PÁGINAS SUELTAS. Buenas, pasaba por aquí

HOY EMPIEZA TODO

Gran Vía, en aquellos años José Antonio. Foto del Archivo Municipal

El día en que nací baden baden sobrevolaba Madrid. Las calles solitarias, macilentas, perezosas, escupían fuego evitando los pasos que hicieran crujir sus adoquines. Algún vehículo, ajeno a aquellas intenciones, atravesaba a poca velocidad una calle Velázquez de árboles y bulevares. Eran las cuatro de la tarde y los ciudadanos de los años cincuenta del pasado siglo, se refugiaban en sus casas buscando corrientes imposibles, maltratando el abanico, escuchando la radionovela o dejándose llevar por un profundo sopor, mientras esperaban la redentora caída del sol.

Uno de los carteles de la película de Berlanga

Aquel año (1952), Mr. Marshall había pasado de largo y las esperanzas para salir del hambre y la miseria de la posguerra parecían desvanecerse. Madrid era una ciudad hambrienta. Acababan de suprimirse las cartillas de racionamiento pero había necesidad en cada rincón, en cada rendija...La noche aceleraba la penuria y se hacía interminable para quiénes sumaban el recuerdo de los bombardeos que sembraban de estruendo, horror y muerte la ciudad. Madrid era la ciudad mártir de Rafael Alberti y la ciudad en la que uno podía perderse y buscar esperanzas, aunque no las hubiera.

Era 21 agosto y era tiempo de silencio. Silencio en las calles y en quienes caminaban, sin pasear y sin mirarse a la cara. El miedo seguía ahí y aun habrían de pasar más de dos décadas para que se desvaneciese. Los vencedores se habían ensañado durante la década anterior y las cárceles continuaban abarrotadas. La vida y la muerte, la muerte y la vida solo separadas por una fina línea, casi imperceptible, pero que estaba ahí, amenazando desde el poder de las armas, del hambre y sobre todo del odio.

Ese odio hizo que otros muchos dejaran atrás sus casas y sus gentes para evitar la cárcel o la muerte. Fueron aquellos de la España Peregrina que cantó León Felipe, y de los que no se hablaba, no se escribía, no se reconocía su existencia. Estaban desaparecidos, como fantasmas de un tiempo que se quiso borrar.

Se vivía un orden nuevo, o un orden viejo. El de la espada y la cruz, el de la cruz y la espada. Iglesia y Estado de la mano para imponer una España oscura, sórdida y sin palabras. Y el pueblo, como siempre en nuestra historia, a callar, amordazado ,durante casi cuarenta años.

Calle Velázquez. Archivo Municipal

Son las siete menos cuarto de la tarde. Hay una brisa casi imperceptible. La calle, lentamente, se va poblando de viandantes. Algunos ya han ocupado los bancos de los bulevares en la calle Velázquez. Otros se detienen en los quioscos y piden limonada, horchata o cerveza. El sol sigue apretando.

Cartel de la película de Stanley Donen

En el cine Goya se va formando cola para ver “Cantando bajo la lluvia” y una pareja abrazada espera su turno para sacar las entradas. Se besan. Pronto reciben la recriminación de un policía armada. Cualquier uniforme era válido para avergonzar a todo aquel que se mostrase efusivo en la vía pública. Un guardia del Retiro, un cura o un sereno. Un silbato , un grito o un chuzo. Y a los señalados sólo les quedaba el silencio.

Existía la leyenda de que casi todos los serenos eran asturianos. Eran de todos lados, de cualquier parte, con su chuzo y su manojo de llaves. “Voy”. Más palmas para confirmar que nos había oído. Paso rápido para abrir los chirriosas cerraduras de los portales y esperar la propina. Eran testigos activos para controlar a qué hora llegabas, con quien ibas o con quién venías. Muchos eran confidentes de la policía. Ayudaban a guardar la moral y las buenas costumbres, pero yo, todavía, no lo sabía.

Cuando se nace no se sabe a dónde llegas, ni quién te espera, ni menos aún, quién te va a acoger y hacerte miembro de su familia. Cuando se nace sales un tanto desorientado. Lloras porque abandonas la cueva acogedora y cálida en la que has estado bien alimentado durante nueve meses, sin preocupaciones de ningún tipo. Ya habrá tiempo.

Primero los arrumacos, a quién se parece, el pecho, los gases, dormir, el chupete, el hay que quitarle el chupete; después anda si ya gatea, mira ha dicho mamá, no, ha dicho papá, los primeros pasos, si ya anda, trastazo, lloros, y enseguida el hermano.

En aquellos años, casi todos, éramos príncipes destronados. Apenas empezabas a tomar posesión de tu status como ser vivo y andante cuando llegaba otro que te sucedería sin miramiento pero que en seguida viviría tu misma experiencia.

Tú, ya desde la barrera, y el siguiente, uniéndose a tus miradas nada compasivas, cuando el tercero iniciaba su brusca caída a las frías y duras baldosas. Lloraba y te quitabas del medio por si a alguien se le ocurría que podías haber sido el culpable de aquellas lágrimas y la inevitable hinchazón en la frente. El remedio era una moneda de cinco duros que se aplicaba sobre el naciente y morado chichón.

Los mayores luchaban denodadamente por alcanzar el cuarto de los padres para buscar una moneda que, con suerte, podía doblar la cantidad anterior. Las de cincuenta pesetas eran más grandes, más eficaces contra los chichones y de paso , si eran capaces de pasar desapercibidas, una vez cumpliesen su labor en la frente del lesionado, podían mejorar nuestros maltrechos bolsillos.

Había también ocasiones, en aquellas familias numerosas de hijo nuevo, año sí o año también, bendecidas por el franquismo y los puntos, en que el chichón pasaba a mayores y la sangre fluía con cierta intensidad. Las casas de socorro eran el remedio

Quienes comenzaban a andar a edad temprana, pongamos diez meses, se rompían el labio con pasmosa facilidad. Las baldosas fueron sus testigos.

