SIEMPRE NOS QUEDARÁ EL VERANO PARA VER EL OTRO CINE: Brasil("Tres veranos"); Finlandia ("Damas de hierro") y Bulgaria ("Pequeños milagros en Peckham Street”)

 

Los otros tres títulos que comento esta semana están también dirigidos por mujeres. Desde Brasil, Finlandia y Bulgaria tienen mucho que contarnos

 

TRES VERANOS”(94’) es la última película de la directora brasileña Sandra Kogut, video artista durante más de quince años y posteriormente documentalista. Su tercer largometraje de ficción, tras “Campo grande”(2015)es un retrato alegórico de la situación socioeconómica y política generada en los últimos años en Brasil. Corrupción de empresarios y políticos, crisis económica las diferencias entre pobres y ricos nos plantean una situación no muy alejada de la realidad actual.

El guion nos sitúa en un microcosmos, en un espacio deliberadamente acotado por la directora. Es una familia muy rica y en el mismo espacio los sirvientes que tiene a sus órdenes. Algunos críticos la sitúan en la esfera de “Parásitos”, pero da la impresión que cualquier película que muestre situaciones como las que planteo, va a compararse o situarse en la estela de la película surcoreana.

La acción se desarrolla en tres veranos brasileños, desde las navidades de 2015 a las de 2017 y prácticamente toda la narración trascurre en el interior de la gran finca. Una sencilla trama muestra la desmembración de una familia de clase alta. De manera paralela se muestra la reacción del personal doméstico de la mansión ante la situación creada por la detención de su jefe. Un personal encabezado por Madá, el ama de llaves, una mujer de unos cincuenta años que es respetada por sus compañeros y por el abuelo, un nonagenario, que se queda en la casa después de que sus hijos y el resto de la familia, sean detenidos o salgan huyendo. El abuelo representa el hombre honesto, culto que entretiene su tiempo entre los libros y la música y que se siente defraudado por la actitud de su hijo.

Los sirvientes se quedan en la casa porque, entre otras cosas, no perciben sus salarios. Madá , interpretada por una excelente Regina Casé, se pone al frente de la supervivencia. Junto, con el abuelo busca soluciones para evitar la ruina económica , recurriendo al ingenio y la creatividad.

El tercer título que destaco esta semana es “Damas de hierro”(92’), segunda película dirigida por la actriz finlandesa Pamela Tola quien construye una road movie, protagonizada por tres hermanas septuagenarias. La directora de “Swingers”(2018) construye una comedia negra en que narra como Inkeri, de 75 años, golpea a su marido con una sartén y antes de llegar a enterrarlo en el jardín, decide huir para evitar pasar en prisión el resto de su vida. Se lanza a un enloquecido viaje por Finlandia con sus hermanas Sylvi y Raili, que no la desmerecen en edad.

Es un viaje para los reencuentros, pero también para bailar hasta caer agotadas, permitirse algunas noches locas o recoger a los autoestopistas más atractivos. Van a seguir viviendo la vida con tiempo para todo y algunas sorpresas que irán surgiendo a medida que avanza el metraje.

 

No son una, si no dos, las directoras que dirigen “Pequeños milagros en Peckham Street”.

Vesela Kazakova y Mina Mileva, que estrenan su primera ficción. Se trata de una comedia dramática ambientada en un bloque de pisos londinenses. Un filme que sigue la estela del realismo social británico y que cuenta como Irina, una madre soltera búlgara que vive en el Londres del Brexit , entra en conflicto de sus vecinos por el proceso de rehabilitación urbanística y social de su complejo de viviendas; la xenofobia y un gato. que complica su vida.

 

“Pequeños milagros…mezcla el drama y la comedia y muestra la visión que un grupo de inmigrantes tiene sobre el Reino Unido. Es una película que, como el cine de Ken Loach, da voz a la clase obrera, aunque Irina y su hermano sean titulados universitarios, a los que no se reconocen sus carreras como suele ocurrir con muchas de las personas inmigrantes o refugiados que dejan sus países. 

La pareja de realizadoras búlgaras consiguen darle gran autenticidad a la historia que relatan en pantalla, siempre con un toque de humor..

 

 

 

 

 

 
 

 

 

"MADRES VERDADERAS": POESÍA CON MAYÚSCULAS

 

Este primer fin de semana de agosto la cartelera tiene nombre de mujer. Historias con las mujeres como protagonistas y con cinco mujeres detrás de la cámara.

Me ha sorprendido por su belleza estética, con unas imágenes que sorprenden y una historia, en realidad varias historias que no puedes dejar de lado, la película japonesa “Madres verdaderas”(140’)  de Naomi Kawase directora de filmes como “Shara”, quien aborda un proceso de adopción y la mirada de diferentes madres y  su concepto de la maternidad. La protagonista,Satoko no puede quedarse embarazada y tras una serie de pruebas médicas descubre que, es su marido quien tiene problemas de fertilidad.

Convencidos por una asociación que se dedica a la adopción, la pareja protagonista adopta a un bebé recién nacido y antes de marcharse conocen a la madre biológica, una niña de catorce años.

La acción se centra tres años después con el niño asistiendo a la guardería y sabiendo que tiene una madre biológica en Hiroshima .Es entonces cuando aparece Hitari,una chica desconocida que dice ser su madre y amenaza a la pareja con arrebatarles el niño si no recibe una suma de dinero.

