallecieron a causa de la catástrofe. Fue recogida por una tía y se trasladó
a vivir a Hiroshima, símbolo mundial de lo que significó una explosión nuclear y
las secuelas que dejó y sigue dejando en quienes vivieron aquello y en todos
sus descendientes.
Haru vive casi como un zombi. No expresa sentimientos. Tiene
un shock que no ha podido superar tras el accidente ocurrido ocho años atrás.
Alguno de los que se encuentra en su camino la ayudan y le cuentan sus pérdidas,
otros quieren aprovecharse de ella. Sigue haciéndose preguntas cuando llega a
su casa, pero nadie le ha dado la bienvenida . ¿Por qué todos y todo han
desaparecido? Siente una tristeza infinita
Solo puede encontrar
algo de paz cuando entra en esa cabina y mantiene esa conversación con el más
allá, con la familia de la que no pudo despedirse.
¿En su monólogo la vemos llorar “por qué soy la única que se
hace mayor? ; la tristeza que siente en el deseo imposible de volver a ver a sus
padres y su hermano; preguntarles si están en el cielo o en el mar , saber como
son los lugares en lo que habitan…En ese teléfono encuentra la paz que tanto le
ha faltado desde que se produjo la pérdida de sus seres queridos.
“El teléfono del viento”(139’) dirigida por Nobuhiro
Suwa es una película plena de poesía, quizá excesiva e innecesaria en su larga
duración, pero que deja un poso de esperanza y de salir adelante con una frase
que resume todo el sentir de Haru tras su monólogo en la cabina : Un día iré
a buscaros. Hasta entonces voy a vivir.
Aquella estremecedora película se queda corta ante lo que nos
plantea “La vida de los demás”, del
director y escritor Mohammad Rosoulof pendiente de sentencia judicial por mostrar
en su cine la represión que ejerce el gobierno de su país. La película que ganó
el oso de oro en el festival de Berlín relata cuatro historias, todas ellas
vinculadas con la pena de muerte. Pero
son historias cotidianas, de personas que lejos de aparecer como monstruos viven
y relacionan con su familia como cualquier otro ciudadano. Hasta los verdugos
recogen a sus hijos del colegio, hacen la compra a la madre enferma o ven la televisión
con su mujer.
La primera historia es la más impactante, una clase de
dirección y guion cinematográficos. Las demás decaen en interés, pero lo
importante es el compromiso del director con el público, su defensa abierta de
los derechos humanos y las criticas a cualquier régimen totalitario que obliga
a los ciudadanos a cumplir sus órdenes.
“La vida de los demás” es un alegato contra la pena
de muerte, una muestra de la brutalidad ejercida por el estado en un país como
Irán. Cincuenta y cuatro países mantienen todavía la pena capital como denunció Amnistía Internacional
en su informe de 2020.
“La vida de los demás” se suma a títulos míticos que
abordan la pena de muerte en narraciones como “Quiero vivir”, “Pena de muerte”,
“La milla verde”, “Bailar en la oscuridad”, “A sangre fría” o aquella obra
maestra de Luis García Berlanga, titula “El verdugo”.
Todos sus amigos e incluso su pareja Marc (Vincent Cassel) sienten una `profunda envidia por el éxito de
Lea que no parece entender que las relaciones de muchos años, se estén deteriorando
cuando supuestamente todos deberían alegrarse .
Marc ve como sus expectativas se ven frustradas, Karine(Florence
Foresti) la íntima amiga de Lea intenta emularla sin éxito, Francis(François
Damiens) ve como todas sus ideas caen en saco roto…Ninguno se pone a la altura
de Lea y ninguno es capaz de alegrarse de su éxito . Por eso quizá el titulo
original nos de la clave : “Le bonheur des uns” que traduciríamos como “La
felicidad de algunos”, los demás no quieren asumir el éxito de Lea.
Diálogos brillantes e irónicos en esta cinta que dirige
Daniel Cohen (“El chef: la receta de la felicidad”) en una comedia
divertida pero que deja algunos momentos amargos y esa incapacidad de los seres
humanos por comprender a los demás. Ya
digo a mí, envidia, envidia, me da el cine francés …
Justo en la catedral de Cádiz y el Campo del Sur comienza la primera persecución de “Operación Camarón”, la `película de Carlos Therón (“Lo dejo cuando quiera”, “Es por tu bien”) que, como tantas otras, ha tenido que retrasar su estreno debido a la pandemia.
“ Operación Camarón” es trepidante y divertida,
aderezada con el flamenco-trap de “Los
lolos”, con el Nene al frente de este grupo que se convierten en uno los
principales protagonistas de esta comedia coral, en que las canciones son
originales del gaditano Riki Rivera, que
ya ganó el Goya de mejor canción original por “El niño”(2014)
Un cóctel que hace a esta nueva comedia del director salmantino
un atractivo producto comercial de cara a este verano y que tiene también como
protagonista las calles y las playas de Cádiz y San Fernando . Sevilla ha sido
otro de los lugares donde se ha llevado a cabo el rodaje.