Era el color del primer coche de mi padre; Con baca incluida

En la mía que sería una gran familia, aunque no lo supiera cuando nací, hubo múltiples y variadas roturas de huesos, innumerables brechas en la cabeza, dardos que se clavaron en la nuca de un despistado que no sabía que el tirador era incapaz de acertar en la diana;, venas abiertas en la rotura de cristales y pañuelos, muchos pañuelos blancos en los SEAT del padre que acompañaba aquellos viajes a la Casa de Socorro, con un timbrado y potente claxon.

Sobrevivimos.

CONTINUARÉ ( MIS PÁGINAS SUELTAS)

ESPITIRU SAGRADO : Una película inclasificable.

 

 

No se muy bien donde podríamos encuadrar “Espíritu sagrado”(97'), el primer largo de Chema García Navarro, un director curtido en el cortometraje/(”El ataque de los robots de Nebulosa 5) que ya avanzaban el espíritu independiente e inclasificable de este alicantino, de Elche concretamente, que construye una historia delirante y surrealista sobre la ciencia ficción y la ufología ,en particular.

La película tiene como protagonista a José Manuel y el resto de miembros de la asociación ufológica Ovni-Levante que se reúnen una vez a la semana para intercambiar información sobre mensajes de otros mundos y abducciones.

Julio, el líder de la asociación muere inesperadamente , dejando a José Manuel como el único conocedor del secreto de las estrellas, que puede alterar el futuro humano . Mientras esto ocurre toda España busca a la hermana gemela de la sobrina de José Manuel, desaparecida hace semanas.

Hay un tono cómico que vira hacia situaciones más dramáticas . Los últimos diez minutos cambian completamente el relato…El espectador se encuentra de repente con un relato diametralmente opuesto, en un giro narrativo que le asombrará.

 Chema García Navarro, con más de una década dirigiendo cortometrajes siempre ha sentido pasión por la ciencia ficción y eso ha sabido trasladarlo a la pantalla. “Espíritu sagrado” entremezcla pasión por los ovnis, niñas desaparecidas, música new age, objetos y decoración kirsch. Es un estilo que se sustenta en el humor negro, en la incorrección política y en un profundo amor por su ciudad , Elche, donde ha rodado en su barrio, con sus amigos y conocidos y en uno de los bares a los que acuden regularmente.

Según ha contado Chema García Navarro la Idea de la película surgió de un programa de televisión local, con una asociación destinada a estudiar lo parapsicológico. Entre las actividades que citaban estaba alejarse de la ciudad y pasar la noche al raso, observando las estrellas. Lo llamaban “Alerta ovni” y los cinco integrantes d ela asociación ,diametralmente distintas, había formado, sin embargo, una familia esotérica en la que confiaban plenamente.

Esa familia “real”” es la que inspira a Chema García Navarro para crear sus personajes de “Espíritu sagrado·” una película inclasificable, mención especial en Locarno, candidata a los Feroz y seguramente friki, muy friki, pero, por esta vez, me siento un miembro más de “Ovni-Levante”.

 

 

 

 

HUELE A NAVIDAD: ENCANTO Y EL REFUGIO

 

Encanto (103’)  no podía faltar a la cita de Disney con la Navidad. La poderosa empresa sabe lo que ocurre en estas fechas y que los niños van a empujar a sus padres a que l0s lleven a las salas animados por la publicidad y el marketing de los personajes de la película que inundan todos los rincones.

Lo latino parece estar de moda en la factoría después del enorme éxito de “Coco” hace unos años, los responsables de Disney se inclinan ahora por Colombia, por sus montañas, para introducirnos en un lugar mágico llamado Encanto. En ese lugar, en una casa muy particular vive la familia Madrigal donde todos tienen habilidades fantásticas y extraordinarias.   Una familia que me lleva a recordar a aquellos personajes enloquecidos y divertidos de Frank Capra en “Vive como quieras” . Muy enloquecido tendría que estar si no digo que el éxito está asegurado y Disney se engordará los bolsillos durante estas Navidades.

En España  “El Refugio”(83’)  tampoco renuncia a la Navidad y los productores saben que son los niños quienes llevan a los padres a las salas . Santiago Segura, siempre fuera de los Goya, rompe las taquillas con títulos como “A todo tren destino Asturias”  o “Padre no hay más que uno” y Macarena Astorga, quién este mismo año estrenó el thriller “La casa del caracol”, se adentra en el cine familiar para construir “El Refugio” una comedia de enredo, con personajes que abren y cierran puertas en un hotel rural en plena montaña. Viejo galán, galán emergente, representantes, novias, ex, directora de hotel, empleados y algún que otro niño se nos muestran en una instalación en que falta de todo debido a un fuerte temporal.  Una comedia coral con personajes y situaciones que hemos visto ya otra muchas veces y con un reparto en el que figuran Loles León, María Barranco, Antonio Dechent, Leo Harlem, David Guapo, Sara Sálamo o el peruano Carlos Alcántara.

Los mayores se aburrirán, pero los niños se divertirán que, de eso se trata.

MATERNIDADES: LA HIJA Y LAMB

 

 

Son dos películas muy distintas, “La hija”(122’) la última propuesta de Luis Martín Cuenca y “Lamb”(106’)  , propuesta del islandés Valdimar Johannsson pero ambas tienen en común la maternidad de cualquier forma o a cualquier precio.

Martín Cuenca no es un director complaciente. Sus personajes son seres solitarios que buscan cumplir sus objetivos por encima de todo. Pueden ser las personas más amables, pero por detrás esconden comportamientos muy dispares a lo que aparentan. Lo vimos en “Caníbal”, incluso en “Autor” y lo refrenda en “La hija” en que la pareja que forman Javier Gutiérrez y Patricia López Arnáiz acogen en su casa, apartada y solitaria, en mitad del monte, a una quinceañera (Irene Virguez)que se ha quedado embarazada, porque el propósito es que ellos se ocupen de la niña cuando nazca.

