PÁGINAS SUELTAS (14)Y EL GOYA ES…

 

Escribo en vísperas de los Goya. La memoria se vuelve perezosa y no conviene desafiarla. Me voy treinta y seis años atrás, más de tres décadas para situarme en la Gran Vía y acceder al cine Lope de Vega. En 1987 dirigíamos el área de Cultura de Radio Exterior y tanto a Elisabeth como a mí nos invitaron a asistir a la primera edición de unos premios que nacían tambaleantes y tímidos pero que con los años se convirtieron en el referente y la fiesta del cine español.

En aquella primera edición tuve que desempolvar un smoking de mi suegro y Elisabeth un vestido largo. El ir de etiqueta se tomaba al pie de la letra. Nadie se saltó el protocolo. No recuerdo el Lope de Vega completamente lleno había algunos huecos en el patio de butacas.

Sé que estuvieron los por entonces Reyes, Juan Carlos y Sofía presidiendo una ceremonia que fue más caótica de lo esperado. No sé si sería por ese motivo, pero el caso es que no volvieron a ninguna otra. El cine se quedó sin padrinos reales.

José María González Sinde ,productor, director y guionista impulsó los premios y la creación de la Academia, de la que sería su primer presidente. Su hija Ángeles ocuparía el mismo cargo muchos años después y llegaría a ser ministra de Cultura en el gobierno de Zapatero.

Recuerdo una ceremonia desangelada, con muchos errores y muchas ausencias. La principal la de Fernando Fernán Gómez que acaparó los principales premios y que no apareció por la sala. Su “Viaje a ninguna parte” se llevó el Goya de mejor película, dirección y guion y en “Mambrú se fue la guerra”, ganó el de mejor actor. Otro Fernando, Rey, fue el presentador de una gala no excesivamente larga porque, entre otras cosas, eran bastantes menos los premios que se concedían.

Fernando Rey ,en una de las primeras ediciones.

Me acuerdo que el premio a la mejor banda sonora fue un despropósito porque el compositor Carmelo Bernaola era incapaz de pronunciar correctamente el nombre del grupo ganador, Milladoiro, que ganó el Goya por “La mitad del cielo”, una buena película de Manuel Gutiérrez Aragón. Pero es que en aquella primera edición había títulos que están en la memoria de todos los que amamos el cine. “Dragón Rapide”, de Jaime Camino;  “El año de las luces” de Fernando Trueba con la desaparecida Verónica Forqué ,mejor actriz de reparto;  “Tata mía”, de José Luis Borau;  “El amor brujo”, de Carlos Saura ; “Werther” de Pilar Miró;  “Matador” de Pedro Almodóvar o “Hay que deshacer la casa”, de José Luis García Sánchez, por la que Amparo Rivelles ganó el Goya de mejor actriz. Ella, como muchos otros de los premiados tuvo dificultades para sujetar la estatuilla que se le entregó ,obra del escultor Miguel Ortiz Berrocal. Era una escultura desmontable, que pesaba 15 kilos y de la que salía una cámara de la cabeza de Goya. Desde la cuarta edición bajo el peso y la cámara pasó a mejor vida. Eso sí después de la ceremonia todos a casa. No hubo fiesta o si la hubo no nos enteramos.

Foto familia primera edición

Durante casi treinta años asistí de forma regular a los Goya pero más que como invitado, acudiendo a cubrir la ceremonia o retrasmitiéndolo para REE, primero y para RNE en conjunto, después ,con Yolanda Flores y un puñado de buenos compañeros. Los primeros años, los premios no suscitaban demasiado interés mediático. Se entregaban en el Palacio de Exposiciones y Congresos de la Castellana y no ocupaban demasiado espacio en los periódicos, las televisiones o las radios. No eran muchos los que creían en ellos pero acabaron imponiéndose y lograron el apoyo de toda la profesión y de los medios de comunicación.

En el Palacio Municipal de Congresos de Madrid ,en IFEMA donde se celebraron la mayor parte de las ediciones recuerdo que nueve años después de la primera edición éramos los únicos que retrasmitíamos en directo la ceremonia de los Goya. No tenían nada que ver con lo que ha ocurrido en los últimos veinte o veinticinco  años, con alfombras rojas, vestidos vaporosos, escotes, lentejuelas, joyas, peinados provocadores, smokings de todos los colores , risas, aplausos, besos y cámaras, muchas cámaras captando cada instante por muy pequeño que pudiera parecernos.

 Cuando empezamos a retrasmitir en directo para América éramos un pequeño equipo. Dos técnicos, uno era Juan Lamas; Enrique Martínez que hacía la doble función de técnico y realizador e incluso ayudaba a traer a los premiados a que participasen en directo ; Elisabeth, Luis Arancibia, Inmaculada Palomares y las conexiones en directo con nuestros estudios en Prado del Rey con Fernando Martínez e Inocencio en los estudios.

Amenábar/Miró (Hemeroteca del Buitre)

Fue una experiencia magnífica que pudimos hacer durante dos o tres años ,entre ellos 1997 en que ganó “Tesis” de Alejandro Amenábar y Pilar Miró hubo de conformarse con el premio de la mejor dirección por la magnífica “El perro del hortelano”. 

Emma Suárez y su primer Goya

Enrique nos trajo casi en volandas a Emma Suárez que ganó el su primer Goya por su papel en la película de Pilar Miró. La conocíamos porque unos años antes había recibido con nosotros el premio Ojo Crítico de cine y habíamos seguido su imparable trayectoria. Amenábar era un chaval veinteañero que con “Tesis”, su primera película, nos dijo que tenía muchas cosas que contarnos.

No estamos todos, pero si varios de los "goyeros"

Fueron años estupendos y retrasmisiones alegres y vivas , como las que haríamos después con Yolanda, con un equipo técnico y personal mucho más amplio, el Lujo, Jami, Larrocha, Teresa, Arancibia, Lerchundi, Ana Vega, y algunos otros más que se fueron añadiendo con el paso de los años. A finales de los noventa los Goya crecían de forma imparable y ya nadie disimulaba que eran los premios más deseados en la que se convirtió en la “noche más hermosa”. Solía llevarme un gráfico con todos los nominados que preparaba mi hija Isabel ,creo que encontraré alguno entre los papeles y podré incluirlo en "Mis páginas sueltas".

