LAS FANTASÍAS. ¿Hay límites para el deseo?

 

Y hablando de comedias los hermanos franceses Stephane y David Foekinos (La delicadeza) se han inspirado en la película australiana “La pequeña muerte” para escribir y dirigir la comedia Las fantasías(102’) que se pregunta hasta donde somos capaces de llegar para probar los límites del deseo.

Seis historias, seis parejas que van desde el exhibicionismo a la abstinencia sexual pasando por determinado travestismo con tal de satisfacer a su pareja.

Seis historias de sexo ,pero seis historias blandas que, en ningún momento se saltan los límites y que trascurren de forma ya vista, aunque algunas algo más raras.

Tras investigar 250 fantasías , si 250, lo9s hermanos Foexinos se decantaron por aquellas que podían ser más apropiadas para la comedia. El matrimonio aburrido ,que no encuentra variantes en sus relaciones sexuales hasta que se decantan por los disfraces; el hombre que cuando se va a casar descubre que se siente terriblemente atraído por las sucesivas hermanas de su prometida; la pareja homosexual que solo se excita cuando acuden al entierro de algún conocido; el matrimonio formado por una profesora y su marido que graban videos pornográficos; o la pareja joven que lleva años sin practicar sexo ,porque en esa negación es donde encuentran placer. Posiblemente esta última sea la más divertida de todas …En cualquier paso una buena forma de pasar el rato y evadirse de problemas. Monica Bellucci, Carole Bouquet, Karin Viard, Denis Podalvdes o William Lebohil figuran en el amplio y extenso reparto

UN ESPÍRITU BURLÓN . Los fantasmas no mienten

 

Los protagonistas de “Un espíritu burlón”(95’), también manifiestan esa necesidad de comunicarse, aunque sea con el más allá.

Charles( Dan Stevens) es un exitoso escritor de novela negra que lleva años sin escribir una línea tras la muerte de su primera mujer. La actual (Isla Fisher) ,ante la falta de creatividad de su marido, decide contratar a una médium (Judi Dench) que pueda ayudarle a encontrar la inspiración. El problema es que contacta con la primera esposa(Leslie Hall) de él que falleció al caerse de un caballo.

Una comedia muy british que es una versión del clásico dirigido en 1945 por David Lean, según la obra teatral de Noel Coward que fue todo un éxito en el Reino Unido de la posguerra.

El director de la cinta Edward Hall para su primer largo cinematográfico después del éxito de series como Downton Abbey o Los Durrell, ha decidido dirigir esta película porque, a su juicio, la situación actual es tan oscura como la de la posguerra de la II Guerra Mundial.

Realmente la película no aporta nada nuevo respecto al clásico de David Lean, pero permite pasar un rato agradable, con ese humor e ironía tan inglés y la interpretación más que notable de todos los actores . Eso sí, “El espíritu Burlón” tiene un toque mucho más feminista que el que protagonizara Rex Harrison junto a Margaret Rutherford, Constance Cummings y Kay Hammond.

 

LA RULETA DE LA FORTUNA Y LA FANTASÍA (121’). Encuentros en la ciudad

 

También hay incomunicación en esta propuesta de uno de los directores japoneses más valorados actualmente Ryusuke Hamaguchi (Asako I & II) que en “La ruleta de la fortuna y la fantasía” construye tres historias diferentes pero todas ellas unidas por la confianza, la traición, la memoria y también la propia identidad o la angustia d ellos seres humanos.

No es un tópico cunado digo que estamos ante una de las grandes películas de este año y de un director que muestra un enorme talento y una manera diferente de narrar sus historias plenas de poesía y sensualidad.

Galardonada con el Gran Premio Especial del Jurado en la última Berlinale “La ruleta de la fortuna” y como el azar puede modificar nuestro destino o más bien romper nuestra vida cotidiana y el tono monótono de nuestro día a día.

La primera de las tres historias comienza con una filmación y al término dos amigas regresan en un taxi a sus respectivos domicilios. Una le cuenta a otra el principio de una relación con un hombre que va a resultar que es, su propia ex pareja.