Un niño prodigio, virtuoso del piano, al que auguran un gran
futuro acaba convirtiéndose en policía(Julián López) . Como no es el más eficaz
del cuerpo es trasladado a Cádiz por recomendación de su tía y madrina que es concejal
de agricultura. Su destino son los archivos donde Sebas, oriundo de Valladolid,
es aleccionado sobre el carácter de los gaditanos y las cosas de Cádiz por un
gallego de La Coruña.
En el amplio reparto figuran también Natalia de Molina siempre
brillante ya sea drama o comedia ,
Carlos Librado, ”Nene” y los otros integrantes de la banda, Miren Ibarguren, Manuel
Burque, Paco Tous, Julián Villagrán y un largo etcétera de actores y actrices
que construyen un fresco en que se
entremezcla lo gaditano( excelente el gags del carnaval en comisaría) ,las persecuciones,
el mundo de la droga, el compañerismo, las
buenas letras y las buenas canciones y como no, el amor, que tampoco puede
faltar.
Una comedia que, en su estructura me recuerda a la ya
clásica “Airbag”, de Juanma Bajo Ulloa
por ese tono en que el humor se entremezcla con la acción, en la línea de
títulos norteamericanos pero que, realmente me producen más interés cuando se
trata de un producto nacional y bien realizado como es el caso de este filme.
“Operación Camarón” hará pasar un buen rato.
Me ha recordado a Una historia verdadera, de David Lynch, esta road movie que cuenta como un anciano de 90 años (Timothy Spall) decide cruzar toda Gran Bretaña desde el punto más al norte de Escocia hasta el más al sur, Cornualles, utilizando autobuses públicos. La diferencia es que en “Una historia verdadera” el protagonista utilizaba una segadora para ir a encontrarse con su hermano enfermo mientras que Tom, el nonagenario protagonista, quiere saldar cuentas con el pasado.
Todas sus vivencias está en la pequeña maleta que le acompaña inseparable durante un recorrido superior a los mil kilómetros en el que se encontrará con personajes solidarios y amables, pero también con otros indeseables, fríos y prepotentes, sustentados en su propio egoísmo.
Su viaje da para muchos días y momentos que van desde la
solidaridad de una familia que lo lleva a descansar a su casa después de que
pierda un autobús y se quede solo en la calle; pasando por cantar junto a un
grupo de hinchas de fútbol o enfrentarse a un hombre violento y xenófobo que
acosa a una mujer ataviada con un burka. Pero también hay cobradores que son
capaces de dejarle en mitad de la nada porque su tarjeta de transportes
escocesa no vale para Inglaterra.
La bueno y lo malo de la condición humana se entremezclan en
ese viaje al fin del mundo, en Cornualles, donde acaba de celebrarse la cumbre
del G7, y donde quiere llegar un hombre nonagenario que quiere cumplir esas
promesas que le hizo a su esposa. Timothy Spall se empeñó en interpretar el
personaje pese a que tienen 25 años menos que el protagonista de la película.
Dirige Gilles McKinnon (“Whisky Galore”) quien define su filme como una “road
movie sentimental”
“El poeta y el espía”( 106’). Ha tardado pero
finalmente llega esta interesante propuesta del debutante Gianluca Jodice,
quién se atreve a acercarse al último año de vida de un icono de las letras
italianas como fue Gabriele D’ Annuncio”.
El actor y cineasta Sergio Castellitto encarna al escritor
después de haber representado en su larga trayectoria a personajes como Aldo Moro
o Fausto Coppi.
La acción se sitúa en 1936 cuando el joven Giovanni Comini
ocupa la cabeza del partido fascista en Brescia. Su admiración por Mussolini y
su solvencia al frente de su federación le llevan a Roma donde le encargan la
vigilancia de Gabriel D’ Annunzio quien, cada vez, con más frecuencia, muestra
su discrepancia con el Partido Fascista y en particular las alianzas con Hitler
,al que despreciaba, porque consideraba que aquellos acuerdos suponían muchos
riesgos para Italia.
El caso es que el fascismo se apropió de la vida y obra de
D’Annunzio. Lo que no sabemos es que hubiese ocurrido si el escritor y héroe de
guerra hubiese podido tomar posesión de la presidencia de la Academia italiana,
con un discurso critico con la situación que se vivía en Italia, destinada a
acabar participando en la II Guerra Mundial al lado de Hitler. La muerte
impidió que tomara posesión de su cargo.
Es una película que nos acerca a una realidad y unos
personajes históricos, aunque hay algunas cuestiones que se escapan al conocimiento
de los espectadores no italianos. Quizá la película fomente nuestra curiosidad
para conocer más a fondo a los personajes que nos muestra esta película italiana
Este fin de semana se estrena el documental “Bienvenidos a España rodado por Juan Antonio Moreno, que nació, según comentó el propio director , “de la necesidad de contar como se enfrenta un grupo de personas a una nueva vida en España, sin conocer nada de nuestra cultura y como se imaginan y sueñan su nueva vida entre nosotros.
Lo contó en una entrevista que le hice unos días antes de que el libro fuera enviado a imprenta.