Amor entre adolescentes

El filme se construye sobre una serie de flash-back que narran la vida de la niña cuando se quedó embarazada de quien creía el amor de su vida. Sus padres rechazan el embarazo y al no poder abortar por ser muy avanzado, deciden enviarla a un centro donde sea cuidada hasta que nazca el bebé y sea dado en adopción.

“Madres verdaderas” es una película filmada con una gran claridad, elegante y absorbente.  El viento, las visiones del paisaje envuelven a los personajes que muestran toda su humanidad. La critica en Cannes, Toronto y San Sebastián refrendó la poética de este filme que se detiene también en el análisis de la maternidad, entendida de diferentes maneras.

 

(AUDIO) NOTAS DE VIDA.(4)

 Despedimos un mes de julio que nos ha recordado casi todos los días que estábamos en verano. Mucho calor en una ciudad con no demasiado trafico y con las calles, las terrazas llenas al caer la tarde. 

Una escapada a la sierra, un día en casa para ver el jardín que, por primera vez, en más de cuarenta años, no he tenido ocasión de disfrutar en un mes de julio.

(AUDIO) NOTAS DE VIDA.4. PINCHAR AQUÍ

También estuve en La taurina, en Manzanares el Real

Buen mes de agosto, buenas vacaciones.

EL EFECTO MARCUS

No hablo de salas, pero sí de plataformas donde este próximo uno de agosto se estrena la quinta entrega de los casos del Departamento Q, una serie literaria nacida de la pluma del escritor danés, Jussi Adler-Olsen

“El efecto Marcus” que así se titula( 125’) se une a títulos como “Misericordia” o “Profanación”. La novedad de este quinto títulos es que los detectives protagonistas Carl Mork y su ayudante tienen nuevo rostro en pantalla ya que son interpretados por Ulrich Thomsen, uno de los actores daneses más reconocidos internacionalmente, protagonista de títulos como ”Celebración”, “La comuna” o la serie “Banshee” y Zaki Youssef protagonista de una película tan reconocida como “Hijos de la ultraderecha".

Todas las películas de esta saga son muy entretenidas y aunque ha habido cambio en los rostros de los protagonistas, “El efecto Marcus” no es una excepción. Aquí la pareja de policías trata de buscar la relación entre un niño rumano de catorce años y un funcionario acusado de pedófilo, desaparecido años atrás. El niño porta el pasaporte del funcionario que, estaba vinculado a importantes programas de ayuda a África y la exhaustiva investigación que llevan a cabo la pareja de policías permite desentrañar la trama de corrupción que rodea que rodea al caso.

Dirige Martin Zandvliet, responsable de la notable “Land of mine” ,película relacionada con la II Guerra Mundial y en la que se detalla como un grupo de jóvenes prisioneros alemanes fue obligado a desactivar miles de minas plantadas por los nazis, en la costa danesa. La tenéis en Filmin como “El efecto Marcus”, a la que también tendréis acceso en plataformas como Amazon, Movistar + o Rakunen TV.

DONDE CABEN DOS (1)

 

 

Hace muchos años, más de cuarenta, el sevillano Gonzalo García Pelayo estrenó  “Frente al mar” que se definió como la primera película que trataba el intercambio de parejas. El eslogan publicitario fue concluyente: “Lo comprendemos. Usted no lo haría, pero existe”.

El resultado fueron 265.000 espectadores lo que no estaba nada mal para una película pequeñita, con tres parejas de actores aficionados que se desnudaban, filosofaban y hacían el amor con la vecina o el primo en un chalet junto a la playa de Chipiona.

Aquello fue en 1979 y ahora en 2021 llega la refrescante “Donde caben dos”(100’) en donde dieciséis actores de primer nivel nos cuentan lo conveniente o no de cambiar de pareja . Cinco historias que nos hablan de la rutina de pareja ,de una novia desesperada porque ha perdido su anillo de compromiso, en una noche desenfrenada ; un joven decepcionado por su última relación amorosa; el reencuentro de dos primos que se atraían en su juventud. Todos se entremezclan en el Club Paraíso, un lugar sofisticado y elegante donde caben todas las fantasías y todas las realidades. Todos los protagonistas se dan cita en ese club salvo dos matrimonios que tienen una cena informal, de amigos íntimos, y cuyo postre deparará más de una sorpresa.

Una comedia coral, dirigida por Paco Caballero (“El vecino”) con buenos momentos, que resulta divertida y en la que en teoría las pasiones y los impulsos deben tomar el control. Parece fácil de decir, pero es más difícil de ejecutar porque todos tenemos prejuicios y dudas a la hora de hacer realidad nuestras fantasías. Ernesto Alterio, Raúl Arévalo, Luis Callejo, María León, Verónica Echegui. Anna Castillo, Miki Esparvé, Álvaro Cervantes, Ricardo Gómez, Pilar Castro, María Morales, Ana Millán, Aixa Villagrán … configuran este talentoso reparto que nos trasmite un humor inteligente y ácido que no cae en la chabacanería

 

"LISTEN". Buen cine portugués a la espera de distribuidor.

 

“Listen” de la portuguesa Ana Rocho de Sousa, que ganó el premio de mejor ópera prima y el especial del jurado en el Festival de Venecia, entre otros galardones, no se ha estrenado comercialmente en España y su presentación en nuestro país no se produjo hasta el pasado martes en que inauguró el Festival de Cine Ibérico de Badajoz.

Es una historia terriblemente dura, basada en la historia real de una familia portuguesa que emigró a Londres y que lucha por mantener su unidad pese a la precaria situación económica en que viven.