El siguiente episodio muestra como una antigua estudiante intenta seducir a su profesor en el despacho utilizando los pasajes más eróticos del libro que acaba de publicar éste.

Y el tercero nos muestra a dos mujeres que casualmente se encuentran en unas escaleras mecánicas confundiéndose con antiguas compañeras del instituto, veinte años después de haber terminado sus estudios.

Te preguntas si la ex volverá con su pareja; si la estudiante será capaz de seducir a un profesor severo y que siempre deja la puerta de su despacho abierta o si las dos mujeres se han confundido o no en ese reencuentro mientras suben y bajan por unas escaleras mecánicas que trasmiten las subidas y bajadas de nuestros estados de ánimo y la necesidad, sobre todo, de comunicarse.

 

JOSEFINA. Historia de soledades.

 

 

No es un mal comienzo para un debutante contar para su primera película con dos actores de la talla de Emma Suárez y Roberto Álamo, dos actores que trasmiten solo con la mirada, sin necesidad de palabras todos los sentimientos que esconden en su interior.

Este es el caso de Javier Marco que, en su primera película, Josefina (90’), construye un drama íntimo de soledades , silencios , miedos y, sobre todo, seguramente, incomunicación.

Juan (Roberto Álamo) es un oscuro funcionario de prisiones que cada domingo, en el autobús,  observa con detenimiento a Berta ( Emma Suárez) que visita a su hijo en prisión.

Para conseguir su atención le dice a Berta que tiene a una hija en la cárcel Josefina y buscar así una manera de entablar contacto con ella.

Vive solo y a veces ve el baloncesto con su vecino, un anciano (Simón Andréu) que tampoco tiene a nadie. Emma se ocupa del cuidado de su padre, postrado en cama, mientras ve que su vida se consume mientras sobrevive gracias a la ropa que confecciona.

Su soledad es la de millones de personas en la sociedad actual, el miedo a comunicarse, el dar un primer paso para establecer una relación y recurrir a cualquier mentira con tal de encontrar compañía.

Javier Marco y la guionista Belén Sánchez-Arévalo son una pareja curtida en el cortometraje con el que ganaron un Goya este mismo año con “ A la cara”. Su historia comenzó a fraguarse hace cinco años cuando viajaban en un autobús con familiares de presos. En ese trayecto concibieron a sus personajes marcados por la soledad y como podrían encontrar la manera de comunicarse hasta trasmitir afecto y lograr un hálito de esperanza.

 

OTROS ESTRENOS DE LA SEMANA (29-10-21).Vuelve Ridley Scott

 

 

Además de “El espía inglés”, hay otros títulos a reseñar esta semana

 EL ÚLTIMO DUELO (152’). Si hablamos de Ridley Scott lo asociamos inmediatamente a títulos como Blade Runner, Alien, el octavo pasajero y Thelma y Louise, tres iconos del mejor cine del último tercio del siglo XX. Tampoco olvido Gladiator, pero su nuevo filme está más cerca del llamado cine de época en el que ha dejado muestras con títulos como Los duelistas, El reino de los cielos y Robin Hood.

En “El último duelo”, dos caballeros franceses se retan a un duelo a muerte cuando la mujer de uno de ellos acusa al otro de haberla violado. Basada en el libro del escritor francés Eric Jager, los actores Ben Affleck y Matt Damon ,además de protagonizar la película, escribieron el guion con el que contaron además con Nicole Holofcener que vio en la historia de ese duelo por una mujer violada una manera de hablar del presente y recordar que la lucha contra el acoso viene de muy atrás y que las mujeres valientes y decididas han existido siempre.

En la película, en la que interviene también Jodie Comer, Ridley Scott vuelve a demostrar su vitalidad y las ganas de continuar en activo a pesar de haber cumplido 83 años.

PETITE MAMAN (72’). De la larga duración de El último duelo a este drama francés de poco más de una hora dirigido por Céline Sciamma (Retrato de una mujer en llamas)que cuenta como una niña, mientras ayuda a sus padres a vaciar la casa de su abuela, recién fallecida, descubre como fue la infancia de su madre. Un drama de corte fantástico porque la niña protagonista se encuentra con su madre cuando esta era de su edad.