Solo hubo un año, 2000, en que nos sentimos frustrados porque la primera vez que los Goya salieron de Madrid para celebrarse en Barcelona , colocaron nuestro set de tal manera que era imposible acceder a los premiados ya, que para llegar a  ellos, había que atravesar  la nube de fotógrafos y cámaras de televisión  que impedían el acceso hasta los ganadores… Fue el único año en que nos sentimos derrotados y no nos quedamos al coctel posterior. Nos fuimos derechitos al hotel con “más hambre que el perro de un ciego” y solo pudimos tomar unos bollos y magdalenas bastante duros que habían quedado del desayuno. Durante toda la noche, en la retrasmisión, tuvimos un único invitado, una única persona que estuvo con nosotros, Luis García Berlanga, lo que no estaba nada mal ,pero no pudimos recoger las opiniones de ninguno de los premiados. Berlanga, que era el Goya de Honor estuvo porque pasó a saludarnos ya que en aquellos años colaboraba en RNE y su hijo Fernando trabajó en De Película, el programa de Yolanda. Fue el único mal recuerdo de todos aquellos años en que el cine español se vestía de gala y 36 años después, sigue haciéndolo, cambiando de escenario y celebrando ediciones tan estupendas como la del año pasado en Málaga, cuando la pandemia obligó a que los aplausos fuesen telemáticos.  

En 2022 en Valencia, una edición que veré ya,como desde hace varios años,  desde la butaca de casa, añorando aquellas retrasmisiones y la posibilidad después de muchas horas de trabajo, de relajarte con los compañeros saboreando un vino, una cerveza o una paella en la madrugada, cuando las estrellas caminan por las calles con un Goya o no, bajo el brazo.

OTROS ESTRENOS 11-2-22 (un par de cosas más).

 

Es la semana de los Goya y las nominaciones de los Oscar han aparecido unos días antes de que conozcamos a los ganadores del premio español.

Además de Javier Bardem y Penélope Cruz en el terreno actoral tenemos otros dos españoles candidatos al premio cinematográfico más deseado del mundo. Alberto Iglesias opta a su cuarta nominación, en esta ocasión por la música de “Madres paralelas” y Alberto Mielgo por su corto  “The Windshield”. Entre las películas candidatas recomiendo “Belfast”, una maravilla de película que firma Keneth Branagh.

Entre los estrenos de esta semana tenemos otra candidata al oscar de mejor película que firma Paul Thomas Anderson:  LICORICE PIZZA(134’), de la que ya escribí en este mismo blog porque el estreno estaba previsto semanas atrás. Digamos que es un drama adolescente, ambientado en los años setenta y con tientes autobiográficos.

VISITANTE (99’)

Debut también en la dirección de Alberto Evangelio quién, tras una carrera como cortometrajista, se adentra en el género del terror paranormal con Inés del Río, Miquel Fernández y Jan Cornet.

No falta la antigua casa de los padres de Marga, quien decide pasar unos días en ella, en plena crisis matrimonial.  Con lo que no contaba es que en la casa hubiese fenómenos sobrenaturales y que su difunta hermanda tratase de comunicarse con ella.

TAILOR(El sastre) -Renovarse o morir

 

 Niko lleva toda la vida en la sastrería de su padre que se ve amenazada por las deudas . Cuando su padre. enfermo, ingresa en el hospital, Niko intenta reflotar el negocio familiar con la ayuda de una vecina que cose vestidos de mujer y posteriormente de novias, que contrastan con las elegantes, pero anticuados trajes para hombres que llevan toda la vida confeccionando                             

Tailor (100')Es una divertida coproducción greco-alemana que nos muestra a Niko, impecablemente vestido, con un improvisado carro recorriendo las calles de Atenas, con la intención de vender su producto en los mercadillos. Un humor comedido, como el de aquella película uruguaya “Whisky” o incluso Mr. Bean, impregna todo el metraje. No cobran mucho peso los diálogos. Tienen más valor las miradas y los silencios . Buen debut de Sonia Liza Kentermann, como directora.

 Humor y personajes entrañables en esta ópera prima.

RECOMENDABLE

 

UN AMOR INTRANQUILO. Visibilidad de las enfermedades mentales.

 

 El realizador belga Joachim Lafosse (“Perder la razón” 2012) continúa dando voz a los enfermos mentales y relatando como afecta al paciente y a su entorno más directo.

En "Un amor intranquilo" (118'), Lafosse trata la enfermedad de forma natural , exponiendo distintas visiones sobre el problema. Muestra como la relación de la pareja protagonista va deteriorándose como consecuencia de los brotes que sufre él, un pintor Damien (Damien Bonnard)  bipolar, que tiene momentos de una enorme hiperactividad y otros depresivos como consecuencia del tratamiento al que es sometido. La película nos describe a esta persona y las vicisitudes por las que atraviesa su pareja Leila(Laila Bekhti),una restauradora de muebles que trata de controlar sus momentos eufóricos o ayudarle a que emprenda alguna actividad cuando atraviesa por los momentos depresivos. Para ello cuenta con su hijo, un niño de apenas diez años y su suegro que acude para ayudarla cuando Damien no atiende a ningún tipo de razón y cambia bruscamente su comportamiento.

Una película que respira verdad, desde su propia estructura de guion, sus acertados diálogos y la excelente interpretación de los protagonistas.  El filme reflexiona sobre una enfermedad que crece en las sociedades occidentales.

EXCELENTE.

VIAJE A ALGUNA PARTE .En la casa de Fernán Gómez

 

En 2021 se cumplió el centenario del nacimiento de Fernando Fernán Gómez, uno de nuestros grandes creadores- Su nieta Helena de Llanos se sumerge en la carrera de su abuelo, ayudada en un principio por Emma Cohen quién falleció al inicio del rodaje.