Los protagonistas son unos padres que viven muy humildemente pero que cuidan y se preocupan por sus hijos, pero los implacables Servicios Sociales ingleses deciden arrebatárselos porque consideran que una de sus tres hijos, que es sordomuda, está siendo maltratada físicamente. Lo que queda sobre todo en entredicho, como ocurrió con “Lady Bird, Lady Bird”,de Ken Loach,  es la deshumanización de los servicios sociales británicos, ajenos a cualquier reclamación o explicación y amparándose exclusivamente en la burocracia y las normas establecidas. Destaca la interpretación de Lucia Móniz, una conocida cantante portuguesa que imprime gran fuerza interpretativa al personaje de la madre.

Es una nueva lucha de David contra Goliat. De unos inmigrantes enfrentándose al complejo sistema británico, recibiendo ayuda prácticamente clandestina, para poder demostrar que, su único delito es ser pobres. Son más que esclarecedoras las secuencias en que madre e hija intentan comunicarse por el lenguaje de signos y el funcionario de turno se lo impide porque solo les permiten expresarse en inglés.

La película ha tenido enorme éxito en Portugal y es una firme candidata a los equivalentes a los Goya que se concederán en septiembre. Cine social ,cine que es testimonio del tiempo que vivimos.

EL VIAJE DE SUS VIDAS o aquellos maravillosos años.

 

 

Ya os adelanté algo en mis comentarios de audio de la semana pasada, pero “El viaje de sus vidas”(100’) cuenta como tres amigas deciden regresar al lugar donde estuvieron con una cuarta que falleció debido a un cáncer. En su lugar ,las acompaña la hija de ésta una chica de 17 años que ,en momentos se deja llevar por las excentricidades de las tres protagonistas.

Dirigida por la británica Jules Williamson , “El viaje de sus vidas” es también un homenaje póstumo a la actriz Kelly Preston, quién falleció en julio de 2020. Es pues el último trabajo de Kelly que en el filme interpreta a una actriz de éxito en televisión ,por lo que película se convierte en sí misma en un homenaje a la actriz ,esposa de John Travolta.

No es una road movie, pero si un tren-movie, porque las tres amigas( Sally Philips, Jenny Seagrove) y la huérfana(Elisabeth Dormer-Phillips) deciden cumplir la ultima voluntad de la fallecida, realizado el viaje en Interrail que hicieron al terminar la universidad.

Empiezan en Londres y el objetivo final es terminar en la catedral de Palma de Mallorca ,pero antes pasan por Francia e Italia ,además de otras ciudades españolas como Gerona. La historia está basada en la propia experiencia de la directora debutante quién junto a sus amigas realizó un viaje similar cuando terminó en la universidad.

“El viaje de sus vidas”, es demasiado convencional y previsible. No hay nada que te llame la atención y se deja ver mientras la historia trascurre, sin sobresaltos. Las amigas han llevado vidas convencionales o más alocadas en el caso de Kelly y ese viaje pretender ser un vuelco a todo lo vivido y reencontrarse con aquellos felices años en que no había un mañana. Lo malo es que creo que no lo consigue. Dos veteranos como Judy Dench y Franco Nero tienen un pequeño papel en la película.

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DOS. Una extraña relación.

 

 

Qué pasaría si nos despertáramos en una cama, de una habitación desconocida ,junto a un extraño, sin saber que está ocurriendo.

Habríamos bebido demasiado y acabamos en la cama con un extraño. Un hombre y una mujer desnudos en esa habitación indeterminada, con todo cerrado, sin poder salir de ahí porque ambos, además, han sido unidos, cosidos por el abdomen.

Dos”(70’)es la nueva propuesta de Mar Targarona  (“El fotógrafo de Mathausen”) que llega a los cines esta semana con Marina Gatell y Pablo Derqui como la pareja protagonista que intenta desentrañar que les ha ocurrido para estar en ese habitáculo y convertirse en inseparables.

La narración trascurre entre recelos, dudas, acusaciones ,miedos de una pareja que cualquier movimiento que haga les supone un enorme esfuerzo y una dosis añadida de dolor. Buscan la manera de separarse después de desvelar y uno a uno sus secretos más íntimos y tratar de saber quién les ha encerrado en esa habitación sin posibilidad de huir.

Las luces se apagan cuando se acercan más de la cuenta y un teléfono, ancestral, suena sin que nadie les responda.

“Dos “, tiene una dosis de suspense, un aroma de thriller con tintes de terror intentando saber que ha ocurrido para que la pareja protagonista se vea en esa situación. El peso recae por completo en la pareja protagonista que consigue transmitir una amplia gama de sensaciones en esta extraña y cuanto menos original película de la directora catalana y solo nos descubre el pastel en los últimos cinco minutos de la cinta.

 

 

 

(AUDIO) NOTAS DE VIDA 3 (21 de julio)

 

Sigo contando historias de vida y andares por este Madrid agotador, por el calor que nos acompaña desde hace varios días. En Callao nos jugaron una broma con 40 grados.

 

(AUDIO) NOTAS DE VIDA 3 . (PINCHAR AQUÍ)

Esta tarde en POR TRES RAZONES: Con Mamen Asencio

PELIGRO:REFUGIADOS. (PINCHAR AQUÍ)

"AMA" : ¿Una buena madre?

 

 

“Ama”, que llega este fin de semana a numerosas carteleras españolas, es la actriz sevillana Tamara Casellas que, ya desde aquí la veo, como firme candidata al Goya.