 

EL SUSTITUTO (119’).-   Ricardo Gómez, Pere Ponce y Vicky Peña protagonizan la nueva película de Oscar Aibar (El Gran Vázquez) para construir un thriller que se basa en las colonias de oficiales alemanes nazis que se asentaron en España con el apoyo del régimen de Franco.

Aquí, un policía llega a Denia con su familia para sustituir a un inspector que ha fallecido en extrañas circunstancias  Pronto descubre a un grupo de turistas alemanes con un pasado nazi.

ÉRASE UNA VEZ EN EUSKADI(100’)

Manu Gómez recuerda de manera muy diferente los años ochenta ,los años de plomo en el País Vasco, desde la óptica de la infancia. Una fábula en la que prima los buenos recuerdos representados en los partidillos de fútbol en la calle, el alquiler de películas en el videoclub, o las bicicletas.

Supone el debut en la dirección de Manu Gómez que sin evitar la situación que se vivieron aquellos años en Euskadi  se centra mayormente en las vivencias personales.

 

ALL THE SOULS : NEPAL,TRATA DE MUJERES Y NIÑOS.

 

Toda la fascinación que ejerce Nepal para los occidentales se cae bruscamente en este documental en el que la mítica Katmandú queda muy difuminada porque se trata de dar voz a quienes luchan contra la trata de mujeres y niños en un país que vive una profunda desolación y miseria, sobre todo, después del terremoto de 2015.

Entre 6000 y 12.000 mujeres y niños nepalís son vendidos, anualmente,  en la India y otros países para ser sometidos a prácticas sexuales. El precio de cada ser humano oscila entre 150 y  25.000 euros. Las mujeres y los niños son vendidos como esclavos sin que nadie se preocupe por ellos salvo organizaciones humanitarias como es la ONG nepalí “Three Angels” que, a pesar de que sus miembros estén amenazados de muerte, trabaja activamente para salvar al mayor número de personas y evitar que caigan en manos de los traficantes.

All The Soul”(71’), dirigida por Roberto Lozano cuenta con la fotografía de Roberto Fraile poco antes de que fuera asesinado en Burkina Fasso. El documental parte del terremoto de 2015 en que murieron cerca de 9000 personas y el país quedó desolado. Junto a tradiciones como las piras funerarias en el río Bagmati o las apreciaciones de un gurú sobre la vida y la muerte y el destino de las almas, el documental pone el acento en la ONG que trabaja intensivamente para salvar a esas personas que son engañadas, muchas de ellas campesinas, que anhelan un mundo diferente atraídas por el lujo que les muestran las televisiones y que son objeto prioritario de los traficantes

“All the soul” es un testimonio fehaciente de la esclavitud que todavía existe en el mundo y  en particular a la prostitución a la que son sometidas las niñas ante la indiferencia de los in dios que son de la opinión de que aunque no está bien el que se secuestre a niñas y mujeres nepalíes evita que les suceda  a sus compatriotas, a las indias.

EL ESPÍA INGLÉS: UN CLÁSICO DEL CINE DE ESPÍAS

 

 

Las historias basadas en relatos de John Le Carré o Graham Greene dieron mucho de sí durante e3l siglo pasado con un buen número de filmes basados en sus novelas que nos introducían en el mundo del espionaje preferentemente durante la llamada guerra fría que tuvo al mundo pendiente de la tensión acrecentada entre la Unión Soviética y Estados Unidos.

“El espía inglés” (111’) dirigida por el británico Dominic Cooke relata la importancia decisiva que tuvo un civil inglés en evitar la guerra atómica entre el Estados Unidos de John F. Keneddy la Rusia soviética de Nikita Krushov lo que, sin duda, hubiese supuesto la muerte de millones de personas en todo el planeta.