Javier se aprovecha para sus fines gracias a su condición de educador social que se ocupa de los jóvenes acogidos en un centro para su rehabilitación. Intenta, en todo momento ayudar a la joven, pero en complicidad con su mujer que anhela ser madre y da por hecho que la niña a la que dará a luz será para ellos. Esa maternidad no suscita ninguna duda para la pareja que se afana en conseguir sus propósitos ocultando a la chica y actuando en absoluta clandestinidad. Pero sus planes comienzan a torcerse cuando el joven que ha dejado embarazada a la quinceañera está dispuesto a ocuparse de la niña. La situación cambiará de forma radical.

“Lamb”( 106’)tiene en común que la pareja protagonista, es una pareja de mediana edad, sin hijos y que vive como los protagonistas de “La hija” en una granja solitaria en la  estepa islandesa. Una vida monótona en la granja, en la que se ocupan de las ovejas y donde cada día es igual al anterior.

Premiada en Sitges como mejor película , “Lamb” es un drama, que gira hacia el cine fantástico ,cuando una de las ovejas pare una extraña criatura- El matrimonio la adopta como si fuese la hija que siempre esperaron. Como en la película de Martín Cuenca los protagonistas no atienden a razones, ni siquiera cuando sus auténticos padres quieren recuperar a su criatura.

Valdimar Johannsson  ganó el premio a la dirección mientras que Noomi Rapace consiguió en el mismo festival  de Sitges el galardón a la mejor actriz.

UN filme inquietante y por momentos agobiante que no nos deja indiferentes.

OTROS ESTRENOS. El regreso de Jane Campion. 19-11-21

 

Han pasado doce años desde que Jane Campion estrenara su última película en salas, “Bright Star” y la directora neozelandesa lo hace ahora con ánimos renovados, con el western, “El poder del perro”(126’) ,basada en la novela del mismo título que, Thomas Savaje, escribió en 1976.

Estamos en Montana, a principios del siglo XX, donde los hermanos Phil y George Burbank, viven con relativa armonía en el rancho de su propiedad. La llegada de dos nuevos inquilinos va a modificar su tranquilidad y su modo de vida. Phil se encargará de hacerles la vida imposible a los dos personajes que llegan a su propiedad.

Benedict Cumberbatch, Jess Pierners y Kristin Dust encabezan el reparto de la película más ambiciosa de la carrera de Jane Campion, la primera mujer que ganó la palma de oro en el Festival de Cannes y que posteriormente consiguió el oscar. En “El poder del perro” habla de los hombres, pero, sobre todo, de una masculinidad tóxica y de un machismo que asfixia.

 

Otro título destacado esta semana es “Última noche en el Soho”(116’), filme de corte fantástico y especialmente de terror que dirige Edgar Wright (Baby Driver).

Cuenta como Eloise (Thomasin McKenzie) llega a Londres para convertirse en diseñadora de moda. Una vez en la capital inglesa, Eloise, descubre que es capaz de trasladarse al pasado, concretamente a los años sesenta del siglo XX donde puede acercarse a su ídolo, Sandie (Anya Taylor Joy) que es una reconocida cantante. Pero en el Soho hay un lado oscuro y terrorífico.

“Última noche en el Soho” es una película con multitud de guiños y homenajes al cine de terror en un Londres oculto y oscuro.

 

Y quiero para finalizar hacer referencia a una película española que es también un homenaje al cine de terror italiano, el denominado giallo que tuvo en Dario Argento a su máximo representante. Se trata de “Corten”, de Marc Ferrer, quien dirige una película inclasificable porque su principal propósito es que todo esté mal, empezando por las peores actuaciones que se recuerdan en nuestro cine, pero, como digo, se trata de eso.

Relata como un cineasta inmerso en su nuevo filme descubre que una serie de asesinatos parecen estar relacionados con él. Actuaciones en sórdidos cabarets, travestismo, parejas gays, ausencia de heteros, policías de una torpeza infinita ,prensa sensacionalista y sobre todo, un asesino, al que no conoceremos hasta el final, como mandan los cánones del cine giallio

Al público le ha gustado como lo refrenda el premio que ha obtenido en el Festival de Toulouse.

 

PLANTADOS: QUIENES DIJERON NO A FIDEL CASTRO

 

En la semana en que el líder opositor cubano, Yúnior García ha salido de su país para refugiarse temporalmente en España, llega a las salas comerciales la película de Lilo Vilaplana, ·”Plantados” que narra los torturas las que fueron sometidos un grupo de cubanos que se opusieron al régimen castrista y como la sociedad internacional estuvo de espaldas, sin manifestarse en contra, a  las violaciones de los derechos humanos que de forma sistemática se han producido en Cuba.

 Generaciones pasadas tenían una idea romántica de la Revolución Cubana, pero la Revolución como otras muchas, ha acabado convirtiéndose en presidio para todos cuantos no estuvieron de acuerdo con las actuaciones de los nuevos gobernantes. Los protagonistas lucharon con Fidel contra la dictadura de Batista y acabaron presos . Los “Plantados” se negaron a negociar ningún tipo de acuerdo con el gobierno cuando les conminaron a que se plegasen a las condiciones del régimen que, pretendía aceptasen un plan de reeducación a cambio de reducir sus condenas. Desde el régimen se quería demostrar al mundo que en Cuba no se perseguía a nadie por sus ideas.  

 La película de Lito Vilaplana cuenta como un antiguo preso político que reside en Miami, después de pasar 25 años en prisión,  reconoce a uno de sus torturadores que vive desde hace tiempo en esta ciudad norteamericana. Mientras se plantea qué medidas tomar junto a otros exiliados, recuerda la brutal represión que sufrieron en las cárceles, con imágenes de las torturas a las que fueron sometidos.