Su voz, su energía dramática la convierten en una actriz de carácter, con enorme fuerza que acapara todo el sentido narrativo de “Ama”, opera prima Julia de Paz Solvás que ha construido la película tras el cortometraje que realizó hace algún tiempo.

Tamara, que ya ganó la biznaga de plata en el último festival de cine español de Málaga, es una madre joven a la que le cuesta aceptar su papel porque no quiere renunciar a su vida de discotecas , noches alocadas y drogas. Al regreso de una de sus noches la amiga que vive con ella le exige que se vaya. De la noche a la mañana se ve en la calle, sin encontrar un lugar donde dormir en una ciudad levantina que vive el verano de fiestas y turistas.

Uno tras otro le van surgiendo los problemas. Nadie quiere acogerla y la precariedad de su trabajo no le permite encontrar donde dormir.

“Ama” es un paseo sin rumbo por las calles y las playas, marcado también por el pasado de su tóxica relación su madre. Tamara, Pepa en la película no es una buena madre en el concepto al que estamos habituados. No tiene recursos económicos, pero tampoco emociales para cuidar de Leila, su hija, de apenas seis o siete años. Su itinerario por la ciudad está lleno de rabia, de impotencia porque puerta tras puerta ,se  cierran a su paso. No podemos dejar de mirar a Pepa que nos está diciendo que no la juzguemos, aunque lo hagamos. La película me acerca al cine social europeo y en particular al de los hermanos Dardenne, que muestran su influencia no solo en la construcción de la historia sino en la manera de rodar, de otra firme candidata al Goya, en el apartado de revelación, Julia de Paz Solvás.

La película está rodada en Sevilla, Alicante, Benidorm, Alfás del Pi y  la playa de Albir y sufrió diversos avatares ya que hubo de suspenderse debido al confinamiento.

(AUDIO) NOTAS DE VIDA 17 de julio.

CASA EMILIO(López de Hoyos 98) cerveza bien tirada, de toda la vida

Lo cotidiano y lo no extraordinario. Días en un Madrid cada vez más solitario mientras el virus sigue creciendo y amenaza el mes de agosto. Pero hay más cosas. ARREGLADO EL FALLO EN LA AUDICIÓN

NOTAS DE VIDA 17 (PINCHAR AQUI)

AMALIA EN EL OTOÑO. La vida de los mayores.

 

 

Es un tema manido, pero del que se hace eco con frecuencia la cinematografía de todo el mundo como es el cuidado de los mayores, consecuencia directa del envejecimiento de la población.

El problema de “Amalia en el otoño” es que no ha sido capaz de ahondar en ninguno de los personajes, salvo quizá el que interpreta María José Alfonso. La película tiene buenas intenciones, pero se queda en un esbozo, en un intento, no sé si por el guion o el propio montaje. Su resolución es muy precipitada.

La película iba a ser estrenada en noviembre de 2020 y su rodaje coincidió con la pandemia como queda reflejado en alguna de las secuencias, ya que Amalia decide continuar en el centro cuando el virus comienza a hacer estragos entre la población y particularmente en los mayores.

“Amalia en el otoño” describe como casi una octogenaria, María José Alfonso, ingresa en una residencia por empeño de su hija que debe trasladarse a Suiza. Entra en la residencia sin oponer resistencia y enseguida congenia con dos amigos, que son los picaros y vividores ,de cualquier centro de mayores.

Los veteranos Máximo Valverde y Manuel Zarzo encarnan a esos personajes que intentan vivir lo que les queda de vida de la mejor manera posible y ambos junto a Amalia hacen alguna que otra escapada por las calles de Madrid, ante la complicidad del director del centro.

Vemos entre los residentes a otros ilustres actores como Saturnino García o Jesús Guzmán y entre el personal de la residencia a Guillermo Montesinos, pero todos pasan como un suspiro.

En un filme coral, la pareja de directores y guionistas Anna Utrech y Octavio Lasheras, abordan también algunas cuestiones sociales, pero sin demasiada acritud como el egoísmo de los hijos, la soledad de los mayores o la vida en las residencias. También hay hueco para el exmarido de la hija de Amalia, la nieta y hasta la historia de amor que viven la cocinera de la residencia y un repartidor. También hay lugar para la presencia de un acosador que no solo pretende controlar a su mujer que trabaja en el centro, si no que intenta flirtear con la joven que se ocupa de la peluquería.

Buenas intenciones, pero un resultado fallido quizá por el bajo presupuesto o la situación vivida como consecuencia de la pandemia.

LAS APARIENCIAS: Infidelidad, celos y vanidad

 

 

Llega un nuevo thriller francés, “Las apariencias”, en este caso ambientado en Viena , en las esferas de la alta burguesía ,con personajes de vida artificial y confortable.

Karin Viard es Eve la mujer de un famoso director de orquesta ,Benjamin Biolay que trabaja en la ciudad de sus sueños y seguramente en los de cualquier músico.

La relación entre ambos es fría pero correcta , mantienen las apariencias en las reuniones con amigos, la mayor parte de la colonia francesa en la capital austriaca y prolongan esa distancia incluso con su hijo adoptado que parece un objeto más de la lujosa casa en que viven.

Las cosas comienzan a cambiar cuando Eve descubre que su marido la engaña, que tienen una relación con otra mujer. Eve hace todo lo posible para vengarse con tal de no perder su status porque por encima de todo solo le interesa el prestigio y las apariencias.