"Viaje a alguna parte"(107') tiene un meticuloso montaje de muchas de las películas de Fernán Gómez y Emma que permite a Helena interactuar con ellos. Da la sensación de que ambos están vivos, de que los dos te han permitido entrar en su casa y husmear en sus vidas, en sus recuerdos.

También se recogen opiniones de algunos de los actores que intervinieron en sus películas y que acuden a la casa como unos visitantes más. Realidad y ficción en esas conversaciones de Helena con su abuelo y su mujer Emma Cohen, en una película en que la directora y guionista cuenta con el apoyo de Tristán Ulloa. Una  arriesgada apuesta de la debutante Helena de Llanos de la que sale airosa.

 INTERESANTE

JAMON,JAMÓN…Y DE PATA NEGRA

El Mundo.es

Son una garantía, son los dos actores españoles que han aparecido cuatro veces cada uno en la lucha por el oscar. Penelópe Cruz lo ganó por “Vicky Cristina Barcelona” ; Javier Bardem lo consiguió por “No es país para viejos”. Son un tándem consolidado y referente de nuestro cine en el exterior. Han tomado el relevo de Banderas e incluso de Almodóvar.

Desde aquella lejana “Jamón, jamón”, de 1992, dirigida por Bigas Luna, con un imberbe Bardem y una casi adolescente Penélope han pasado ya treinta años. Vivieron por separado muchos avatares y carreras muy diferentes peros sus vidas confluyeron nuevamente y se convirtieron en pareja.

Penélope Cruz vuelve a Hollywood de la mano de Almodóvar el principal valedor de su carrera internacional pero no el único, porque tampoco hay que olvidar a Fernando Trueba que la llevó a
Hollywood con aquella maravillosa “Belle epoque” que mereció el Oscar , también en 1992.

Penélope estará en la gala de los Oscar con “Madres paralelas” y Javier Bardem con “Ser los Ricardo”, película que no se ha estrenado comercialmente en España y que si puede verse en plataformas digitales. Interpreta a Desi Arnaz el marido de Lucille Ball, estrellas mediáticas de la televisión norteamericana en los cincuenta. El hecho de que Desi fuera cubano y sea interpretado por un español ya ha suscitado algunas criticas. ¿Ocurrirá lo mismo con Nicole Kidman, también candidata por su interpretación de Lucille Ball cuando es australiana e interpreta a una de las novias de América ? Por cierto, Bardem también fue candidato al Oscar por interpretar al poeta cubano Reinaldo Arenas en “Antes de que anochezca”.

Penélope está bien en “Madres paralelas”, pero yo creo que no supera sus interpretaciones en “Volver” o “La niña de tus ojos”; mientras Bardem está también bien en “Ser los Ricardo” pero me quedo con su papel en “El buen patrón”, la película de Fernando León de Aranoa que se ha quedado fuera de la lucha por las estatuillas.
Ambos buscarán este fin de semana un nuevo Goya. Javier Bardem tiene cinco, Penélope tres. Ambos se mantienen en lo más alto. Sus trayectorias son impecables y lejos del mundanal ruido. No les gusta la fama ni el glamour pero si el cine, ese mundo en el que llevan más de tres décadas.

Son los cómicos de Fernando Fernán Gómez pero que si viajan a alguna parte.

(AUDIO) MUERE FERNANDO MARÍAS

 

Foto de diario.es

Fernando Marías era un apasionado de la literatura y el cine. Su sorpresiva muerte este sábado en Madrid me hace recordar a uno de esos escritores cuyos datos conservaba en mi vieja libreta.

Fernando Marías tenía 63 años y acababa de publicar Arde este libro (2021), una novela autobiográfica en la que narra su historia de amor con Verónica, su pareja durante varias décadas. Una especie de homenaje en que desnuda sus sentimientos.

 Natural de Bilbao, Fernando Marías hacía muchos años que vivía en Madrid, donde vino a estudiar cine en 1975. Además de escritor fue guionista de cine y televisión y  ejerció,además, como editor y gestor de propuestas culturales. Protagonizó con la escritora Espido Freire ,una de sus mejores amigas, el monólogo Esta noche moriremos. Su también íntimo amigo Manuel Vilas ha sido el primero en colgar la noticia de su muerte en las redes sociales.

Entre sus obras más relevantes destacan La luz prodigiosa, El niño de los coroneles, con la que ganó el premio Nadal en 2001; Todo el amor y casi toda la muerte (2010), con que obtuvo el Premio Primavera, mientras que con La isla del padre (2015) ganó el de Biblioteca Breve. Entre sus narraciones dirigidas al público juvenil destacan Cielo abajo (Premio Anaya 2005 y Premio Nacional de Literatura Infantil y Juvenil 2006).

 De su obra se llevó al cine La luz prodigiosa (adaptada por él mismo y dirigida por Miguel Hermoso, 2002. La protagonizaron nada más y nada menos que Alfredo Landa y Nino Manfredi, quien interpreta a un mendigo que se creía Lorca porque había sobrevivido a su fusilamiento.

Se dijo que la escritura de Marías era más comunicativa que deslumbrante; su arquitectura es clásica y limpia".

Tuve la suerte de entrevistarle en diversas ocasiones y una de las entrevistas que guardo es la que le hice nada más ganar el premio Nadal, hace 20 años, con  “El niño de los coroneles”. Este fue su testimonio en que no disimula su amor por la literatura y el cine y que os invito a que escuchéis.

 

AUDIO  FERNANDO MARÍAS

Fernando Marias 2

PAGINAS SUELTAS(13) CUANDO SARAMAGO NO HABLABA DEL NOBEL.