 

El reencuentro entre víctima y verdugo no ha sido inusual en el cine con títulos que seguro recordaréis como ”Portero de noche”, de Liliana Cavani; “La muerte y la doncella”, de Roman Polanski o incluso “La vieja música”, de Costa Gavras , pero si es la primera vez que asistimos a esta propuesta desde el exilio cubano que pretende abrir los ojos a la comunidad internacional sobre la realidad de Cuba.

“Plantados”  está protagonizada por Gilberto Reyes, Ricardo Becerra, Frank Egusquiza y Carlos Cruz, quienes interpretan a los personajes reales en los que está inspirada la historia. Está basada en hechos reales como testifican ,al término de la película, varios de los presos que describen los años que pasaron en las cárceles de Castro.

 

 

 

LIBERTAD. EL DESPERTAR DE UNA ADOLESCENTE.

 

Me ha parecido una de las propuestas españolas más interesantes de este año. ”Libertad”(104’), debut en la dirección de Clara Roquet, describe el despertar adolescente de Nora (María Morera)  una niña como cualquier otra, de una familia burguesa, que pasa sus vacaciones de verano en el chalet familiar de la Costa Brava.

La rutina del verano cambia de la noche a la mañana con la llegada de Libertad (Nicolle García) la hija de Rosanna, una inmigrante latinoamericana que se encarga de la limpieza de la casa y de los cuidados a la matriarca, muy debilitada mentalmente( Vicky Peña). Libertad, algo mayor que Nora se convierte en su cicerone para salir de casa, bailar con chicos o alejarse de las faldas de la madre(Nora Navas).

La historia se desarrolla desde los ojos de Nora pero los personajes secundarios, todas mujeres, juegan un papel clave en el desarrollo de la narración, que construye una historia de amistad que va a estar marcada por las diferencias sociales.

“Libertad”, el debut en la dirección de Clara Roquet , muestra el paso de la infancia a la adolescencia, pero, sobre todo, describe dos mundos paralelos que no se unen ,el de la burguesía y el de los inmigrantes, tratado con exquisita sensibilidad.

La Nora de Clara Roquet es la Teresa ,en versión adolescente,  de la narrativa de Juan Marsé , que describe mundos diferentes: La burguesía acomodada y la clase trabajadora. Pero Nora, a diferencia de sus mayores si tiene necesidad de empatizar con el otro, de romper esas barreras sociales , esos vínculos que nos unen con nuestro entorno y la herencia recibida.

“Libertad” ,en todo su concepto, es una reivindicación de las adolescentes que protagonizan, una historia compleja, pero, al mismo tiempo, transparente que nos permite vislumbrar una buena carrera para Clara Roquet como ya les ha sucedido a algunas de sus amigas cineastas, tal son los casos de Carla Simón o Belén Funes.

“LA PUERTA DE AL LADO” O EL VECINO INDISCRETO

 

Viendo el debut en la dirección del actor Daniel Brühl, uno recomendaría a los constructores los tabiques de sus viviendas fuesen más consistentes y sobre todo, incapaces de filtrar las conversaciones de nuestros vecinos.

Brühl (“Good Bye Lenin”) sitúa su primera película en un bar berlinés al que entra (también actúa) poco antes de coger un avión que le lleve a Londres para concretar su trabajo en la película de una multinacional porque es un papel importante y sobre todo muy bien remunerado. Mientras toma el café, uno de los dos clientes que hay en el bar (Peter Kurth) pone en duda sus cualidades interpretativas. La conversación va subiendo de tono hasta que se entra en cuestiones personales. El cliente resulta que es su vecino y conoce mucho del actor sin que éste se haya percatado de que vive en su propia casa.

Los dos actores son prácticamente los únicos protagonistas de ”La puerta de al lado”(92’) , una película que se sustenta en un sencillo pero eficaz guion de Daniel Kehlmann, responsable también de unos diálogos muy bien construidos que pasan del humor al drama o viceversa. “La puerta de al lado” es una comedia dramática que muestra el contraste de los barrios de Berlín este y oeste o la fragilidad de la vida de los actores, la esclavitud de la fama, pero también el ego, el sentirse por encima del bien y del mal.

SPENCER: La princesa más triste

 

Si lo que cuenta Pablo Larraín en ”Spencer”(111’) se acerca a la realidad es fácil de entender que Diana Spencer quisiera apartarse de la familia real británica.

La película del realizador chileno se centra en la figura de la desaparecida Princesa de Gales en unas fiestas navideñas a las que debe acudir para cumplir el protocolo que marca la tradición y a pesar de que ya conoce que su marido, el príncipe Carlos, le engaña con Camila , que posteriormente se convertiría en su actual mujer.

Larraín muestra a una Lady Di, al borde de un ataque de nervios, obligada a mantener la tradición que contiene costumbres tan absurdas como que los invitados se pesen al llegar ,en una balanza. porque deberán salir de la casa con un kilo y medio de más, muestra de que han disfrutado con las comidas navideñas

Diana, interpretada brillantemente por Kristen Stewart, se muestra reacia a participar en las frías y etiquetadas actividades que están previstas hasta en el más mínimo detalle. Debe vestirse con la ropa que le han `previsto para cada día y cada momento; debe cerrar las cortinas mientras se desviste; debe llegar a la mesa antes que la reina o mantener silencio mientras almuerzan o cenan.

Ansiaba libertad ,poder entrar o salir y tomarse unas hamburguesas con sus hijos que son la única razón de que esté en el palacio donde se celebra la fiesta navideña. No aguanta la rigidez y el protocolo de la familia real británica. Lo detesta y así se lo confiesa a su única confidente, su única amiga ,que es la asistente que le asignan hasta que deciden que ejerce una mala influencia sobre ella.