Basada en hechos reales, “El espía inglés”(The Courier) cuenta como el ingeniero Greville Wynne es reclutado por el M16, Servicio de Inteligencia Británico, en connivencia con la CIA, para que trabaje con el espía soviético Oleg Penkovsky (Merab Ninidze)para obtener información sobre la amenaza nuclear de la URSS y en concreto sobre la crisis de los misiles en Cuba cuando, en 1962, misiles nucleares de alcance medio apuntaron desde la isla caribeña a territorio estadounidense.

“El espía inglés”, reúne todo el sabor del cine clásico con la arriesgada misión que emprende Greville que viaja con frecuencia a la URSS para recabar información , bajo la supuesta excusa de tratarse de una operación comercial a gran escala. Greville va implicándose cada vez más en la misión que le encomiendan el M16 y la CIA, y cuyo contenido no debe revelar bajo ningún concepto. Su actitud le genera un fuerte conflicto personal ya que su mujer (Jessie Bucklev) sospecha que le está engañando con otra mujer, como ya había ocurrido en el pasado.

Espionaje, tensión, suspense y como no podía ser de otra forma los buenos son los occidentales frente al sectarismo y crueldad de los soviéticos.

Una película bien contada y muy entretenida que nos llevará a  aquellos años en que la humanidad pendía de un hilo. ¿Se diferencian de los de hoy?

 

 

 

OTROS ESTRENOS DE ESTA SEMANA(22-10-21)

 

 

Aparte de “Entre rosas”, “Quien lo impide” y  la reposición de “El extraño viaje” esta semana hay otros títulos interés que reseño brevemente.

“La Crónica francesa”(108’). La nueva película del norteamericano Wes Anderson llega este viernes a los cines después de pasar por Cannes sin pena ni gloria.

Anderson sitúa la acción de su nueva película en una ciudad francesa ficticia a la que llegan un grupo de periodistas de la revista “The French Dispatch” . La acción se sitúa en el siglo XX con diferentes historias que van desde las revueltas estudiantiles hasta a un condenado a pena de muerte pasando por un secuestro de un famoso chef.

En la línea esperpéntica y un tanto surrealista de Wes Anderson.

 

“Supernova” (104’). Esta película inglesa dirigida por el actor británico Harry Macqueen es una road movie en que una pareja gay interpretada por Stanley Pucci y Colin Firth recorren diversos lugares de Inglaterra para despedirse de los amigos ya que el personaje que interpreta Tucci ha sido diagnosticado de Alzheimer.

La historia nos habla del amor, el dolor o el sentimiento de pérdida. Nos dice que aunque la vida te golpee hay que seguir adelante porque ésta no se detiene.

 

Y apuntad también dos películas de animación dirigidas a los más pequeños : “Salvar el árbol”(78’) un filme de corte ecologista y defensa del medio ambiente, dirigido por los españoles Yurre Ugarte y Haizea Pastor. Se sustenta en la leyenda de que los árboles están protegidos por unos pequeños duendes pero ahora los arboles que hay en las ciudades tienen cada vez más problemas así como sus duendes. Hay que buscar la manera de salvarlos.

El otro título Ron da error procede de EEUU y es una película de animación basada en la inteligencia artificial.  Cuenta la historia de amistad entre un niño y su asistente digital.

QUIEN LO IMPIDE: CHICOS DE HOY EN DÍA .

 

 

A Jonás Trueba le gusta concebir sus películas entre la ficción y el documental, rompiendo esa pequeña línea que muestra dos maneras de hacer cine.

“Quien lo impide”(220’) o lo que es lo mismo 3 horas y 40 minutos de duración es una película coral en que los jóvenes se manifiestan a lo largo de cinco años, de los quince a los veinte , cuando sus relaciones y su modo de vida se vieron bruscamente frenados por la pandemia.

La película recoge el testimonio de decenas de chicos y chicas que nos ayuda a tener una mejor percepción de ellos porque desnudan ante la cámara sus sentimientos e inquietudes ; su fragilidad, sus temores, pero también sus ganas de vivir y de superar los problemas que tienen a pesar de la incertidumbre ante el futuro. 