 

 

Web de Onda Cero

Hablamos de todo lo que ustedes quieran menos del Nobel y de Antonio Tabucchi, el autor de “Sostiene Pereira”, con el que, en aquellos años, José Saramago, mantenía ciertas diferencias. Estábamos en 1997 y Paco B, y yo nos habíamos desplazado al hotel Suecia de Madrid ,con un técnico del servicio exterior para grabar una larga entrevista con el escritor portugués.

Yo había entrevistado a José Saramago en un par de ocasiones anteriores, una de ellas en Huelva, donde fue jurado del festival de Cine Iberoamericano, pero la entrevista que íbamos a realizar ese día quería profundizar en la trayectoria vital y literaria del futuro premio Nobel de Literatura.

Serio, adusto, profundamente humano, José Saramago trasmitía serenidad desde el respeto que merecía su trabajo y su presencia.  Acompañado por su mujer Pilar de Río, compañera años atrás de Radio Televisión Española en Sevilla, Saramago estaba preparado para la entrevista, pero, las cosas comenzaron a torcerse antes, incluso, de que comenzáramos la grabación. El responsable que había en aquel momento en el Hotel Suecia no quiso proporcionarnos un lugar donde mantener la entrevista cuando le dijimos que en el bar había demasiado ruido. Nos dijo que no había otro lugar y que solo podía ofrecernos una sala si le abonábamos previamente la tarifa establecida. Le dijimos que no podíamos aceptar su propuesta porque nuestra emisora no tenía ningún ánimo de lucro y nunca nos habíamos encontrado con una situación similar.  Imposible, se negó a facilitarnos el trabajo.

Fue, entonces, cuando Pilar del Río nos propuso que subiéramos a la habitación para que hiciéramos la entrevista.

Era un cuarto no muy grande, más bien pequeño y para que el técnico y las tres personas que íbamos a utilizar los micrófonos estuviéramos cómodos, Pilar vacío los cajones donde guardaban su ropa, que puso sobre la cama, y  los apiló sobre la mesa para que el técnico pudiera disponer más fácilmente del magnetófono y  colocara lo más adecuadamente posible los micrófonos.

El técnico era un hombre mayor, no recuerdo su nombre ya que apenas había coincidido con él. A su señal comenzamos la entrevista en que Saramago se explayó en sus respuestas y dejó un enorme testimonio de su calidad humana y su sabiduría. Regresamos satisfechos después de todas las complicaciones que habíamos tenido, porque llevábamos un testimonio importante.

Web de Onda Cero

Lo que no sabíamos en nuestro regreso es que las dificultades no habían hecho nada más empezar.

Una vez en la redacción, cuando nos dispusimos a escuchar la grabación no oímos ningún sonido. Ni nuestras voces ni las de Saramago que era quien realmente interesaba. Alarmados bajamos a Servicio Exterior para que nos explicasen que sucedía. Después de muchas pruebas e intentos conseguimos oír, a muy bajo nivel, la entrevista. No podía emitirse. Solo pudimos rescatar unos pocos minutos que emitimos en el programa junto a algunos testimonios extraídos del Archivo. Sonoro y lecturas de sus libros, entre ellos “Cuadernos de Lanzarote” que fue el motivo que nos había llevado al Hotel Suecia.

El responsable del Servicio Exterior, tras pedirnos disculpas, nos solicitó que no diésemos un parte del técnico que había cometido el desaguisado porque se jubilaba esa misma semana. No merecía la pena, porque el mal ya estaba hecho y no íbamos a poder recuperar la entrevista que era lo realmente importante. Aquel día el Hotel Suecia se alió para que nada saliese bien. De alguna manera, Saramago se vengaría al año siguiente 1998, consiguiendo el Nobel de Literatura, el primero para un escritor de habla portuguesa.

Biografía y vidas.com

Pero aquella jornada aciaga no fue la única , ya que hubo otras fechas y otros escritores que, como yo, sufrieron que la técnica nos jugara una mala pasada. Con Manuel Vázquez Montalbán ,al que tuve la suerte de entrevistar en muchas ocasiones, hubo una vez, también en 1997, en el Hotel Ritz, en que la cinta que llevaba en el minidisco, grabó lo que quiso. Tan pronto se escuchaba acelerada la conversación, como dejaba de oírse o se escuchaba entrecortada. Pude extraer bastantes minutos, pero algunas de las respuestas fundamentales pasaron a mejor vida.

Vázquez Montalbán me pareció siempre un tipo estupendo. Hablabas de cualquier cosa con él ,no solo de sus novelas, su poesía o sus ensayos porque era un gastrónomo de primera línea y un seguidor acérrimo del Barça. Recuerdo que aquel día estaba preocupado porque no tenía todavía una entrada para el Atleti-Barça que se jugaba aquella noche. Se que después la consiguió. Se emocionó cuando le enseñé una rara edición de su primer libro sobre Pepe Carvalho, “Yo maté a Kennedy” (1972) que había conseguido en la cuesta de Moyano. ”Es casi un incunable”, me dijo con humor y así lo plasmó en su dedicatoria.

Su muerte es una de esas que te golpean con fuerza. Todos conocíamos de sus problemas cardíacos, pero confiábamos que continuara superando sus achaques. No fue así y murió en 2003, a los 64 años, en Bangkok, en un aeropuerto, como uno de sus personajes que supusieron un antes y un después de la novela negra contemporánea.

World Press

La muerte de Dulce Chacón, en 2003,  fue otra de esas noticias que te sorprenden porque ,a pesar de que estaba enferma, sabíamos de su fuerza, su entereza y  su determinación a seguir contando la represión que sufrieron las mujeres durante el franquismo(“La voz dormida”)

Todavía no tenía cincuenta años cuando el cáncer pudo con ella. Tres años antes en 2000 ganó el Azorín con “Cielos de barro” y el departamento de prensa de Planeta me citó en el Ritz. Dulce siempre tenía una sonrisa, a la vez que una fuerte determinación y seguridad en los temas que planteaba. La conversión trascurrió de forma distendida.