Ni siquiera le interesa dejarse seducir por un chico atractivo y mucho más joven que ella que irrumpe en su vida, una de esas noches en que su marido le engaña asegurándole que tiene que viajar por motivos de trabajo. Solo, insisto le afecta aquello que desestabilice su confortable vida a la que no quiere renunciar bajo ningún concepto.

En “Las apariencias” todo es elegante y sofisticado. Los escenarios, los personajes, sus vestidos, sus conversaciones sin palabras malsonantes…Son protagonistas de un mundo feliz que, por una serie de circunstancias se irá tambaleando y en el que dirigir una prestigiosa orquesta en Viena o la biblioteca francesa en la capital austríaca, no son obstáculo para que la pareja protagonista baje a la tierra. Un filme dirigido Marc Fitoussi y del que apenas hemos visto nada en España, salvo “Luces de París” y “Copacabana”, que no puede obviar la influencia que ejerce en su película el cine de >Claude Chabrol y aquellos maravillosos thrillers relacionados con la alta burguesía francesa,

 

(AUDIO) NOTAS DE VIDA (julio 2021)

 

Estas son historias cotidianas …Historias que os contaré mientras me sienta con ganas y con fuerzas, aunque no valgan para nada, pero quizá alguno se sienta identificado y comente sus propias anécdotas y vivencias del tiempo presente y de aquel que dejamos atrás.  

La cerveza en una terraza o la añoranza de la barra de un bar; la calma de las playas al amanecer o las olas que rompen furiosas cuando se acerca la noche; los bosques oscuros en que se entremezclan personajes y cuentos de infancia o las montañas en las que rozas las nubes. ..

 

 

 Notas de vida julio 21

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En  “Notas para unas memorias que nunca escribiré”, Juan Marsé muestra su desprecio por políticos, escritores, periodistas, pero también su gran amor por su nieto Guille o los cuidados a su perro Simón. Se refleja su pasión por la literatura y la lectura , pero también por el cine y sus ganas de nadar, de seguir zambulléndose lo más asiduamente posible a pesar de que, pasaba de los setenta cuando escribió aquellas notas…Marsé falleció el 18 de julio de 2020, la semana que viene hará un año de su muerte

No se llama Simón pero si Ringo y es mi nuevo amigo portuense.

UNA DE ESPÍAS( "La mujer del espía",) en el Japón de la II Guerra Mundial

 

La tercera excelente película de este fin de semana lleva por título " La mujer del espía"(115’.) y está dirigida por el japonés Kiyoshi Kurosawa, que no tiene nada que ver con el maestro Akira, 

El prolífico director japonés con más de cuarenta películas de todos los géneros en su filmografía ,ganó el León de Oro al mejor director en la última edición de Venecia por este drama con aroma a thriller de espionaje ambientado en los inicios de la II Guerra Mundial en la ciudad japonesa de Kobe.

Una historia de amor, en que el director no esconde su admiración por Hitchcock, y en la que asistimos al despertar político de los personajes, coincidiendo con el tono totalitario del Japón de aquellos años cuarenta y al siniestro papel que jugó la comunidad científica nipona como responsable de crímenes de guerra, torturas o experimentos con seres humanos. Toda una serie de elementos y situaciones que llena de interrogantes un argumento en que te preguntas ¿Quién es el traidor? o ¿Quién engaña a quién?

Kurosawa, autor de filmes como “Tokyo Sonata”, realiza una de sus mejores películas y una muestra de su tremendo amor por el cine que ha quedado reflejado a largo de su extensa carrera, en que ha dejado a un lado sus películas de terror, ciencia, ficción o de samuráis para introducirnos en el mundo del espionaje donde la mentira y la verdad se confunden y donde la traición forma parte de la propia esencia de los personajes.

LA HIJA DE KARL MARX ,socialista y feminista

 

En "Miss Marx "(107’) lLa  italiana Susanna Nicchiarelli construye su particular biopic de Eleanor Marx (Romola Garai),hija de Karl Marx, quién en el último tercio del siglo XIX fue una mujer profundamente activa en defensa del socialismo y el feminismo, convirtiéndose en una pionera de la fusión de ambos movimientos

La directora de  “Nico”, filme sobre la cantante punk de The Velvet Underground,  considera a Eleanor como una mujer trasgresora, una revolucionaria punk que siempre quiso vivir a su manera, sin atarse a ningún canon . Era una mujer de fuertes convicciones, pero al mismo tiempo muy frágil a nivel emocional.  Este hecho también es destacado por la directora italiana que pone el acento en las relaciones con su marido Edward Aveling( Patrick Kennedy) quien dilapidaba alegremente el dinero de su mujer mientras le era infiel, de manera casi compulsiva. Eleanor no le recriminaba nada y siempre se mostró unida a él a pesar de su actitud y de que la arruinó por completo.

La música también juega un papel importante en la película porque según la directora muestra las dos caras de la protagonista, la romántica y la punk con los acordes de Downtown Boys incluso con una versión de la Internacional, compuesta para la película.

Fuerza en la narración y en la música aderezadas ambas con imágenes de archivo que nos muestran un pasado también de reivindicaciones y de situaciones deplorables  como el trabajo infantil que continúa siendo realidad en muchos lugares del mundo.

 

Excelentes películas para este fin de semana: "Queridos camaradas", "Mrs Marx", "La mujer del espía..."