Hablan de amistad, amor, sexo, política o educación y entre sus aficiones la música parece estar por encima de todas, incluida el deporte, el cine o la lectura, con uno de los chicos que casi parece un friki, con su mochila cargada de libros en un viaje de fin de curso.

Los protagonistas nacieron cuando empezaba este siglo XXI y en 2019 votaron por primera vez. Sus opiniones nos pertenecieron algún día a nosotros porque también fuimos jóvenes y rebeldes, con incertidumbre con lo que venía detrás. Es una película para los jóvenes, pero también para los adultos porque podremos seguir preguntándonos diferentes cuestiones y priorizar  lo que realmente es importante.

La película obtuvo de forma coral el Premio de mejor actor de reparto en San Sebastián aunque, Candela Recio parece estar un punto por encima de los demás ya que asume un mayor protagonismo.

Estaría bien que ayudase al debate y la opinión, pero creo que su larga duración impedirá una gran difusión. Aunque la película en su proyección incluye dos descansos de cinco minutos que la hacen más llevadera, será difícil que tenga un gran recorrido por nuestras salas y en las plataformas o en las televisiones quizá pueda plantearse como una miniserie que haga más asequible una propuesta interesante de un director que ya ha dado muestras de su talento con otros filmes como “La virgen de agosto” o “Todas las canciones hablan de mí”

 

 

 

“ENTRE ROSAS”:METÁFORA DE LA TERNURA Y LA PACIENCIA

 

A los franceses les funciona cualquier historia por simple que sea. Ya puede ser una panadería con la competencia de una multinacional; un criadero de pollos, un pequeño viñedo frente a una enorme bodega,  o cualquier cosa que queramos imaginar.

La fórmula siempre es la misma: David, contra Goliat. El defensor de las esencias y la pureza del producto frente a quien quiere adulterarlos buscando solo el beneficio de su empresa, sin importarles lo más mínimo lo que venden.

“Entre rosas”(95’), de Pierre Pinaurd no es una excepción.  Eve, Catherine Frot , es una creadora de aromas porque se mueve con la máxima de que “la vida sin belleza, ¿qué es? Ella es la creadora de unas rosas delicadas y bellas que son el escenario pero también una metáfora sobre que apreciamos realmente en nuestras vidas porque lo realmente bello, las relaciones entre los seres humanos se consiguen mediante paciencia, cariño y sensibilidad, como trasmite Eve cuidando sus rosas ,se lo trasmite a su fiel asistenta y  se lo inculca a los tres trabajadores desempleados que llegan a su plantación, llenos de escepticismo y con una mochila muy cargada de sinsabores.

Eve lucha contra todo y contra todos para conseguir la flor más bella y aromática. No importa que enfrente esté el empresario que busca hacerse con la plantación. Eve con la ayuda de los nuevos trabajadores sabrá plantarle cara a un mercantilismo que no se detiene ante nada ni ante nadie con tal de conseguir sus fines.

“Entre rosas” es una comedia ligera pero que en su trasfondo deja ver una crítica al abuso de las multinacionales y una defensa de los pequeños empresarios. Catherine Frot (“Madame Marguerite”),bien acompañada en el reparto ,empatiza con el público en una historia lineal pero de gran sensibilidad.

 

EL EXTRAÑO VIAJE, DE FERNÁN GOMEZ,EN PANTALLA GRANDE.

 

 Debió llamarse “El crimen de Mazarrón” pero la censura dijo no y hubo de titularse “El extraño viaje”. Tenía que haberse estrenado en 1964 pero fue calificada de tercera categoría que, era la denominación más baja que otorgaba el Ministerio a las películas que consideraba de nulos valores artísticos lo que le abocaba a su fracaso comercial porque nadie quería estrenarla. Ninguna distribuidora quiso hacerse cargo de ella y quedo relegada a un cajón hasta su estreno en 1970 , seis años después. Fue premiada por el Circulo de Escritores Cinematográficos pero sus resultados en taquilla fueron muy exiguos y pocos espectadores han podido presumir de verla en pantalla grande.

