Almodóvar en Cannes en una semana con estrenos como el drama italiano "Ocho Montañas" y "Alice, cariño", cine indie sobre maltrato

 

ESTRENOS 19.5.23

 

Cannes está en plena ebullición. El posiblemente, el festival más importante del mundo es una fiesta del glamour y del cine. Poca presencia española salvo la esperada vuelta de Víctor Erice , cuarenta años después con “Cerrar los ojos” y el mediometraje de Pedro Almodóvar “Extraña forma de vida”, con Ethan Hawke y Pedro Pascal. Un western protagonizado por una pareja gay que vuelven a encontrarse y   que llegará a las salas españolas el próximo día 26.  Tras la proyección el cineasta y Ethan Hawke dialogaron sobre la película con una sala abarrotada en la que Pedro Almodóvar comentó su aversión al género cuando era niño y como después fue redescubriéndolo hasta convertir en pasión el western clásico.

En el acto celebrado en Cannes anunció que rodará un largo en inglés en Nueva York y con dos actrices anglosajonas que, no ha confirmado de quienes se trata . Tiene previsto rodar tres semanas en Nueva York en la próxima primavera y los interiores en España.

 

LAS OCHO MONTAÑAS (147’)

DIR: Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch.

INT.: Luca Marinelli, Alessandro Borghi, Filippo Timi, Elena Lietti, Elisabetta Mazzulo

“Las ocho montañas” es la historia de una amistad fraguada desde la infancia. La narración se inicia en los años ochenta y abarca hasta la primera década del siglo XXI, con los protagonistas ya adultos .La montaña como protagonista y testigo de esa larga amistad  

VER COMENTARIO APARTE 

SICA (91’)

DTORA.: Carla Subirana

INT.: Thais García, Nuria Prims, Marco Antonio Florido, María Villaverde.

La naturaleza también es protagonista de “Sica” en que una adolescente se niega a aceptar que su padre ha muerto en un naufragio en la Costa a Morte. Debut en la ficción de la documentalista, Carla Subirana

VER COMENTARIO APARTE 

 

ALICE, CARIÑO (89’)

DTORA: Mary Nighy,

INT.: Anna Kendrick, Wunmi Mosaku, Kaniehtio Horn. Charlie Carrick

El proceso de una joven para ser consciente de que está siendo maltratada psicológicamente. Un filme cuya intensidad va creciendo a medida que vamos metiéndonos en la narración y acercándonos a la relación que mantiene la pareja protagonista.

VER COMENTARIO APARTE 

 

UNA BUENA PERSONA (128’)

DIR.: Zach Braff

INT.: Florence Pugh, Morgan Freeman, Celeste O? Connor, Molly Shannon, Chinaza Uche.

“Una buena persona” es una `película sobre la pérdida y como hay que volver a levantarse tras una tragedia. Zach escribió el guion en plena pandemia junto a la actriz protagonista Florence Pugh que, entonces, era su pareja.

VER COMENTARIO APARTE 

LA GRAN JUVENTUD (126’)

DTORA: Valeria Bruni Tedeschi

INT.: Nadia Tereszkiewicz, Sofiane Bennacer, Louis Garret, Micha Lescot

Valeria Bruni Tedeschi ( La casa de verano) nos traslada a los años ochenta, al Theatre des Amandiers en el suburbio parisino de Nanterre que, en aquella época fue dirigido por el director de cine, teatro y opera Patrice Chéreau.

Aquel escenario, en que trascurre la mayor parte de la acción, era el lugar más deseado por los jóvenes intérpretes o directores que  querían hacer una carrera en el mundo del teatro o el cine y recibir clases de primeras figuras como Michel Piccoli , Catherine Deneuve o Gerard Depardieu.

La protagonista de la película Stella (Nadia Tereszkiewicz) estudia en la escuela de interpretación de Patrice Chéreau (Louis Garrel). Allí, además, de preparase como actriz encontrará el amor, en una época en que el fantasma del sida amenazaba la sociedad.

 

ADEMÁS, esta semana,  TIBURÓN A LA VISTA, película francesa que entremezcla terror y comedia; INCREIBLE, PERO CIERTO, otra comedia firmada por el francés Quentin Dupieux y una nueva entrega, la décima, del filme de acción FAST FURIOUS.