 

Esta semana he visto tres buenas películas, de esas que, cuando sales del cine te das cuenta que has invertido bien tu dinero porque las tres tienen gran calidad cinematográfica. Dos de los títulos que llegan a las carteleras tienen que ver con el marxismo. “Mrs Marx” un biopic muy particular sobre Eleonor Marx, la hija de Karl Marx  y  “Queridos camaradas” que recoge la represión de las autoridades soviética en Novocherkask contra los obreros que se habían puesto en huelga por la abusiva subida de los alimentos, un hecho que ocurrió en los años sesenta del siglo pasado y que fue ocultado durante muchos años por las autoridades soviéticas .

A estos dos títulos se une la película japonesa, “La mujer del espía”, un thriller con tintes de espionaje ambientado en la II Guerra Mundial. No he visto el último y seguro boom taquillero de Santiago Segura “A todo tren: destino Asturias” y el thriller “La viuda negra”

 

 Empiezo con "Queridos camaradas" (121’) que  relata como en 1962, en una Unión Soviética bajo el mando de de Nikita Jrushchov, decenas de obreros murieron víctimas de la represión en Novocherkask y la ciudad fue aislada para que, bajo ningún concepto trascendiera lo que allí había ocurrido.

Andrei Konchalovsky, director de títulos como" Paraíso", recupera aquellos hechos a través de una mujer que busca a su hija desesperadamente después de que desapareciera tras la matanza. León de Oro en el último festival de Venecia, “Queridos camaradas” está rodada en un espléndido blanco y negro que refleja la oscuridad de una dictadura ajena a cualquier reivindicación y que da el tono claustrofóbico adecuado para mostrar con naturalidad la  brutalidad de aquellos sucesos ejecutados por la KGB, de la manera más fría posible.

Una espléndida Julia Vysotskaya, esposa del director, interpreta a Lyuda miembro del comité del partido y convencida comunista al mismo tiempo que  nostálgica defensora de la época de Stalin, ajena por completo a los crímenes que llevó a cabo .Tiene el convencimiento de que el único sistema político que debe existir es el comunismo y se muestra activa en la defensa de los intereses del estado e incluso promueve  a que se tomen duras medidas contra las reivindicaciones de los obreros que ven como suben desorbitadamente los precios de los alimentos, al mismo tiempo que les rebajan los salarios.

Esas reivindicaciones acaban con la muerte de muchos trabajadores asesinados por francotiradores de la KGB ocultos en los desvanes de los edificios. Los supervivientes, tras la masacre, fueron obligados a firmar un documento, bajo amenaza de cárcel, si revelaban lo que allí había ocurrido.

Lyuda no da crédito a la actitud de las autoridades comunistas, del propio ejército, a pesar de estar en desacuerdo con las órdenes que reciben y por supuesto de la KGB . La búsqueda de su hija,  recabando opiniones de testigos, visitando  hospitales y morgues, le van abriendo los ojos de la realidad de su país, donde el estado ejerce un férreo control contra cualquier actividad considerada anticomunista. La suya es la búsqueda de la verdad. como la de cualquier ciudadano.

La transformación de Lyuda es también la transformación de todo un pueblo. Esa mujer fanática, fría, antipática incluso,  comienza a comprender que vive en un estado policial y que la decidida búsqueda de su hija puede también acarrearla problemas con las autoridades que ,en el filme, están todas supeditadas a las órdenes que trasmite la KGB. En un filme muy realista, con una dirección técnica espléndida en que decorados o incluso vestidos responden a la verdad, a cómo eran aquellos lejanos años sesenta en la URSS posterior a Stalin y a un suceso que fue escondido al resto del país y  la comunidad internacional.

"MANDÍBULAS" no para reir pero si para sonreir

 

Esta semana también tenemos cine francés con una comedia disparatada y absurda, “Mandíbulas”(77’) que firma Quentin Dupieux(“Rubber”)

Absurda porque su humor se sustenta en situaciones absurdas, casi surrealistas, con un par de protagonistas que hace oposiciones a ver quién de los dos, da menor talla intelectual.

Los dos protagonistas encuentran en un viejo coche que acaban de robar a una mosca de gran tamaño que aparece de pronto en sus vidas y ambos se plantean amaestrarla para conseguir beneficios económicos, y salir de la precariedad en que viven

En una road movie muy particular, con buenos momentos, cuanto menos, para la sonrisa, y en que los protagonistas son un auténtico desastre.  No cumplen, cuando tenían previsto,  un encargo ; ocupan una caravana en mitad de la nada ; se encuentran con una supuesta compañera de clase; roban un perro o juegan como dos niños en la piscina de un chalet de “pijos”.

En ese chalet hay una chica con un tono de voz muy peculiar como consecuencia de un accidente, papel que interpreta Adele Exarxhopoulos, que acompaña en el reparto a David Marsais, Grégorie Ludic e India Hair, entre otros.

“Mandíbulas” recupera la comedia de colegas, un subgénero que parecía haber perdido su sitio y que encuentra en las solitarias carreteras de la Costa Azul, desprovista de su glamour habitual a unos personajes un tanto anárquicos y muy alejados de las normas más tradicionales

Lo que sí nos encontraremos es, dentro de ese tono de lo absurdo, una comedia que discurre por cauces más tradicionales  y en que los dos protagonistas sustentan su amistad a prueba de bomba en un grito de guerra :“Toro”.

 

UN BLUES PARA TEHERÁN: Los sonidos y los olores de Irán.

 

Javier Tolentino, en su programa de Radio 3,”El séptimo vicio”, daba voz a las minorías,  a aquellos cineastas alejados del gran público con difícil acceso a las un salas comerciales ,al mismo tiempo que se detenía en el llamado cine de autor, en películas independientes que huyen de las presiones y limitaciones que supone el cine de los grandes estudios lo que da mayor libertad y autenticidad al cineasta y por tanto a la película que realiza.