Una vez en la Radio, sorpresa. No había grabado nada. Una hora con ella y ni un minuto de grabación. El vúmetro ,que marca el nivel  no funcionaba correctamente  a pesar que la señal parecía la apropiada. No podía entenderlo. Al final los técnicos llegaron a la conclusión de que el fallo estaba en el micrófono que habíamos incorporado al minidisco. Daba la señal, se oía, pero no grababa.

Llamé a Dulce y se lo conté. No le dio importancia y al día siguiente un coche la trasladó a nuestros estudios en Prado del Rey donde hicimos la entrevista. Toda amabilidad y simpatía como le comenté unos años después a su hermana gemela Imma quién publicó, en 2005, su primera novela “La princesa india”. “Mis sobrinos – me dijo- escuchan la entrevista que le hiciste con bastante frecuencia. Oyen hablar a su madre durante cincuenta minutos”.

Aquel fue el mejor regalo y la constatación de tres entrevistas que fueron y no fueron porque a veces en la Radio también entran las meigas. Espero que este capítulo de Páginas Sueltas sea, sea, muy leído a pesar de que hace el número 13.

La divertida comedia francesa "BRINDIS" y otros ESTRENOS DE LA SEMANA (4-2-22)

 

 

“EL BRINDIS” (87’)

 

Laurent Tirard (“Un hombre de altura”) dirige esta comedia romántica en que el protagonista, Adrien (Benjamin Lavernhe) no deja de preguntarse por qué le ha dejado su novia y para ello rebobina en su relación mostrando al público lo perfectos que eran y como nada podía separarles

Ella( Sara Giraudeau) , cuando se va le dice que es como prender la pausa en un dvd, que necesita un tiempo, que si fuera definitivo le hubiese dado al stop. A esto se agarra Adrien que se pregunta por una serie de situaciones y como las enfocaría para poder recuperarla.

Al mismo tiempo, cuándo su futuro cuñado, le pide que prepare el discurso de la boda , Adrien estudia todas las posibilidades y los tipos de discursos que puede pronunciar, pero él, por encima de todo, no querría hacerlo, no querría soportar una boda cuando su relación se tambalea.

Es una comedia divertida , llena de sketches o de pequeños monólogos en que destaca ese diálogo que establece casi permanente el protagonista con el público y que pasada la primera hora de la película se hacen un tanto reiterativo. Pero en conjunto, permite pasar un buen rato.

“DESTINO A BRIGHTON” ( 101’) .  Chris Green dirige esta comedia dramática sobre la cultura y la moda Mods, al ritmo de la música de Paul Weller y The Jam . John Parker ,un joven de 19 años de Manchester se embarca en un viaje a Brighton, el lugar sagrado de los Mods, un grupo de jóvenes que tuvo en los Who a su grupo totem como pudimos comprobar en un título mítico del cine musical, “Quadrophenia”. Bien arreglados, gabardinas y scotter tipo Lambretta frente a los rockets y una forma diferente de ver la vida durante los años sesenta del siglo pasado.

“CYRANO” (124’) . El también británico Joe Wright ha comentado que ha dirigido esta nueva versión de “Cyrano”  para mostrar un musical hecho para aquellos a los que no les gustan los musicales.

No es exactamente así porque la película es un musical clásico narrando una de las historias de amor más adaptadas por el cine. Cambia la esencia y cierta dependencia porque el Cyrano que interpreta Peter Donklaje ya no necesita de su nariz tan llamativa para no sentirse correspondido por su amada Roxanne ( Haley Bennett) que en esta nueva versión es una mujer más independiente y que no busca el amor como si le fuese la vida.

“CANTO CÓSMICO. NIÑO DE ELCHE”(110’)  de Marc Sempere Moya y Leire Apellaniz es un biopic no muy al uso, sobre Francisco Contreras, alias “Niño de Elche” que ahonda en sus raíces más que en la cronología de sus trabajos y  su trayectoria. La película va desde su ámbito íntimo y familiar hasta su universo artístico y muestra las peculiaridades de este cantaor que entremezcla lo clásico y lo más puramente vanguardista. Los directores también recurren a la evocación y la participación creativa de figuras como Angélica Liddell, Los Voluble o C. Tangana.

"MOONFALL!. LA LUNA COMO PELIGRO

 

 MOONFALL (124’) .

El alemán Roland Emmerich es un especialista en el cine de catástrofes con títulos como “Independence Day”; “2012” o “El día de mañana” y “Moonfall” no se desvía de esta línea.

En esta ocasión la posible destrucción de la Tierra tiene su origen en la Luna que está fuera de orbita y acabará estrellándose, en miles de fragmentos ,a lo largo y ancho del planeta. La película comienza con un accidente en una nave espacial en el que fallece uno de los tres tripulantes. Brian( Patrick Wilson),el jefe de la misión,  es considerado culpable y expulsado de la NASA.

Diez años después la Tierra se ve amenazada por la luna y Jo (Halle Berry), su antigua compañera en la misión que le pasó factura, y que ahora está al frente de la NASA, solicita su ayuda para intentar frenar al satélite. A ellos se une un friki, KC (John Bradley) que sabe más del tema que cualquier científico.

La misión que van a emprender se muestra paralelamente con los esfuerzos de sus familiares en la Tierra, intentando buscar refugio ante el caos destructivo que está produciéndose en el planeta.

Ocurre que la Luna no es el satélite que creíamos y que, además, todos los parabienes de la inteligencia artificial pueden volverse contra nosotros. Un guion y una historia un tanto endeble que se potencia en los tres héroes capaces de todo con tal de salvar a la humanidad frente al militarismo que, de forma irracional, pretende utilizar armamento nuclear para detener a la Luna.”Moonfall” tiene comportamientos y diálogos previsibles y eso sí fuegos artificiales por doquier. Los efectos especiales van a atraer como un imán a los seguidores de la ciencia ficción, un género que cada vez miramos con más preocupación porque demasiados cuestiones anunciadas se han convertido en realidad, aunque Emmerich, aquí, muestra demasiada inventiva. La producción y no es ficción es de Estados Unidos y China

LOS OJOS DE TAMMY FAYE o el fraude de los telepredicadores

 

LOS OJOS DE TAMMY FAYE(126’)  de Michael Showalter(“La gran enfermedad del amor”) nos introduce en el mundo de los telepredicadores que tanta influencia tuvieron en Estados Unidos y en muchos países latinoamericanos.  