Spencer más que un biopic es un cuento de terror en el que Diana tiene muy presente a la ajusticiada Ana Bolena o el deseo de adentrarse en la casa donde trascurrió su infancia y que ahora está semidestruida a pocos metros del lugar donde está obligada a permanecer. Es un personaje en el que perviven los fantasmas del pasado, pero, sobre todo los que pueden depararle los miembros de la familia real.

Más que buscar la libertad, Diana quiere huir y divorciarse del Príncipe Carlos. Aquel fin de semana decidió dejar atrás todo el boato de la corte británica. Lo que no queda claro es si los servicios secretos británicos, representados por un agobiante Timothy Spall, quien la recuerda continuamente todas sus obligaciones, decidieron dejarla vivir en paz. Parece que no fue así.

Aunque la película tienen momentos en que se hace un tanto reiterativa y lenta Kristen Stewart trasmite esa sensación de soledad y enorme tristeza que ya nos mostró en filmes anteriores como “Jackie” con Natalie Portman interpretando a Jackie Kennedy o incluso Ema una mujer sola y devastada por su sentimiento de culpa, después de haber entregado en adopción al  hijo que había adoptado.

(AUDIO) LOS FORQUÉ Y MÁS

Maixabel, con cinco nominaciones  encabeza los premios Forqué. Iciar Bollaín vuelve a demostrar su sensibilidad y su buenhacer tras la cámara.

(AUDIO) LOS FORQUE Y MAS COSAS

OTROS ESTRENOS DE ESTA SEMANA (12-11-21).Villaronga o Balagueró traen sus nuevas propuestas.

 

 

 Aparte de los títulos que he citado en este mismo blog, a las carteleras llega otro puñado de títulos, algunos de los cuales he podido ver como “El vientre del mar” y “Hasta que la muerte nos separe”.

Ninguna de las dos películas ha llamado especialmente mi atención.

“El vientre del mar” (75’) es una película con muy difícil recorrido comercial. Agustí Villaronga, un director reconocido, sobre todo por “Pan negro” relata un hecho histórico acaecido en 1816,en que el hundimiento de la fragata francesa “Alliance” frente a las costas de Senegal, dejó a 150 hombres abandonados a su suerte en una balsa improvisada y con escasísimos alimentos. Aquella situación se prolongó por espacio de trece días y se llegó a situaciones de canibalismo con los cadáveres que se iban acumulando. Solo hubo nueve supervivientes. El filme plantea, en algunos momentos, la similitud existente entre la situación de desamparo y abandono que vivieron los náufragos de aquella balsa y los inmigrantes que intentan alcanzar en precarias embarcaciones las costas europeas. 

Los espectadores asistimos al juicio con las versiones contrapuestas del oficial médico y el timonel ,una exposición que acaba haciéndose muy cansina, a pesar de la corta duración de la película. Eso sí, Villaronga que se ha inspirado en la novela “Océano mar”, de Alessandro Baricco, rueda con su maestría habitual, utilizando el blanco y negro

 

Un filme agobiante, como también lo es la producción estadounidense “Hasta que la muerte nos separe”(88’)  que cuenta como una adinerada pareja que no pasa por el mejor momento de su matrimonio decide ,a pesar de todo, celebrar los 10 años del enlace por insistencia del marido.

Acuden a la casa donde pasaron su luna de miel para rememorar aquellos tiempos felices . Una casa solitaria, junto al lago y ambiente propicio para cualquier situación de terror.

Todo parece perfecto hasta que Emma (Megan Fox) despierta por la mañana esposada a la cama. Su marido (Eoin Macken) no está dispuesto a liberarla. Filme clásico de suspense y terror, con algunas situaciones que permiten entrever cierto humor y la presencia de otros personajes que van a poner más ritmo a una historia notable para el debutante S.K. Dale. Eso sí, tampoco falta el gore.

 

Y volviendo al cine español hay que reseñar el retorno de un maestro del terror como es el caso de Jaume Balagueró quién dirige ahora una película en que se planea un gran robo, un subgénero que siempre quiso llevar a la pantalla porque le apasionaba desde la infancia.

“Way Down”(118’)  cuenta como  hn grupo bastante heterodoxo quiere aprovechar la celebración de la final del Mundial de futbol, de 2010 para atracar el Banco de España. La cuestión es que solo dispone de 105 minutos para entrar en el recinto, abrir su cámara acorazada y huir.

Freddie Highmore, Astrid-Bergés-Frisbey, Liam Cunnigham, Sam Riley y nuestros Luis Tosar y José Coronado encabezan el reparto.

 

 

VIAJE A ALGUNA PARTE. Helena Llanos,nieta de Fernan Gómez ,nos sirve de guía.

 

No sé muy bien si Helena Llanos, nieta de Fernán Gómez ha viajado cómodamente por el pasado para acercarnos a su abuelo y la que fuera su pareja de los últimos años, la actriz Emma Cohen.

 “Viaje a alguna parte” es un falso documental, resultado de muchos años de trabajo, en que Helena Llanos, gracias a un exhaustivo trabajo de montaje, mantiene conversaciones con su abuelo o con Emma Coen que todavía vivía cuando comenzó a trabajar en el documental.

En el centenario del nacimiento del cineasta y escritor, Helena nos introduce en el chalet que la pareja tenía en la sierra madrileña y allí entre libros, documentos, carteles, películas o trofeos comienza ese diálogo con su abuelo, utilizando frases o conversaciones entresacas de de sus películas y que llegado un momento es reemplazado por el actor Tristán Ulloa que interpreta a Fernán Gómez, fallecido en 2007.

Quienes fuimos, quienes éramos. Fernán Gómez dice en la película que para un actor verse en una película antigua es como si fuese un fantasma…Esos fantasmas recorren la casa en un ejercicio surrealista al que se unen brevemente actores como José Sacristán, Juan Diego o Tina Sainz que contribuyen a asentar un trabajo interesante y minucioso que podemos entender como el particular homenaje de Helena Llanos a Fernando Fernán Gómez, un personaje irrepetible que no gustaría en estos tiempos de lo correcto o lo incorrecto porque como opina en un momento de la película: “El futuro no está en nuestras manos, si no en las manos de quienes se han apoderado del futuro de todos nosotros!”.