UNA BUENA PERSONA: Salir del infierno tras la pérdida de un ser querido .

 

UNA BUENA PERSONA (128’)

DIR.: Zach Braff

INT.: Florence Pugh, Morgan Freeman, Celeste O? Connor, Molly Shannon, Chinaza Uche.

Zach Braff (“Algo en común”) en su cuarta película como director continúa en su línea de relatar aspectos de su propia vida  al contar experiencias vividas en los últimos años en que familiares cercanos y amigos fallecieron en pocos meses.

“Una buena persona” es una `película sobre la pérdida y como hay que volver a levantarse tras una tragedia. Zach escribió el guion en plena pandemia junto a la actriz protagonista Florence Pugh que, entonces, era su pareja.

Allison, la protagonista, lleva una vida perfecta tanto en lo personal como en lo profesional. Está a punto de casarse con Natham (Chinaza Uche) pero un desgraciado accidente cambia toda su vida.

La película narra la caída a los infiernos de Allison, pero también es capaz de trasmitir humor en los momentos más dramáticos porque el director y guionista es de la opinión de que en la vida drama y humor se mezclan. Busca que sus historias tengan personajes con conflictos, pero en las que haya espacio para la sonrisa. ENTRETENIDA

 

ALICE, CARIÑO : El enemigo está en casa

 

ALICE, CARIÑO (89’)

DTORA: Mary Nighy,

INT.: Anna Kendrick, Wunmi Mosaku, Kaniehtio Horn. Charlie Carrick

Es una película que habla de maltrato sin mostrarlo explícitamente. El personaje protagonista, Alice,  sufre maltrato psicológico, pero no es consciente de lo que le está pasando. Minimiza el daño que sufre, al mismo tiempo que los espectadores van descubriendo y analizando esa relación tóxica que tienen los protagonistas

.

Durante unas vacaciones con sus amigas, en una cabaña alejada del bullicio de la ciudad, Alice va tomando conciencia de la relación que vive con un hombre que de cara a quienes lo conocen, es el novio perfecto. Es un personaje inmaduro, inseguro y controlador que anula la personalidad de Alice que, ante sus amigas se muestra esquiva e irritable, incapaz de reconocer y ni siquiera entender lo que la está ocurriendo.

Un filme canadiense de tono feminista que, trata de forma muy sutil e inteligente, un aspecto del maltrato poco abordado cinematográficamente. Un filme cuya intensidad va creciendo a medida que vamos metiéndonos en la narración y acercándonos a la relación que mantiene la pareja `protagonista.

INTERESANTE

SICA: El mar y la pérdida

 

SICA (91’)

DTORA.: Carla Subirana

INT.: Thais García, Nuria Prims, Marco Antonio Florido, María Villaverde.

La documentalista Carla Subirana hace su debut en la ficción para contarnos una historia en que la naturaleza tiene un papel determinante. La cineasta catalana narra la obsesión de una adolescente por el mar que, ha hecho desaparecer a su padre ,en un naufragio en la costa gallega.

Una situación que ella no quiere aceptar por lo que se enfrenta a todo y a todos para tratar de encontrarlo y cuanto menos, su cuerpo, sea recuperado. La Costa da Morte es una protagonista más, testigo de las diferencias entre la hija y la madre que si acepta la pérdida. Las mujeres que hay en el pueblo si esperan recuperar los cadáveres para que los seguros se hagan cargo de las indemnizaciones y puedan cobrar una pensión.

Carla Subirana ha querido de alguna manera hacerse eco de los más de 600 naufragios documentados en la Costa da Morte en que, el mar se convierte en una inmensa sepultura. Según cuenta la leyenda “las almas de los marineros pueden escucharse entre las grietas de las rocas”. Es una película de mujeres y de iniciación con la niña adolescente y un niño que predice distintas situaciones y espera la llegada de una enorme tormenta “Ofelia” que planea durante todo el filme como una amenaza y una llamada al daño que le estamos haciendo a la naturaleza

Con algunas objeciones , “Sica” es un filme que nos trasmite el poder del mar, de la naturaleza en un entorno en que persiste lo mágico y las tradiciones. No me parece muy creíble la secuencia de las percebeiras y la debutante Thais García se muestra demasiado inexpresiva. A destacar la fotografía de Mauro Herce quién ya nos sorprendió con su manera de describirnos el paisaje en “Lo que arde”.