Como digo, en 1970 Fernando Fernán Gómez pudo estrenar finalmente la que a la postre se convertiría en una de sus películas más reconocidas. Nació de una idea de Luis García Berlanga ,convertida después en guion por Pedro Beltrán y Manuel Ruiz Castillo.

Este viernes, en pleno centenario del nacimiento de Fernán Gómez, la distribuidora A Contracorriente lleva a las salas comerciales “El extraño viaje” rodada en blanco y negro, en las localidades madrileña de Loeches y alicantina de Santa Pola. Un filme muy negro, pero con muchos momentos de humor y cierto tono esperpéntico que recuerda las obras de Valle Inclán, autor cuya influencia se hace palpable en el cine de Fernán Gómez.

Un impecable guion, y ambiente cargante gracias a las tormentas y los claroscuros dan a la película un tono de misterio que mantiene el interés de los espectadores. Fernando Fernán Gómez dirigió una historia de mentiras, tiranías, injusticias, represión, pasión y muerte. Fernán Gómez no deja de lado una feroz critica a la sociedad de entonces reprimida y profundamente ignorante en unos pueblos olvidados y ajenos a cualquier estímulo exterior.

La familia Vidal, compuesta por tres hermanos Paquita(Rafaela Aparicio), Venancio (Jesús Franco )e Ignacia (Tote Alba) viven en un pequeño pueblo, sin apenas relacionarse con el resto de los vecinos. Ignacia es dominante y controla cualquier movimiento de sus hermanos y, al mismo tiempo, mantiene una relación secreta con un joven musico ,Fernando (Carlos Larrañaga) que ameniza con la orquesta los bailes del pueblo. Es una mujer rica y Fernando es ambicioso, y busca aprovecharse al máximo para conseguir algún día el teatro que ansía. .  Quiere casarse con Beatriz (Lina Canalejas) pero los acontecimientos se precipitan tras la muerte violenta de Ignacia. María Luisa Ponte y una jovencísima Sara Lezama tienen papeles secundarios en la cinta. Ricardo Franco unos años después dirigiría sus pasos hacia la dirección y acabaría convirtiéndose en el director más prolífico del mundo con más de 180 títulos encuadrados en la serie “B”. muchos de ellos de carácter erótico.

“El extraño viaje”(92’)  es una excelente película que reafirma el enorme talento de Fernán Gómez, actor en más de 200 títulos de nuestro cine y con una filmografía como director que incluye treinta películas algunas tan importantes como la que cito que siguió a  “La vida por delante” y “La vida alrededor” . Posteriormente dirigió otra de sus películas absolutamente recomendables, “El mundo sigue” y ya más tarde su particular homenaje a los cómicos con “El viaje a ninguna parte”.

EL BUEN PATRON: BUEN CINE

 No he podido ver El buen patrón(120’) hasta esta mañana y lo primero que tengo que decir es que se trata de una buena película, pero, sin embargo, no me parece la más apropiada para competir por el Oscar porque no está en la línea de los filmes que suelen ser  candidatos a la mejor película en lengua no inglesa.

Supongo que los académicos se habrán movido por el tirón que tiene en Hollywood Javier Bardem, excelente en su papel de empresario, pero no creo que sea suficiente para que aparezca entre las nominadas.

La película mantiene la línea del cine de Fernando León de Aranoa, uno de los pocos directores españoles que, apuesta por un cine de corte social, cercano a la realidad que vivimos. Creo que es un director que se alinea con el  cine europeo que trata más abiertamente estas cuestiones con una pléyade de directores que todos conocemos como  los hermanos Dardenne, Fathi Akin, Robert Guediguian , Ken Loach o Stephen Frears, sobre todo la primera etapa de este realizador que, sin renunciar a describir situaciones límites  y profundamente injustas recurría al humor y la ironía algo con lo que  sintoniza León de Aranoa que, puede llevarnos a conocer la crueldad de la guerra a través de la mirada de los cooperantes en “Un día cualquiera” o adentrarnos en la cadena de producción de una empresa, “Básculas Blanco” en que su propietario pretende mostrarse como el empresario modelo, el hombre que por encima de todo busca empatizar con sus empleados  a los que dice tratar como hijos porque forman una gran familia.