Incluidos, añado, los fantasmas del pasado.

EIFFEL: ALCANZAR LOS CIELOS

 

La torre Eiffel tiene forma de A mayúscula. A de Adrianne el amor prohibido de Gustave Eiffel, uno de esos creadores que luchan contra cualquier dificultad para conseguir los propósitos que consideran más adecuados para llevar adelante sus sueños. Adrianne mueve los sueños de Gustave y posiblemente existió durante la juventud del ingeniero francés  pero es más improbable que se reencontraran en París veinte años después. Ese reencuentro forma parte de la ficción cinematográfica

Romain Duris es Gustave Eiffel , en este biopic que dirige Martin Bourboulon("Papá o mama"). Ambos repetirán pronto en una nueva adaptación de los “Tres Mosqueteros”.

"Eiffel" (108')se desarrolla a lo largo de veinte años, en los inicios del joven ingeniero en Burdeos y cuando después ingenia la estructura que habrá de sostener la estatua de la Libertad, en Nueva York. En 1886 el gobierno francés organiza un concurso para elegir una obra que resulte representativa de París, con motivo de la Exposición Universal de 1889.

La propuesta de Eiffel de construir una torre de 300 metros en pleno corazón de París fue la elegida, aunque durante su construcción los sectores más conservadores, la clase más adinerada, hizo todo lo posible para que no se terminara. Finalmente, la torre que admira el mundo entero, se quedó cerca del cielo.

Romain Duris interpreta con solvencia al gran ingeniero francés y muestra el ingenio y la decisión de Eiffel, junto a sus colaboradores más directos. Junto a la génesis y la construcción de la torre, asistimos a esa historia  de amor prohibido y tempestuoso cuando Eiffel conoció a una rica heredera en Burdeos, veinte años atrás. Adrianne una desconocida y excelente Emma McKey (Serie Sex Education) y Gustave, viven una relación apasionada, desafiando las normas de la época. Estuvieron a punto de casarse, pero la familia de ella no consideró que el joven Eiffel proviniese de una clase social adecuada.

Veinte años después nos reencontramos con Eiffel, viudo, con cuatro hijos. preparando su `proyecto. En una fiesta reaparece Adrianne, el amor de su vida, que ahora está casada con uno de los hombres más influyentes de París.

El filme mantiene la tesis de que la pasión que puso Eiffel en la construcción de la torre más famosa del mundo, es consecuencia de la pasión que sentía por Adrianne que siempre estuvo en sus pensamientos. Todo hubiese sido especialmente romántico si la Torre hubiese nacido de un gran amor pero seguramente, Adrianne, fue un amor de juventud y el reencuentro nunca se produjo. Bastante entretenida.

 

 

 

 

 

PAN DE LIMÓN CON SEMILLAS DE AMAPOLA: ZAMBRANO E HISTORIAS DE MUJERES

 

Siempre se ha hablado de Almodóvar como un gran director de actrices, pero Benito Zambrano no se queda atrás. Sus historias, desde “Solas”, tienen a las mujeres como centro del relato y los hombres suelen jugar un papel secundario , con personajes vulgares y embrutecidos.

Su cine, además aborda la actualidad o se adelanta a hechos que tienen una enorme relevancia en nuestro tiempo como “Solas”(el maltrato y el machismo); “La voz dormida”(la memoria histórica) “Habana blues” (la falta de libertad en Cuba), “Intemperie (el abuso infantil)

En su nueva propuesta “Pan de limón con semillas de amapolas”(121’), basada en la novela de Cristina Campos, el cineasta andaluz construye un melodrama en que los hombres tienen poco que decir ante un grupo de mujeres firmes y decididas, mujeres empoderadas que trabajan en Ongs, afrontan una enfermedad, son madres o trabajan en una panadería. Todas muestran, de diversas maneras, su fortaleza.

La acción se desarrolla en una localidad mallorquina donde dos hermanas que fueron separadas siendo niñas se reencuentran para gestionar la venta de una panadería que han heredado de una mujer que, no saben por qué, les ha dejado la herencia.

Anna(Eva Martín) y Marina (Elia Galera)  se reencuentran después de catorce años sin tener relación entre ambas. Hay un pasado que las llevó a tomar caminos muy diferentes. Marina es ginecóloga de una Ong en África y mantiene una relación con un médico mucho más joven que ella y Anna es una mujer adinerada, que pasa por dificultades económicas, junto a un marido machista y agresivo y su hija adolescente.

“Pan de limón con semillas de amapola” es una película que nos habla también de identidades y de un grupo de mujeres que van definiendo su personalidad en rededor de esa panadería que trae los recuerdos de la infancia, pero sobre todo el deseo de conocer el misterio que se esconde en la mujer que las dejó la herencia. La empleada que sigue trabajando, hosca e irritable Catalina .excelente Claudi Faci, se niega a facilitarles más datos de la propietaria y en el pueblo no saben mucho más que decirles, empezando por Úrsula, interpretada por la veterana actriz argentina Marilú Marini que regenta un hotel y un restaurante y que pronto se convertirá en amiga y confidente de Marina .

Una historia tratada con naturalidad, sin altibajos, con la firmeza que caracteriza la filmografía de Benito Zambrano, uno de nuestros directores de referencia a pesar de lo poco que se ha prodigado. “Pan de limón con semillas de amapola” es una historia que desgrana el pasado , un puzle que, el espectador irá descubriendo al mismo tiempo que las protagonistas.

EL REY DE TODO EL MUNDO:SAURA EN ESTADO PURO

 

Algún día entenderemos lo que le debemos a Carlos Saura como garante de nuestras costumbres y nuestro folklore a raíz de una serie de películas que ahondan en la tradición de nuestros pueblos esos que, siguen conformando la comunidad iberoamericana.