INTERESANTE

 

LAS OCHO MONTAÑAS: ODA A LA AMISTAD

 

LAS OCHO MONTAÑAS (147’)

DIR: Felix van Groeningen y Charlotte Vandermeersch.

INT.: Luca Marinelli, Alessandro Borghi, Filippo Timi, Elena Lietti, Elisabetta Mazzulo

 

“Las ocho montañas” es la historia de una amistad fraguada desde la infancia. Dos niños de entornos sociales diferentes que, encuentran en los Alpes italianos el lugar donde sustentan su amistad y perfilan su identidad.

Felix van Groeningen (Alabama Monroe) y Charlotte Vandermeersch, su pareja en la vida real, adaptan el best-seller del mismo título de Paolo Cognetti, en una coproducción que incluye a Italia, Francia y Bélgica.

Pietro, de doce años pasa sus vacaciones en Grana, un pueblo, a los pies de los Alpes,  con tan solo catorce habitantes en que reside Bruno, un niño de su misma edad quién le inicia en los trabajos del campo y le enseña el entorno donde trascurren los días de verano. El padre de Pietro se traslada los fines de semana desde Turín donde trabaja.  Quiere inculcarle a Pietro su afición por el montañismo y junto a Bruno suben  algunas cumbres.

La narración se inicia en los años ochenta y abarca hasta la primera década del siglo XXI, con los protagonistas ya adultos .

El dialecto de la región, el amor a la naturaleza, el trabajo con el ganado o la elaboración de quesos de forma tradicional son elementos que muestran una forma de vida que va desapareciendo. Los directores huyen del paisajismo, a pesar de la belleza del entorno en que se desarrolla la acción y ponen el acento en la relación entre padres e hijos; la búsqueda de identidad de los personajes protagonistas y sobre todo, como he dicho,  la amistad aunque haya etapas de distanciamiento, falta de comunicación o reencuentros. El formato de 16mm contribuye a una mayor  proximidad a la trama y los personajes.

La montaña en toda su belleza y el lugar donde se sustenta la relación de amistad de los protagonistas pero que, también puede llegar a ser una cárcel de la que no se quiere salir. RECOMENDABLE, aunque quizá excesivamente larga.

SER CINÉFILO EN EL SIGLO XXI

 

 

El otro día asistí a una pequeña asociación cultural para comentar una película. Se trataba de “Lamerica”, del italiano Gianni Amelio sobre la crisis migratoria de los años 90, que contaba como miles de albaneses intentaron abandonar su país y viajar a la cercana Italia en barcos absolutamente abarrotados y que al llegar eran retenidos en campos con alambradas soportando unas temperaturas terribles antes de ser devueltos a su país.

Fue una película notable en su momento y aún hoy muestra su vigencia si la comparamos con los intentos migratorios de sirios, libios y subsaharianos que casi a diario, intentan alcanzar la costa italiana . Siempre será el sueño de todos los emigrantes que buscan una vida mejor.

No éramos más allá de una docena de personas en una pequeña sala comentando la película y el hecho de que el protagonista se quedase abandonado a su suerte en Albania y tuviese que conocer “in situ” cuales eran los problemas de la población y vivirlos en carne propia. Solamente una persona de las que estaban en la sala ya había visto la película. El resto la desconocía por completo, porque es un filme que se estrenó en pocas salas y con muy escasa promoción . El tema no es precisamente de los que atraen al gran público.

Hablamos, comentamos y valoramos la película y antes de marcharnos me presentaron a un señor al que calificaron como el “gran cinéfilo del barrio”. Lo primero que me preguntó es si sabía donde podría volver a ver “La paloma”, una película de 1974 dirigida por un realizador suizo, Daniel Schmid cuya trayectoria se limita a tres películas todas realizadas el siglo pasado. Le dije que no tenía ni idea, porque no conocía al director ni a la película. Se quedó extrañado y pasados unos minutos volvió a la carga : “¿y el cine de Béla Tar? “ . Estaba ante un auténtico examen para conocer cual era mi nivel de cinéfilo. Le dije la verdad, lo conocía, pero no había visto sus películas.