Tammy Faye, interpretada por una mayúscula Jessica Chastain que, parece una clara aspirante al oscar y Jim Bakker ( Andrew Garfield, también excelente)  fueron una pareja de telepredicadores que ganaron una enorme fortuna con sus shows televisivos durante los años 70 y 80 del siglo pasado, llegando a fundar su propia cadena de televisión y un parque temático buscando que las familias cristianas acudiesen con sus hijos. Sus mensajes de amor y prosperidad atrajeron a millones de personas, pero con el tiempo se descubrieron las muchas irregularidades financieras en que habían caído y los crecientes escándalos protagonizados particularmente por Jim.

 “Los ojos de Tammy Faye” cuenta el ascenso y caída de una pareja carismática ,siempre, en el caso de Faye con una eterna sonrisa y unos ojos realzados por unas pestañas enormes que fueron seña de su identidad. Si los actores protagonistas están superlativos no están muy definidos, en cambios, los actores de reparto quizá por la endeblez del guion que limita una historia que podría haber dado mucho más de sí.

 

"DRIVE MY CAR" o CONDUCIR NUESTRA PROPIA EXISTENCIA

 

DRIVE MY CAR (179’) es una de las películas de la temporada y firme candidata al Oscar en lengua no inglesa. Ryusuke Hamaguchi (“La ruleta de la fortuna y las fantasías”), su director, narra como un afamado director y actor de teatro, tras perder a su mujer, acepta una residencia de varias semanas en HIroshima para llevar a cabo un montaje de Tío Vania de Chejov, mientras enfrenta a los fantasmas de su pasado , la muerte de su mujer y anteriormente su hija de cuatro años.

“Drive my car”  basada en un relato corto de Haruki Marukami , no solo habla de la pérdida sino de la incomunicación , la soledad o el desarraigo, tomando como vínculo  el Tío Vania de Chejov.  

El personaje central Yasuke (Hidetoshi Nishijima)  llega a Hiroshima con su viejo coche, un saab con cerca de 20 años de antigüedad que solo conduce él.  Es un coche que le une con el pasado y en el que escucha la voz de su mujer muerta, repasando los textos de Chejov, mientras conduce. Cuando los responsables del centro donde va a preparar la representación de la obra le exigen que durante su estancia no conduzca él y sea un conductor quien le traslade de un lugar a otro, Yasuke no se muestra muy dispuesto y menos cuando una joven de 23 años, Misaki (Toko Miura) será la que conduzca.

No obstante, entre ellos va surgiendo una gran complicidad tanto en los silencios como en los pequeños diálogos que van entablando. A ambos les une la pérdida y la culpa que van desgranando en el interior de ese pequeño habitáculo que es el coche.

Durante esos trayectos y esa complicidad que va surgiendo entre la joven y el director, Yasuke era confeccionando la representación de la obra, elegirá a los actores para los distintos papeles o aprenderá de sus propios errores, porque como se dice en la película “para conocer el alma de los demás antes tenemos que conocer la nuestra”.

Tío Vania vincula a los personajes protagonistas con su propia existencia y cómo podemos saltar las barreras de la incomunicación y entregarnos a través del arte. Los actores de la obra proceden cada uno de países diferentes, incluso hay una actriz muda, lo que nos da a entender que la comunicación entre los seres humanos siempre es posible, aunque falten las palabras.

“Drive my car” tiene un tono alegórico y poético en una ciudad mártir , Hiroshima, que también debe dejar atrás su pasado. Aunque muy diferente, esa relación entre conductor y pasajero la hemos visto ya en cine con títulos como “Geen book” o “Paseando a Miss Daisy” pero la película de Hamaguchi refrenda a un director que puede convertirse en uno de los grandes.

Ojo no hay que asustarse por la duración, 179 minutos, porque es una de esas películas que siempre podrás recordar.

MUJERES EN EL LIMBO

 

 

Esta semana tuve ocasión de acudir a la proyección del documental “El retorno: La vida después del ISIS” que incide en la situación de las mujeres occidentales que, en su momento se unieron al Estado Islámico y que tras la caída del Califato llevan más de dos años retenidas en diversos campos de detención como el de Al -Roj ,al noroeste de Siria.

“El Retorno…”, candidata al Goya de mejor documental, está dirigida por la directora catalana Alba Sotorra que lleva desde 2008 contando historias relacionadas con conflictos políticos o sociales que se sustentan en la actualidad. Hace unos años dirigió “Comandante Arian”, en que un batallón de mujeres kurdas buscó liberar la ciudad de Kobane de la brutal y tiránica presencia del Estado Islámico.

En su nueva película la realizadora tuvo acceso al centro de detención que coordinan los kurdos y durante dos años siguió la vida de seis mujeres occidentales, provenientes de Estados Unidos, Canadá, Reino Unido, Holanda, Francia y Alemania que un día se dejaron seducir por la propaganda del ISIS y dejaron atrás sus países donde se les brindaban pocas oportunidades. Todas ,una de ellas de tan solo quince años, se marcharon de sus casas, dejaron atrás a sus familias y acabaron introduciéndose en un infierno pleno de crueldad, violencia y misoginia.

La película, presentada en Madrid por CEAR, Comisión española de Ayuda al Refugiado, no toma partido, solo muestra al espectador datos y testimonios para que sea éste el que juzgue, el que intente comprender como este grupo de mujeres, algunas todavía muy jóvenes se encuentran en un limbo legal que les impide regresar a sus países, ser juzgadas si la justicia lo considera oportuno o convertirse en apátridas, como ha ocurrido con algunas, al habérseles retirado la nacionalidad.