A sus noventa años, se dice pronto , el cineasta que sorprendiera en la oscura España franquista con una obra maestra,  “La Caza” y comenzara a labrarse un nombre en la cinematografía mundial, sigue mostrándonos su enorme vitalidad con “El rey de todo el mundo”(95’) en que construye una historia coreográfica que se sustenta en el folklore mexicano, siempre con la maravillosa composición fotográfica de su buen amigo y colaborador desde hace décadas, Vittorio Storaro.

Saura lleva cuarenta años investigando y creando sobre nuestras raíces musicales Tras “Bodas de Sangre”, “Carmen” y “El amor brujo”, el cineasta aragonés ha llevado a todo el mundo   flamenco, sevillanas, tangos, fados, o jotas en lo que constituye todo un recorrido por esas voces y movimientos que definen la personalidad de nuestros pueblos.

“El rey de todo el mundo” no se centra exclusivamente en los números musicales, sino que alterna estos con una trama de amores y desamores, como ocurriera  en “Tangos”. Está interpretada por Ana de la Reguera, Manuel García Rulfo y Greta Elizondo. "El rey de todo el mundo" es una nueva aventura de Carlos Saura, un cineasta hiperactivo que llena de color un escenario, en el que suenan los corridos, las rancheras o los boleros de México, un país por el que siente especial predilección, desde que se lo trasmitiera su paisano Luis Buñuel.

La nueva propuesta de Carlos Saura tiene una gran potencia visual y la fuerza que trasmite un joven nonagenario.

OTROS ESTRENOS DE ESTA SEMANA (5-11-2021). Los Soprano,Buñuel o animales como lobos, leones y panteras llegan a las pantallas.

 

 

Junto a títulos tan reseñables como los comentados La ruleta de la fortuna y la fantasía o Josefina, esta semana la cartelera vuelve a llenarse de nuevos estrenos que recuerdan los tiempos anteriores a la pandemia.

Echando una ojeada a este mes de noviembre veo hasta el día 19 como llegarán a las pantallas 43 películas y para el 26 tengo constancia de que cuanto menos habrá dos títulos más. Es imposible ver todo pero trato de dejar constancia de películas que no he podido ver y que conozcáis sus argumentos.

 Este viernes son catorce los títulos que ofertan desde las salas.

 

El lobo y el león (99’). Cine familiar en esta coproducción franco canadiense de Gilles y Prune du Maîstre, director y guionista que ya debutaron con éxito hace tres años con Mía y el león blanco.

Una historia sencilla que vuelve apostar por los animales y el medio ambiente. El entorno, una isla de Canadá, ayuda a amar la naturaleza y por eso es el lugar elegido por los creadores para que su protagonista, Alma(Molly Kunz), una pianista de 20 años, vuelva a su casa de la infancia. Allí establece una relación muy especial con un cachorro de lobo y otro de león a los que salva de morir.

Panteras (90') Hablando de animales y naturaleza y fuera de la ficción llega este documental en el que el fotógrafo de National Geographic, Andoni Canera describe como ha recorrido el mundo durante cuatro años para contar a los espectadores cuál es la situación de los felinos más amenazados de la Tierra. Canera fue candidato al Goya en 2016 por su documental El viaje de Unai

Buñuel, un cineasta surrealista es la nueva aportación de Javier Espada a la figura de su ilustre paisano, en el que ha basado su obra cinematográfica tanto en documentales como El último guion. Buñuel en la memoria como en la creación de un festival de cine en Calanda, el pueblo natal de Buñuel y su contribución al Museo dedicado al genial cineasta. Para Javier Espada, la mirada de Buñuel comparte el universo creativo de los surrealistas incluso antes de que André Breton formulara el Manifiesto que definió al Movimiento. El documental trata de definir ese universo que siempre estuvo presente en la vida del autor de “Viridiana”.

Y siguiendo con el cine español llega Tres(104’) , filme de Juanjo Giménez(Timecode) que cuenta con Marta Nieto en el papel protagonista junto a Mike Esparbé y Francisco Reyes.

Cuenta como una mujer que se aproxima a los cuarenta , diseñadora de sonido, empieza a procesar el sonido más tarde que las imágenes. Esa situación le hace imposible trabajar en su profesión. Un melodrama con tintes fantásticos, con una Marta Nieto(Madre) que sigue confirmándose como una de nuestras mejores actrices.

Y nos llegan dos thrillers desde distintas cinematografías. Villa Caprice, una coproducción entre Francia y Bélgica, dirigida por Bernard Stora en que narra como un abogado de prestigio (Niels Arestrup) acepta representar a un hombre de negocios de dudosa reputación (Patrick Bruel). Corrupción y perversidad en esta sociedad en la que no escasean los personajes amorales sin ningún tipo de ética, con tal de enriquecerse.

Finalmente, Santos criminales(120’) es un thriller estadounidense de David Chase, creador de la mítica serie de Los Soprano y Alan Taylor, director de varios episodios que, regresan a la Nueva Jersey de los años sesenta para recuperar la leyenda de como se fraguó el personaje de Tony Soprano.

El personaje protagonista está interpretado por Michael Gandolfini, hijo del inolvidable James que interpretara a Tony Soprano durante las siete temporadas y que falleció de un infarto, hace unos años, en Roma, a los 51 años.

 

LAS FANTASÍAS. ¿Hay límites para el deseo?

 

Y hablando de comedias los hermanos franceses Stephane y David Foekinos (La delicadeza) se han inspirado en la película australiana “La pequeña muerte” para escribir y dirigir la comedia Las fantasías(102’) que se pregunta hasta donde somos capaces de llegar para probar los límites del deseo.

Seis historias, seis parejas que van desde el exhibicionismo a la abstinencia sexual pasando por determinado travestismo con tal de satisfacer a su pareja.