Poco le faltó para llevarse las manos a la cabeza y me aseguró que, este director húngaro, había realizado maravillas como “Sátántangó” con siete horas y treinta minutos de duración.

Movido por la curiosidad, ya que sus películas no se han estrenado comercialmente en España, busque en la plataforma Filmin donde hay una selección de su filmografía. Vi dos de ellas y comprobé su enorme manejo de las técnicas cinematográfica, pero, sus historias me aburrieron soberanamente. Su cine se mueve entre lo onírico y lo realista, con instantes casi documentales. Le gusta experimentar con actores no profesionales, diálogos improvisados y cámara en mano.

En cierta ocasión Béla Tar, según he leído, comentó que “no se llevaba bien con los cineastas húngaros porque ellos son directores y yo no. Yo no sé lo que soy”.

Yo sé que, en mi juventud veía las películas más complejas y extrañas que había y hacía que alguno de mis amigos, se durmieran en la sala. Con los años cada vez soporto menos las disquisiciones filosóficas y la experimentación de algunos cineastas. El objetivo del cine, como el de cualquier otro arte es llegar al público. Existe el cine de autor, pero las historias tienen que tener una coherencia por muchas lecturas que tenga cada película.

El cine debe ayudarnos a reflexionar y también entretener, pero no una tortura de siete horas y media de duración en que seguro, aprecias la calidad de algunas imágenes, los planos, los contraplanos, los colores o los movimientos de cámara, pero llegadas estas edades, no podrás evitar alguna cabezada que otra.

No soy cinéfilo ni consumidor de las películas más experimentales posibles. Si hablamos de cine experimental ya lo hicieron los pioneros como los Lumiére, Melies, Murnau, Eisenstein o Griffith cuando sentaron las bases del séptimo arte. Hoy sigo amando el cine, pero también, me aburro soberanamente.

(PUBLICADO en LA VOZ. (15.5.23)

 

Variedad de estrenos coincidiendo, la próxima semana, con "La fiesta del cine".

 

ESTRENOS 12. 5.23

 

Nueva avalancha de estrenos que, en Madrid, pueden ser aliciente para un fin de semana más cinematográfico si tenemos en cuenta que el lunes es festivo en la ciudad. Y desde el lunes,  San Isidro, cuatro días para una nueva edición de la Fiesta del Cine . Del 15 al 18,ambos inclusive, todos los espectadores podrán disfrutar de cualquiera de las películas de cartelera a 3.50 por entrada.

Ya se pueden adquirir las localidades tanto por internet (en las webs de los cines) c como en las de ventas de entradas o en las propias taquillas de las salas.

Antes hay que acreditarse en la web oficial :

www.fiestadelcine.com.  No será necesario para los menores de 14 años y los mayores de 60 que podrán adquirir sus localidades acreditarse en la web.

A ver si las salas tienen muchos espectadores. Son, como digo, muchas las ofertas para los próximos días.

 

BLANQUITA (99’)

DIR.: Fernando Guzzoni

INT.: Laura López, Alejandro Goic, Amparo Noguera, Marcelo Alonso.

 

En “Blanquita” hay una frase que define toda la película: “Ellos pueden violar, yo no puedo mentir”.  Película chilena basada en un hecho real sobre una red de pederastia controlada por oligarcas en los inicios de este siglo XXI

VER COMENTARIO APARTE

 

DIALOGANDO CON LA VIDA (122’)

DIR: Christophe Honoré

INT.: Paul Kircher, Vincent Lacoste, Juliette Binoche, Erwan Kepoa

La pérdida de un ser querido significa una reinvención, una nueva manera de enfocar tu vida a partir de ese momento fatal. La mirada de un adolescente al mundo que le rodea tras la repentina muerte de su padre. El protagonista Paul Kircher ganó el premio de interpretación en San Sebastián. Como siempre, excelente, Juliette Binoche.