Esa libertad y autenticidad la vemos en “Un blues para Teherán”(80), el primer documental que dirige Javier Tolentino, cuyo estreno prácticamente coincide en el tiempo de su salida de Radio Nacional de España, Radio 3.

La cámara de Tolentino se acerca a la música tradicional y actual de Irán, siguiendo las inquietudes de cada uno de los protagonistas ,al mismo tiempo que recoge testimonios de las gentes de un país que mezcla tradición y modernidad siempre bajo la supervisión de un régimen ultrareligioso. Una película plena de poesía que tiene como eje central a un joven aspirante a director que no encuentra su lugar en el Teherán del siglo XXI. Erfan Shafei se convierte en guía del documental e introductor de otros personajes como el pescador feminista del Caspio o la propia familia kurda de Erfan, profundamente liberal.

Una actitud que contrasta con la dictadura que tiene maniatada a las mujeres que no pueden cantar en público o no pueden llevar el pelo suelto, algo que si ocurre en la película .  Javier Tolentino se pregunta como un país tan culto como Irán, que lo tiene todo a nivel musical, literario o cinematográfico, no seas más tolerante.

“Un blues para Teherán”  es cine, un cine de encuadres minuciosos, detallados que muestra la fascinación que Tolentino siente por Irán y sus gentes y en particular su gran admiración `por el cine de Kiorosmati, Majidi o Panahi y esa manera de entenderlo, tan pausada, tan poética, a la que no es ajena esta opera prima. Seguro que los espectadores también se dejarán llevar por la magia de este blues que trasmite sonidos, sensaciones y olores de la antigua Persia.

EL TELEFONO DEL VIENTO. La historia de una joven atormentada por el tsunami de Japón en 2011

 

Hay un teléfono, una cabina, que está en la colina de Namista Otsuchi en la prefectura de Iwate, en Japón. Se llama  “El teléfono del viento”, nombre que da titulo a esta película japonesa que ha llegado a nuestras salas, este fin de semana.

Ese teléfono está operativo desde que ocurrió el terremoto y el tsunami de 2011 y con el accidente que se produjo en la central nuclear de Fukushima que causaron la muerte a 15897 personas y continúa habiendo a día de hoy 2532 desaparecidos.

Ese teléfono es la manera de sincerarse simbólicamente con quienes ya no están y de hecho han pasado por allí más de 30.000 personas que vuelcan su dolor en las conversaciones que tienen con quienes les dejaron.

Haru era una niña de nueve años cuando sus padres y su hermano fallecieron a causa de la catástrofe. Fue recogida por una tía y se trasladó a vivir a Hiroshima, símbolo mundial de lo que significó una explosión nuclear y las secuelas que dejó y sigue dejando en quienes vivieron aquello y en todos sus descendientes.

La enfermedad de su tía hace que quiera volver a sus orígenes, al lugar donde vivía feliz con su familia y para ello emprende un viaje de más de 800 kilómetros para reencontrarse con su pasado. Atraviesa Tokio, Fukhusima y Otsuchi, donde una vez estuvo su hogar, en busca de respuestas.

Haru vive casi como un zombi. No expresa sentimientos. Tiene un shock que no ha podido superar tras el accidente ocurrido ocho años atrás. Alguno de los que se encuentra en su camino la ayudan y le cuentan sus pérdidas, otros quieren aprovecharse de ella. Sigue haciéndose preguntas cuando llega a su casa, pero nadie le ha dado la bienvenida . ¿Por qué todos y todo han desaparecido? Siente una tristeza infinita 

 Solo puede encontrar algo de paz cuando entra en esa cabina y mantiene esa conversación con el más allá, con la familia de la que no pudo despedirse.

¿En su monólogo la vemos llorar “por qué soy la única que se hace mayor? ; la tristeza que siente en el deseo imposible de volver a ver a sus padres y su hermano; preguntarles si están en el cielo o en el mar , saber como son los lugares en lo que habitan…En ese teléfono encuentra la paz que tanto le ha faltado desde que se produjo la pérdida de sus seres queridos.

“El teléfono del viento”(139’) dirigida por Nobuhiro Suwa es una película plena de poesía, quizá excesiva e innecesaria en su larga duración, pero que deja un poso de esperanza y de salir adelante con una frase que resume todo el sentir de Haru tras su monólogo en la cabina : Un día iré a buscaros. Hasta entonces voy a vivir.

“LA VIDA DE LOS DEMÁS”. Vivir en una sociedad con pena de muerte

 

 

 La pena de muerte continúa instaurada en Irán y no parece que el resultado de las últimas elecciones presidenciales con el triunfo del ultraconservador Ebrahim Raisi no dan perspectivas para una abolición definitiva. No hace mucho en este mismo blog comenté “Yalda. La noche del perdón” en que una joven se enfrentaba a la posibilidad de ser ajusticiada si una hija de la víctima no la perdonaba en un programa de televisión, con una audiencia de millones de espectadores.

Aquella estremecedora película se queda corta ante lo que nos plantea  “La vida de los demás”, del director y escritor Mohammad Rosoulof pendiente de sentencia judicial por mostrar en su cine la represión que ejerce el gobierno de su país. La película que ganó el oso de oro en el festival de Berlín relata cuatro historias, todas ellas vinculadas con la pena de muerte.  Pero son historias cotidianas, de personas que lejos de aparecer como monstruos viven y relacionan con su familia como cualquier otro ciudadano. Hasta los verdugos recogen a sus hijos del colegio, hacen la compra a la madre enferma o ven la televisión con su mujer.