Alba Sotorra pregunta al espectador si el arrepentimiento de todas estas mujeres merece una segunda oportunidad. Para llegar a ello seguimos la evolución de todas y antes de conocerlas , al comienzo de la película se nos muestran diversas noticias publicadas en la prensa internacional sobre las jóvenes occidentales reclutadas por el Estado Islámico. Asistimos también a las últimas batallas, con ciudades sirias devastadas y como la derrota del Estado Islámico llevó a que los kurdos tuviesen que hacerse cargo de casi cien mil prisioneros .

En “El Retorno…” vivimos las historias personales de las seis mujeres protagonistas y también de la terapeuta kurda que ahonda en sus vidas y se muestra generosa y conciliadora a pesar de haber pertenecido al otro bando.

En Al-Roj hay mujeres de cincuenta y cinco nacionalidades, retenidas junto a sus hijos . Algunas han sido devueltas a sus países, unas están en libertad y otras han sido encarceladas. Pero muchas de ellas siguen un largo proceso judicial contra las decisiones de los tribunales supremos de sus respectivos países que se oponen a su retorno. Existe una gran desconfianza de los gobiernos occidentales sobre sus actitudes reales y de hecho en Al-Roj sigue habiendo pequeños grupos de mujeres que siguen apoyando al Isis y agreden a las que muestran su arrepentimiento.

Seguramente habría que analizar caso por caso, conocer las circunstancias que llevaron a que estas mujeres se dejaran seducir por los videos de propaganda de las redes sociales y que se toparon con una realidad que les obligaba a casarse , convertirse en esclavas sexuales y ser aisladas de cualquier información del exterior. Vivieron un clima de terror y sumisión total a sus controladores.

En 2022, sesenta y cuatro mil mujeres y niños permanecen todavía en campamentos gestionados por la población kurda en el noreste de Siria. Algo habrá que hacer.  Documentales como el de Alba Sotorra pueden acercarnos a una situación compleja y delicada pero que no puede derivar en un nuevo Guantánamo.

(PUBLICADO en LA VOZ. 24-1-22)

 

 

 

MAIXABEL Y EL BUEN PATRÓN MEJORES PELÍCULAS DE LOS FEROZ

 

 

 Pues no me equivoqué en cuanto a las mejores películas porque tanto “Maixabel” como “El buen patrón” consiguieron los premios en el apartado de drama y comedia, respectivamente. Donde no acerté ni de lejos fue en el premio al mejor director que recayó en Rodrigo Cortés por “El amor en su lugar”, una película que ha pasado desapercibida y que no entraba en ninguna quiniela ni para el propio Cortés que confesó no tenía la más mínima esperanza de llevarse el Feroz.

Fueron los premios más esperados de una gala que, como siempre, tuvo algunas salidas de tono; desaforado entusiasmo de algunos de los premiados y momentos de mal gusto como la absurda broma de sustituir el recuerdo a los fallecidos en 2021 por los que habían perdido el ave con destino a Zaragoza(¿???)

En mi quiniela tampoco fallé el premio de mejor actor para Javier Bardem y “El buen patrón”, película que también mereció el de mejor guion, como esperaba. No fue lo mismo en el apartado femenino donde Petra Martínez a sus 77 años mereció el Feroz por su interpretación de  “La vida era eso”, excelente en su papel, aunque yo confiaba en que Blanca Portillo lo hubiera ganado por “Maixabel”. La película de Iciar Bollain obtuvo el Feroz en el apartado de mejor actor de reparto para Urko Olazábal.

Otra actriz con una larga trayectoria, Aitana Sánchez Gijón ganó el de reparto por Madres Paralelas, uno de los tres premios que obtuvo la película de Almodóvar junto al de música original, Alberto Iglesias, y mejor cartel.

En estos premios que quieren ser trasgresores y diferentes ,aunque a veces estén reñidos con el buen gusto, “Venga Juan” se llevó el de mejor serie de comedia mientras “Cardo” ganó el Feroz de la mejor serie dramática y sus responsables no pudieron disimular la alegría subiendo en tropel a recoger el premio y hablando atropellada e inconexamente. La verdad es que en las series no di ni una, bueno, si la de mejor actor de reparto para Enric Auqer por “Vida perfecta”. En actor protagonista Javier Cámara (“Venga Juan”), María Pujalte por la misma serie, en reparto y Ana Rojas ganadora del Feroz como actriz protagonista por “Cardo”.

“Espiritu sagrado” y “Sedimentos” ganaron respectivamente el premio Arrebato de ficción y no ficción, respectivamente. Estos galardones reconocen nuevas propuestas y aportaciones

Son los primeros premios de 2022 porque los Forqué, acertadamente, se entregaron en diciembre para evitar el atasco de galardones que se produce estos primeros meses del año con los Feroz, los del Círculo de Escritores Cinematográficos y por supuesto los Goya, sin citar los propios de las cinematografías autonómicas.

Si miramos a los Forqué y sumamos los Feroz “El buen patrón” y Javier Bardem parecen favoritos de cara a los Goya y Blanca Portillo y Petra Martínez aparecen empatadas ,con un galardón cada una.

El 12 de febrero en Valencia la respuesta.

LOS FEROZ YA MUERDEN

 

 

Esta tarde-noche conoceremos los ganadores de los premios Feroz que se harán publicos en el trascurso de una gala en Zaragoza.

“El buen patrón” y “Madres paralelas” con nueve y ocho candidaturas parten como favoritas en una ceremonia en la que también está bien colocada “Maixabel”, la película de Iciar Bollaín que es otros de los grandes títulos del año.

De hecho, para mí es la favorita en el apartado de mejor película dramática; directora, con permiso de Fernando León y “El buen patrón” y actriz, por el excelente trabajo de Blanca Portillo.

Lo mejor de estos premios es que se distingue entre drama y comedia y esto me permite tener la convicción de que “El Buen patrón” ganará en este último apartado junto a Javier Bardem, como actor y Fernando León obtendrá el correspondiente de mejor guion.