Claro que las cosas no son así y el extrovertido, locuaz y paternalista empresario demuestra que puede ser capaz de todo con tal de conseguir sus objetivos. Estos se resumen en conseguir el premio a la excelencia que otorga la comunidad autónoma y cuya meta encuentra un obstáculo cada vez más insalvable en un trabajador que ha sido despedido y que reivindica su puesto de trabajo, a las puertas de la fábrica.

A pesar de cuestiones tan duras como la precariedad laboral, los despidos o incluso el abuso de poder, León de Aranoa trata con humor a sus personajes, en una sátira que caricaturiza al personaje que encarna Bardem y al que le acompañan actores de nivel como Manolo Solo, Cesar Bugallo o la cuasi debutante Almudena Amor. 

“El buen patrón" lo tiene difícil en los Oscar, pero seguro que obtendrá más de un Goya, premios que no se le han dado nada mal a Fernando León de Aranoa que ya ganó el correspondiente a director revelación en 1994 con su primera película “Familia” y al que siguieren el de mejor director por “Barrio” y “Los lunes al sol”, esta última también mejor guion. El mejor guion adaptado fue para “Un día cualquiera” e incluso consiguió el Goya de mejor documental por “Invisibles”. Una trayectoria impecable de un realizador que, si bien no ha sido demasiado prolífico, todo lo que ha hecho ha tenido buena respuesta de critica y de taquilla.

 

 

DÍAS DE CINE…ESPAÑOL

 

Cada vez hay más conmemoraciones en el calendario y pocos huecos van a quedar libres para celebrar acontecimientos futuros. Desde este año, el 6 de octubre se ha convertido en el Día del Cine Español. Hubo más de 250 actos vinculados a nuestra cinematografía, reivindicando un cine que no valoramos lo suficiente a pesar de que cada año hay grandes títulos que nos hablan de la vitalidad de nuestros directores, guionistas, técnicos y actores…

La fecha elegida coincide con el final del rodaje de Esa pareja feliz, el 6 de octubre de 1951. Aquella primera y única película rodada conjuntamente por Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem supuso un antes y un después para nuestro cine reivindicando otra manera de acercarse a la sociedad española, mucho más próxima y real que la que nos mostraba el régimen con filmes historicistas, folklóricos o propagandísticos que poco a nada tenían que ver con el ciudadano medio que se las ingeniaba para vivir, encontrar una vivienda y llegar a fin de mes.  

Esa pareja feliz a la que la censura relegó a un cajón y tardó tres años en estrenarse, espoleada por el éxito de Bienvenido Mr. Marshall conjugaba el tono de comedia que definiría el cine de Berlanga con el melodrama, de tintes reivindicativos, que adoptaría Juan Antonio Bardem. Ambos, cada uno en su estilo, nos legaron auténticas obras maestras que firmarían cualquiera de los grandes directores de la historia del cine.

 Desde hace varios años hay pocas películas que me motiven y emocionen como ocurría en el pasado por eso fue una sorpresa Maixabel de Iciar Bollain por el tacto y la sensibilidad en que describe una historia tan compleja como el perdón de la víctima al verdugo. La vi hace varias semanas y me sorprendió no solo que no fuera una de las películas preseleccionadas para competir por el oscar si no que no obtuviera ningún tipo de reconocimiento en el Festival de San Sebastián. Maixabel sigue teniendo muy buenas taquillas, según me comentó el jefe de salas del cine Paz, en la madrileña calle Fuencarral que, afortunadamente, ha reabierto sus puertas tras los peores meses de la pandemia. Y lo ha hecho incorporando sesiones matinales que aproveché para ver Madres paralelas que no es la mejor película de Pedro Almodóvar, pero si una muestra más del talento del cineasta manchego. Seguramente sea su película más política y reivindicativa, con las mujeres, como en toda su filmografía, como soporte de la sociedad. Ambas películas compartían cartelera con lo último de James Bond y otros dos títulos españoles Las leyes de la frontera, de Daniel Monzón, el director de aquel “niño” que rodó en la bahía de Algeciras y Mediterráneo, la creación de la ONG “Open Arms” y a la que me he referido en esta misma columna.