VER COMENTARIO APARTE

 

LA HIJA ETERNA (96’)

DTORA: Joanna Hogg

INT.: Tilda Swinton, Joseph Mydell, Carly-Sophie Davies

Tilda Swinton es protagonista por partida doble ya que interpreta a una cineasta y a su madre que, deciden pasar unos días en un brumoso hotel que fue la residencia familiar de su progenitora.  Un filme de rasgos góticos, hermético e íntimo en que nada ocurre más allá de la sensación de que sucederá cualquier cosa en esa mansión rodeada por un bosque nebuloso en que las protagonistas serán fantasmas de su pasado.

VER COMENTARIO APARTE

 

MARLOWE (109’)

DIR: Neil Jordan

INT.: Liam Neeson, Diana Kruger, Jessica Lange, Danny Huston, Ian Hart

Liam Neeson es Philippe Marlowe el personaje literario creado por Raymond Chandler y que ya ha tenido notables actores encarnando al detective norteamericano. Sin ir más lejos, Humphrey Bogart protagonizó “El sueño eterno” . Cine negro que no tiene el carisma que tuvo antaño.

VER COMENTARIO APARTE

 

LA QUIETUD DE LA TORMENTA (97’)

DIR: Alberto Gastesi

INT.: Loreto Mauleón, Iñigo Gastesi, Vera Milán, Aitor Beltrán…

Blanco y negro en un San Sebastián lluvioso. Opera prima que rezuma melancolía y poesía recordando al primer amor . ¿Cómo pudo ser nuestra vida si hubiésemos seguido adelante? Intimista y con diálogos que nos llevan al cine de Eric Rohmer. 

VER COMENTARIO APARTE

 

 

 

EL CAZADOR DE RECOMPENSAS (107’)

DIR: Walter Hill

INT.: Christoph Waltz, Willen Dafoe, Rachel Brosnahan, Warren Burke, Bejamin Bratt

Un western clásico dirigido por Walter Hill quién ha mantenido la llama encendida de un género que languidece.  “Forajidos de leyenda”, “Gerónimo: Una leyenda”, “Wild Bill” son algunos de los western de este director también especializado en el cine de acción-

“El cazador de recompensas”  se sitúa en Texas en 1892. Max ( Christoph Waltz)  un cazarrecompensas recibe el encargo de rescatar a una mujer  secuestrada (Rachel Brosnahan). Mientras trata de conseguirlo, Joe (Willem Dafoe) sale de la cárcel con el objetivo de vengarse de Max.

 

 Además, comedias como “Book Club…Ahora Italia” y “Love again”; terror con Jeepers Creepers: El renacer”; dramas como “El partido del siglo” y “Chevalier” y películas de animación para los más pequeños como es el caso de “Patti y la furia de Poseidón”

MARLOWE . La resurrección de un detective del siglo XX

 

 

MARLOWE (109’)

DIR: Neil Jordan

INT.: Liam Neeson, Diana Kruger, Jessica Lange, Danny Huston, Ian Hart

Liam Neeson es Philippe Marlowe el personaje literario creado por Raymond Chandler y que ya ha tenido notables actores encarnando al detective norteamericano. Sin ir más lejos, Humphrey Bogart protagonizó “El sueño eterno” y Robert Mitchum fue el protagonista de un remake y de “Adiós, muñeca” . Neeson, no responde al arquetipo de aquel detective cínico, irónico y con poco apego a la violencia en contraste con otros detectives de la época como el Sam Spade de Dashiel Hammet. Tampoco ayuda la ambientación que no consigue introducirnos en Los Ángeles de los años cuarenta. Me resulta toda la película muy artificiosa y no me convencen tampoco ni Diana Krüger ni Jessica Lange que acompañan a Neeson en el reparto. De hecho,  se rodó en las proximidades de Barcelona, en una fábrica de papel abandonada donde construyeron un estudio completo.