Seis historias de sexo ,pero seis historias blandas que, en ningún momento se saltan los límites y que trascurren de forma ya vista, aunque algunas algo más raras.

Tras investigar 250 fantasías , si 250, lo9s hermanos Foexinos se decantaron por aquellas que podían ser más apropiadas para la comedia. El matrimonio aburrido ,que no encuentra variantes en sus relaciones sexuales hasta que se decantan por los disfraces; el hombre que cuando se va a casar descubre que se siente terriblemente atraído por las sucesivas hermanas de su prometida; la pareja homosexual que solo se excita cuando acuden al entierro de algún conocido; el matrimonio formado por una profesora y su marido que graban videos pornográficos; o la pareja joven que lleva años sin practicar sexo ,porque en esa negación es donde encuentran placer. Posiblemente esta última sea la más divertida de todas …En cualquier paso una buena forma de pasar el rato y evadirse de problemas. Monica Bellucci, Carole Bouquet, Karin Viard, Denis Podalvdes o William Lebohil figuran en el amplio y extenso reparto

UN ESPÍRITU BURLÓN . Los fantasmas no mienten

 

Los protagonistas de “Un espíritu burlón”(95’), también manifiestan esa necesidad de comunicarse, aunque sea con el más allá.

Charles( Dan Stevens) es un exitoso escritor de novela negra que lleva años sin escribir una línea tras la muerte de su primera mujer. La actual (Isla Fisher) ,ante la falta de creatividad de su marido, decide contratar a una médium (Judi Dench) que pueda ayudarle a encontrar la inspiración. El problema es que contacta con la primera esposa(Leslie Hall) de él que falleció al caerse de un caballo.

Una comedia muy british que es una versión del clásico dirigido en 1945 por David Lean, según la obra teatral de Noel Coward que fue todo un éxito en el Reino Unido de la posguerra.

El director de la cinta Edward Hall para su primer largo cinematográfico después del éxito de series como Downton Abbey o Los Durrell, ha decidido dirigir esta película porque, a su juicio, la situación actual es tan oscura como la de la posguerra de la II Guerra Mundial.

Realmente la película no aporta nada nuevo respecto al clásico de David Lean, pero permite pasar un rato agradable, con ese humor e ironía tan inglés y la interpretación más que notable de todos los actores . Eso sí, “El espíritu Burlón” tiene un toque mucho más feminista que el que protagonizara Rex Harrison junto a Margaret Rutherford, Constance Cummings y Kay Hammond.

 

LA RULETA DE LA FORTUNA Y LA FANTASÍA (121’). Encuentros en la ciudad

 

También hay incomunicación en esta propuesta de uno de los directores japoneses más valorados actualmente Ryusuke Hamaguchi (Asako I & II) que en “La ruleta de la fortuna y la fantasía” construye tres historias diferentes pero todas ellas unidas por la confianza, la traición, la memoria y también la propia identidad o la angustia d ellos seres humanos.

No es un tópico cunado digo que estamos ante una de las grandes películas de este año y de un director que muestra un enorme talento y una manera diferente de narrar sus historias plenas de poesía y sensualidad.

Galardonada con el Gran Premio Especial del Jurado en la última Berlinale “La ruleta de la fortuna” y como el azar puede modificar nuestro destino o más bien romper nuestra vida cotidiana y el tono monótono de nuestro día a día.

La primera de las tres historias comienza con una filmación y al término dos amigas regresan en un taxi a sus respectivos domicilios. Una le cuenta a otra el principio de una relación con un hombre que va a resultar que es, su propia ex pareja.

El siguiente episodio muestra como una antigua estudiante intenta seducir a su profesor en el despacho utilizando los pasajes más eróticos del libro que acaba de publicar éste.

Y el tercero nos muestra a dos mujeres que casualmente se encuentran en unas escaleras mecánicas confundiéndose con antiguas compañeras del instituto, veinte años después de haber terminado sus estudios.

Te preguntas si la ex volverá con su pareja; si la estudiante será capaz de seducir a un profesor severo y que siempre deja la puerta de su despacho abierta o si las dos mujeres se han confundido o no en ese reencuentro mientras suben y bajan por unas escaleras mecánicas que trasmiten las subidas y bajadas de nuestros estados de ánimo y la necesidad, sobre todo, de comunicarse.

 

JOSEFINA. Historia de soledades.

 

 

No es un mal comienzo para un debutante contar para su primera película con dos actores de la talla de Emma Suárez y Roberto Álamo, dos actores que trasmiten solo con la mirada, sin necesidad de palabras todos los sentimientos que esconden en su interior.

Este es el caso de Javier Marco que, en su primera película, Josefina (90’), construye un drama íntimo de soledades , silencios , miedos y, sobre todo, seguramente, incomunicación.

Juan (Roberto Álamo) es un oscuro funcionario de prisiones que cada domingo, en el autobús,  observa con detenimiento a Berta ( Emma Suárez) que visita a su hijo en prisión.

Para conseguir su atención le dice a Berta que tiene a una hija en la cárcel Josefina y buscar así una manera de entablar contacto con ella.

Vive solo y a veces ve el baloncesto con su vecino, un anciano (Simón Andréu) que tampoco tiene a nadie. Emma se ocupa del cuidado de su padre, postrado en cama, mientras ve que su vida se consume mientras sobrevive gracias a la ropa que confecciona.

Su soledad es la de millones de personas en la sociedad actual, el miedo a comunicarse, el dar un primer paso para establecer una relación y recurrir a cualquier mentira con tal de encontrar compañía.

Javier Marco y la guionista Belén Sánchez-Arévalo son una pareja curtida en el cortometraje con el que ganaron un Goya este mismo año con “ A la cara”. Su historia comenzó a fraguarse hace cinco años cuando viajaban en un autobús con familiares de presos. En ese trayecto concibieron a sus personajes marcados por la soledad y como podrían encontrar la manera de comunicarse hasta trasmitir afecto y lograr un hálito de esperanza.