La primera historia es la más impactante, una clase de dirección y guion cinematográficos. Las demás decaen en interés, pero lo importante es el compromiso del director con el público, su defensa abierta de los derechos humanos y las criticas a cualquier régimen totalitario que obliga a los ciudadanos a cumplir sus órdenes.

“La vida de los demás” es un alegato contra la pena de muerte, una muestra de la brutalidad ejercida por el estado en un país como Irán. Cincuenta y cuatro países mantienen todavía la  pena capital como denunció Amnistía Internacional en su informe de 2020.

“La vida de los demás” se suma a títulos míticos que abordan la pena de muerte en narraciones como “Quiero vivir”, “Pena de muerte”, “La milla verde”, “Bailar en la oscuridad”, “A sangre fría” o aquella obra maestra de Luis García Berlanga, titula “El verdugo”.

QUE MALA ES LA ENVIDIA. “Envidia sana”.

 

Un poco de envidia si sentimos del cine francés que de la nada crea una comedia tras otra. “Envidia sana” tiene una estructura muy sencilla e incluso previsible, pero funciona. Cena de cuatro amigos en que cada uno habla de sus proyectos. Lea (Berenice Béjot) trabaja en una tienda de modas y a punto de ser ascendida, la novela que ha escrito es publicada por una prestigiosa editorial y se convierte en un superventas.

Todos sus amigos e incluso su pareja Marc (Vincent Cassel)  sienten una `profunda envidia por el éxito de Lea que no parece entender que las relaciones de muchos años, se estén deteriorando cuando supuestamente todos deberían alegrarse .

Marc ve como sus expectativas se ven frustradas, Karine(Florence Foresti) la íntima amiga de Lea intenta emularla sin éxito, Francis(François Damiens) ve como todas sus ideas caen en saco roto…Ninguno se pone a la altura de Lea y ninguno es capaz de alegrarse de su éxito . Por eso quizá el titulo original nos de la clave : “Le bonheur des uns” que traduciríamos como “La felicidad de algunos”, los demás no quieren asumir el éxito de Lea.

Diálogos brillantes e irónicos en esta cinta que dirige Daniel Cohen (“El chef: la receta de la felicidad”) en una comedia divertida pero que deja algunos momentos amargos y esa incapacidad de los seres humanos por comprender a los demás.  Ya digo a mí, envidia, envidia, me da el cine francés …

 

DROGAS,FLAMENCO y HUMOR :" OPERACIÓN CAMARÓN"

 

Justo en la catedral de Cádiz y el Campo del Sur comienza la primera persecución de “Operación Camarón”, la `película de Carlos Therón  (“Lo dejo cuando quiera”, “Es por tu bien”) que, como tantas otras, ha tenido que retrasar su estreno debido a la pandemia.

“ Operación Camarón” es trepidante y divertida, aderezada con el flamenco-trap  de “Los lolos”, con el Nene al frente de este grupo que se convierten en uno los principales protagonistas de esta comedia coral, en que las canciones son originales del gaditano  Riki Rivera, que ya ganó el Goya de mejor canción original por “El niño”(2014)  

Un cóctel que hace a esta nueva comedia del director salmantino un atractivo producto comercial de cara a este verano y que tiene también como protagonista las calles y las playas de Cádiz y San Fernando . Sevilla ha sido otro de los lugares donde se ha llevado a cabo el rodaje.

“Operación camarón”, como otros títulos recientes rodados en Cádiz y su provincia, como “Antes de la quema”, de Fernando Colomo, tiene como referente el mundo de la droga y  a los narcotraficantes que siguen inundando la provincia y otras zonas de España.

Un niño prodigio, virtuoso del piano, al que auguran un gran futuro acaba convirtiéndose en policía(Julián López) . Como no es el más eficaz del cuerpo es trasladado a Cádiz por recomendación de su tía y madrina que es concejal de agricultura. Su destino son los archivos donde Sebas, oriundo de Valladolid, es aleccionado sobre el carácter de los gaditanos y las cosas de Cádiz por un gallego de La Coruña.

Sus orígenes como pianista hacen que sea captado por la responsable de un grupo antidroga que quiere primero conocer la identidad y después detener al máximo narcotraficante de la zona. Sebas acaba integrándose como teclista en la banda de Los Lolos, un grupo que debe actuar en la boda de la hija de otro de los capos de la zona (Antonio Dechent)

En el amplio reparto figuran también Natalia de Molina siempre brillante ya sea drama o  comedia , Carlos Librado, ”Nene” y los otros integrantes de la banda, Miren Ibarguren, Manuel Burque, Paco Tous, Julián Villagrán y un largo etcétera de actores y actrices que construyen  un fresco en que se entremezcla lo gaditano( excelente el gags del carnaval en comisaría) ,las persecuciones, el mundo de la droga, el compañerismo,  las buenas letras y las buenas canciones y como no, el amor, que tampoco puede faltar.

Una comedia que, en su estructura me recuerda a la ya clásica  “Airbag”, de Juanma Bajo Ulloa por ese tono en que el humor se entremezcla con la acción, en la línea de títulos norteamericanos pero que, realmente me producen más interés cuando se trata de un producto nacional y bien realizado como es el caso de este filme.

“Operación Camarón” hará pasar un buen rato.