Clare Cavendish (Diana Kruger) una millonaria casada por conveniencia, contrata los servicios de Marlowe para que busque a su amante desaparecido. También aparece en escena la madre de Clare (Jessica Lange) una antigua estrella de Hollywood y como su propia hija, con aroma de “femme fatale”. Tampoco las escenas de acción destacan precisamente,  y en particular ese guiño al western cuando Marlowe y su nuevo aliado, un chofer negro al que le gusta el cine de Lena Riefensthal coge las armas para enfrentarse a los “malos”,  con melodías silbadas a lo  “La muerte tenía un precio”. Más bien parece un guiño a Liam Neeson, héroe del cine de acción y con el que Neil Jordan ha rodado cuatro películas, entre ellas “Michael Collins”.

Da la impresión que el irlandés Neil Jordan (Juego de lágrimas, Entrevista con el vampiro) ha creado el personaje a su medida, que nace de sus recuerdos del cine negro y de la adaptación que ha hecho junto a William Monahan de “La rubia de ojos negros” en que el novelista John Banville “resucitó” el personaje ideado por Chandler, por petición de la familia. Banville firma sus novelas negras con el pseudónimo de Benjamin Black.

No es, ni mucho menos, la mejor adaptación que se ha hecho del personaje creado por Chandler, la primera de este siglo XXI.

LA QUIETUD DE LA TORMENTA : El reencuentro de un primer amor

 

LA QUIETUD DE LA TORMENTA (97’)

DIR: Alberto Gastesi

INT.: Loreto Mauleón, Iñigo Gastesi, Vera Milán, Aitor Beltrán…

El debutante Alberto Gasteiz estrena esta película de tono melancólico y poético en que Lara junto a Telmo, su pareja ,buscan casa en San Sebastián de donde proceden, después de pasar unos años en París.

El agente inmobiliario es Daniel con el que coincide casualmente Lara . Fue su primer amor, una relación de juventud que mantuvieron muchos años atrás pero que les dejó huella.

¿Eres feliz? Es la pregunta que se hacen tras el reencuentro mientras se preguntan como habría sido su vida juntos. Aunque Alberto Gasteiz reconoce influencias de Antonioni e incluso de una película de José Luis Borau, “Crimen de doble filo”, por esa presencia de Madrid retratado en blanco y negro con la lluvia y la noche, para mi el filme se acerca más al intimismo y el peso de los diálogos de la nouvelle vague y en particular, el cine de Eric Rohmer. “La quietud de la tormenta”, también está rodada en blanco y negro y tiene a San Sebastián y la lluvia como protagonista de esa melancolía y ese pasado que fue, Una relación inocente de miradas, sonrisas, complicidad en una ciudad tan mágica como San Sebastián y en el trasfondo las citas a París, otro de esos lugares en que perderse.

Loreto Mauleon, a la que vimos en la serie “Patria”, en su primer papel  como protagonista muestra enorme fuerza en pantalla, lo que pronostica un futuro prometedor. Daniel, está interpretado por Iñigo Gastesi, hermano menor del director.  Un filme muy bello estéticamente al que contribuye la excelente fotografía de Esteban Ramos. INTERESANTE

 

"LA HIJA ETERNA" : Una mansión gótica, con Tilda Swinton interpretando dos papeles.

 

LA HIJA ETERNA (96’)

DTORA: Joanna Hogg

INT.: Tilda Swinton, Joseph Mydell, Carly-Sophie Davies

Tilda Swinton es protagonista por partida doble ya que interpreta a una cineasta y a su madre.

Ambas han decidido pasar unos días en un hotel apartado y solitario donde Julie debe escribir el guion de su próxima película. El hotel fue la residencia familiar de su progenitora y Julie cree que su madre se sentirá bien por regresar a aquella enorme casa en la que vivió, Espera que sean unos días de felicidad antes de que se tarde, dada la avanzada edad de su madre.

La mansión nos lleva al cine gótico y aquellas casas inquietantes donde todo podía suceder . En “La hija eterna” no hay más personajes que madre e hija; la recepcionista y camarera y un hombre que se ocupa del turno de noche.

En la casa siempre hay la sensación de que algo puede ocurrir. La primera noche son unos ruidos de origen desconocido; apena hay cobertura telefónica , hay un espectro junto a la ventana o el perro de la madre se escapa en la noche oscura de Gales…

Tiene todos los elementos del terror gótico, pero quedan muy lejos de esta historia de Joanna Hog (“The souvenir I y II”) que, en su sexto largometraje, construye un relato entre el cuento de fantasmas y las relaciones madre-hija y el miedo a que se rompan cuando, además, no se tiene ninguna descendencia.