En actor de reparto me inclino por Chechu Salgado y su papel en “Las leyes de la frontera” aunque lo tendrá difícil porque su película ha tenido menos recorrido que “El buen patrón” o “Maixabel” que también tienen sus candidatos.

En cuanto a la actriz de reparto me han gustado mucho Anna Castillo por “La vida era eso” y Milena Smit por su trabajo en “Madres paralelas”. Quizá habría que crear el premio de revelación como ocurre con los Goya donde Almudena Amor, también candidata en esta especialidad, figura en todas las quinielas por su trabajo en “El buen patrón” y hay películas tan excelentes como “Libertad” y “Espíritu sagrado” que han sido nominadas pero que me temo se irán de vacío, así como

Habrá también Feroz para mejor música original.  cartel y trailer, estos dos últimos diferenciadores de otros premios, así como los propios de series televisivas y de plataformas tanto en el apartado dramático como de comedia.

No he visto todas las que compiten por eso apuesto por “La fortuna”, de Alejandro Amenábar y “Por Reyes de la Noche”, en cuanto a comedia. Veo a Javier Gutiérrez como favorito de mejor actor por esta última serie y a Candela Peña como mejor actriz por “Hierro”.

Como actriz de reparto me inclino por Itsaso Arana POR “Reyes de la noche” mientras Enriq Auquer es mi favorito como actor de reparto por su papel en “Vida perfecta”.

Donde no me equivocaré es en el Feroz de Honor que ha recaído en la realizadora Cecilia Bartolomé directora de películas como “Lejos de África” v “Vámonos, Bárbara”, y una de las primeras directoras en hacerse un hueco en nuestra industria.

No sé si daré en el clavo con los favoritos , sobre todo, en las series, pero cuanto menos he dado mi valoración en las que he tenido ocasión de ver. Solo deseo lo mejor para los Feroz y su gala en Zaragoza que podéis seguir en directo en el canal youtube a partir de las 19.30 con la llegada de los famosos a la alfombra roja y la ceremonia a partir de las 22.00 en el Auditorio de Zaragoza. 

OTROS ESTRENOS DE LA SEMANA (28-1-22). "Belfast" en la memoria.

 

BELFAST (99’)  Kenneth Branagh hace ya mucho que demostró que, además de un excelente actor, es un solvente director que con  “Belfast” apunta fuerte de cara a los Oscar .

Como hiciera Alfonso Cuarón con “Roma”, Branagh recurre al blanco y negro para recrear una historia con tintes autobiográficos en la capital de Irlanda del Norte, durante los[EM1]  años 60 con las enfrentamientos entre las tropas británicas y el IRA y las notables diferencias entre protestantes  y católicos  Una historia mirada a través de los ojos de un niño que recuerda los sermones religiosos, la ausencia del padre,  las discusiones de pareja pero también los juegos y  la satisfacción que le producía acudir al cine. “Belfast, es una historia profundamente humana y un ejercicio de la memoria y la recuperación de aquel tiempo perdido. Por todo lo que he oído es uno de los títulos que hay que ver.

Ciarán Hinds, Judi Dech y el joven Jude Hill encabezan el reparto de la nueva película de Kenneth Branagh.

LANSKY (119’)

El norteamericano Eylan Rockawan dirige este biopic sobre la vida del famoso gánster Meyer Lansky, ahora retirado en Miami, a pesar de que durante décadas fue investigado por el FBI que sospechaba que el capo mafioso había escondido millones de dólares de su larga etapa delictiva. Lansky está interpretado por Harvey Keitel.

PRISIONEROS DE GOSTLAND (103’)   

También de EEUU nos llega este filme de Ston Sono con Nicolas Cage como reclamo en esta cinta que entremezcla suspense y terror. Cage interpreta a un asesino que es obligado a romper la maldición de un siniestro lugar para rescatar a una niña secuestrada que ha desaparecido misteriosamente.

LA ABUELA (100’) 

Publiqué un comentario en este mismo blog  el 4 de enero. Ya sabéis terror del clásico de la mano de un especialista como es Paco Plaza (“Verónica” o “Romasanta”)

NO SOMOS NADA (110’). 

Un documentalista tan experimentado como Javier Corcuera (“La espalda del mundo”) rodó la gira de despedida del grupo  “La Polla Récords” y ahonda en la figura de su carismático líder Evaristo Páramos.  Cuatro décadas de un grupo emblemático dentro de la música punk española.

 

TODO HA IDO BIEN (113’) “Sobrevivir no es vivir”

 

Si “En un muelle de Normandía”, Juliette Binoche demuestra su enorme calidad como actriz . Sophie Marceau no le va a la zaga en la última propuesta de François Ozon, “Todo va bien”, en que el prolífico realizador francés se basa en el relato homónimo y autobiográfico de quien fuera su coguionista en películas como “Swimming Pool”, Emmanuèle Bernheim.

“Todo ha ido bien” supone la vuelta de Ozon a un cine más dramático y social tras ,posiblemente, su filme más romántico, “Verano del 85”, y lo hace abordando una cuestión compleja y difícil como es la eutanasia.  ¿Qué deben hacer las dos hermanas protagonistas cuando su padre, tras sufrir un ictus, les pide que le ayuden a morir…

El veterano André Dussollier es ese padre enfermo que les dice a sus hijas que “sobrevivir no es vivir” que, prácticamente todo lo que le gustaba de la vida ya no va a ser posible y que en el fondo no quiere depender de nadie.

En Marceau, la principal destinataria de los deseos de su padre, se da no solo un conflicto ético si no emocional.  Ozon, con su habitual maestría no toma partido, deja que el espectador siga el proceso y sea testigo de la decisión de un hombre mayor, pero dueño de sus decisiones. El director francés expone y relata todo el proceso que debe llevarse a cabo para aplicar una decisión así, en un país que como  Francia no ha sido legalizada la eutanasia y lo hace apoyándose en un gran grupo de actores como los ya citados más Geráldine Pailhas y las veteranas Charlotte Rampling y Hanna Schygulla.