U filme hermético e íntimo en que nada ocurre más allá de la sensación de que sucederá cualquier cosa en esa mansión rodeada por un bosque nebuloso en que las protagonistas serán fantasmas de su pasado.

Tilda Swinton por partida doble gracias a los planos y contraplanos que nos permiten disfrutar de esta enorme actriz.

Eso sí, no es una película sencilla y si bastante experimental en su planteamiento.

INTERESANTE

DIALOGANDO CON LA VIDA : El sentimiento de pérdida de un adolescente

 

DIALOGANDO CON LA VIDA (122’)

DIR: Christophe Honoré

INT.: Paul Kircher, Vincent Lacoste, Juliette Binoche, Erwan Kepoa

El cineasta francés Christophe Honoré (“Vivir deprisa, amar despacio”, “Habitación 212”) se acerca a su propia biografía al relatar la historia de un adolescente que pierde a su padre repentinamente. Algo, que ya ha contado en diferentes entrevistas le sucedió a él, cuando tenía solo 15 años.

La pérdida de un ser querido significa una reinvención, una nueva manera de enfocar tu vida a partir de ese momento fatal. Honoré ha explicado que “quería contar la adolescencia no desde el hombre que soy hoy, sino desde los ojos de un adolescente de nuestros días”.

Tras la muerte de su padre Lucas (Paul Kircher) viaja desde Chamonix, en los Alpes, donde reside, a París para pasar unos días con su hermano mayor que trabaja en la capital francesa.

Mientras la madre (Juliette Binoche), soporta el duelo junto a sus familiares , Lucas busca la manera de sobreponerse y superar el terrible trauma sufrido a pesar de las muchas dudas e indecisiones que tiene .  

En París hay luz, lugares donde perderse y dormir el dolor, aunque el pasado reciente sea demasiado doloroso. Es un adolescente, como todos, inseguro , voluble en cuanto a sus actitudes y arriesgado en las relaciones sexuales con hombres y jóvenes a los que no conoce.

“Dialogando con la vida” es un drama , el espejo de una tragedia inesperada y como debemos buscar la forma de continuar adelante porque la vida, a pesar de todas las dificultades y todas las heridas, continúa.

RECOMENDABLE

"BLANQUITA": Oligarquía y pederastia en Chile

 

BLANQUITA (99’)

DIR.: Fernando Guzzoni

INT.: Laura López, Alejandro Goic, Amparo Noguera, Marcelo Alonso.

 

Fernando Guzzoni no se anda con remilgos en su cine con títulos que han tenido recorrido internacional como son los casos de “Carne de perro” y “Jesús” que, abordan aspectos de la sociedad chilena actual.  En “Blanquita” no se anda con remilgos y denuncia la historia real de una red de pederastas en Chile, una cuestión que ya abordó en 2015 Pablo Larrain en “El club” y que ha permitido grandes películas como son los casos de la estadounidense “Spotlight” o la francesa “Gracias a Dios”. La película se estrena coincidiendo con la investigación ordenada por el fiscal general de Bolivia contra los encubridores del jesuita pederasta que, ha denunciado el diario “El País”

Fernando Guzzoni describe la impotencia la que se ven sometidos los ciudadanos que, conociendo directamente casos de estas características ven como sus denuncias caen en saco roto ante la presión que ejercen los más poderosos. Está inspirada en el “caso Spiniak”, un proceso judicial que en 2003 destapó una red de prostitución infantil liderada por el empresario chileno Claudio Spiniak

En “Blanquita” hay una frase que define toda la película: “Ellos pueden violar, yo no puedo mentir.  Blanca(Laura López) es una joven madre que sobrevive en un hogar social tras un pasado en que sufrió abusos de toda índole y conoce los muchos que han sufrido algunos de los adolescentes que viven en el mismo recinto. El sacerdote que lo dirige anima la joven a que lo denuncie y tras una serie de investigaciones se enfrenta a un proceso judicial en el que acusa a miembros de la clase política , junto a empresarios y directivos de grandes empresas de delitos sexuales.

 Guzzoni denuncia aquello que permanece oculto en un país democrático que comprueba como la oligarquía sigue controlando la sociedad. Es una película sin concesiones, áspera en su tratamiento y nada explícita con los hechos que se relatan.

RECOMENDABLE

 

 

 

EL LANDISMO: 10 años después.

 

 

El 9 de mayo de 2013 fallecía Alfredo Landa, un enorme actor que dio su apellido a todo un género de comedias españolas enormemente populares, con taquillas millonarias que nada tienen que ver con las actuales.

Diez años después de la muerte de Landa, el “landismo”, tal y como lo bautizó el desaparecido diario “Pueblo” a raíz de la disparatada y mala, reconocida por el propio Landa, “No desearás el vecino del quinto” (1970), supuso todo un fenómeno cinematográfico en España.

Landa representó en los setenta al español medio. Bajito , no muy agraciado físicamente, impulsivo y obsesionado con el sexo.

En cierto modo, tomó el relevo de José Luis López Vázquez que, en los sesenta tuvo un rol similar. Hombres españoles capaces de seducir, o eso creían ellos, a las esculturales mujeres venidas de los países nórdicos que comenzaban a poblar nuestras playas. Tanto López Vázquez como Landa demostraron, con algunas actuaciones memorables, que estaban muy por encima de los personajes que interpretaron en aquellas comedias, algunas de ínfima calidad.

“España era lo mejor” y con ese eslogan las películas de Alfredo Landa convivían con un público que reía a carcajadas en las salas y se olvidaba de los problemas que pudiera tener durante los 90 minutos que duraban las proyecciones. Siempre resplandecía, por encima de todo, el espíritu español, el macho ibérico y de paso las mujeres españolas que eran capaces de superar en inteligencia , belleza y sensualidad a cualquier extranjera que se pusiera por en medio.

Una de aquellas películas fue “Vente a Alemania, Pepe”(1971), una de las dos otres cintas que se hicieron sobre la emigración española en el franquismo que, define perfectamente al personaje . Un hombre de pueblo, muy inocente, al que uno de sus amigos (José Sacristán) convence para que se vaya con él a Alemania, un país en el que prosperar rápidamente y en el que las mujeres están deseando conocer a los hombres españoles. La lectura del filme es muy diferente, todo es mentira y no hay nada como España, en todos los sentidos posibles. Una propaganda afín al régimen franquista, empleando el tono de comedia.

En el “landismo” se reafirma lo español en “astracanadas” o comedias disparatadas de personajes que son caricaturas de la realidad. “Aunque la hormona se vista de seda”, “Los novios de mi mujer” o “Manolo, la nuit” son películas “alimenticias” a las que recurrieron muchos actores y directores para salir adelante. Fue Juan Antonio Bardem, uno de nuestros grandes directores, que también dirigió alguna película “alimenticia”, quién descubrió el auténtico potencial de Alfredo Landa en “El puente”(1977). A partir de ahí vinieron enormes títulos como “El crack” en que interpretó al detective Germán Areta y que tuvo una secuela. José Luis Garci también lo dirigió en “Las verdes praderas”, pero su gran éxito vendría con “Los santos inocentes”, la película de Mario Camus según la novela de Miguel Delibes. Su personaje de “Paco el bajo”, junto a “Azarías” interpretado por Paco Rabal, merecieron exaequo, en 1984, el premio del Festival de Cannes.

Fueron muchos los premios y los homenajes que Alfredo Landa recibió en vida, entre ellos dos  Goya y otro en reconocimiento a su carrera, pero, por encima de todo hay que agradecer su dedicación al teatro, la televisión y sobre todo,  al cine donde intervino en más de 120 películas.

Con el “landismo” quizá esbocemos alguna sonrisa pero, seguro, siempre guardaremos en nuestra retina a “Paco el bajo”, aquel campesino que olfateaba las piezas para que su señorito (Juan Diego) cobrase más conejos, perdices o gamos que cualquier otro de los cazadores que acudían a su finca.

(PUBLICADO en LA VOZ.8-5-23)