La semana que viene ya se anuncia El buen patrón, finalmente la película española elegida para representarnos en los Oscar, con un gran Javier Bardem, dirigido por Fernando León de Aranoa. No sólo hay que reivindicar el 6 de octubre, el cine español es válido en cualquier fecha del año.

ARTICULO PUBLICADO EN LA VOZ ( 10-oct.2021)

TOKYO SHAKING.FRANCESES EN EL TERREMOTO DE 2011

 

 

En esta película de Olivier Peyon vemos a la comunidad francesa asentada en Tokio en 2011, cuando se produjo un gran terremoto en Japón con centenares de víctimas y posteriormente el accidente nuclear en Fukushima que amenazó seriamente a la capital.

El realizador lleva al cine la experiencia real de una amiga que vivió aquel terremoto y para ello cuenta con una actriz solvente como es Karin Viard (“Las apariencias”) quién interpreta a una alta ejecutiva de un banco francés que lleva tan solo unas pocas semanas en Tokio junto a sus hijos ,mientras el marido espera reunirse con ella en unas semanas.

Alexandra es una mujer decidida, una gran profesional que cuenta con el respeto de sus subalternos que apoyan su gestión. Junto a la odisea personal de esta mujer , “Tokyo Shaking”(102’) describe el mundo actual, el capitalismo salvaje y la falta de escrúpulos de algunos altos directivos, capaces de todo tipo de ruindades.  Nos habla también como estamos en manos de los técnicos y de quienes buscan la máxima seguridad en las centrales nucleares algo que se ha demostrado que no es fiable al cien por cien como pudimos comprobar en el ya lejano accidente de Chernóbil y posteriormente el de Fukushima. También hay una velada critica al gobierno francés del momento por preocuparse solo de sus conciudadanos y del personal de otros países que trabajaba en sus empresas.

Un drama bien contado y con Karin Viard como protagonista absoluta.

 

 

PLEASURE o LA INDUSTRIA DEL PORNO

 

No es un placer, aunque la protagonista lo busca intentando convertirse en una estrella del cine porno. Es la declaración de intenciones de Jessica, una joven sueca, que llega a Los Ángeles para entrar en la industria pornográfica y que en la aduana cuando es preguntada por el policía si viaja por placer o por negocios responde que, por placer, aunque su respuesta más apropiada hubiese sido que estaba en EEUU por el negocio del placer

La directora debutante Ninja Thylberg estuvo seis años investigando sobre la potente industria del porno y construye un relato minucioso y por momentos, con visos de documental, en que se adentra en ese mundo a través de su protagonista Sofía Kappel (Jessica/Bella Cherry) quién  también debuta con enorme fuerza en su papel de joven decidida a todo en un mundo de hombres, porque si algo deja claro la película, son los manejos del mundo del porno por los hombres que sacan pingües beneficios mientras las mujeres son meros objetos sexuales que tienen que plegarse a las exigencias de los productores y representantes si quieren ascender en el escalafón y conseguir los papeles que redunden en mayores beneficios y popularidad

Bella Cherry desde la inocencia y la ambición quiere llevar adelante su sueño, pero en algunos momentos se convierte en auténtica pesadilla. No es una película complaciente y si una película hábil en la narración que, por encima de todo marca las diferencias entre hombres y mujeres en el oscuro negocio del sexo. La película, una mirada femenina de la industria del porno, con actores y actrices que trabajan en ese tipo de cine salvo la protagonista,   tuvo una excelente acogida en el festival de Sundance.

Y EN ESO VOLVIÓ ALMODÓVAR: SE ESTRENA"MADRES PARALELAS"

 

El cine Paz, en la calle Fuencarral, otrora la segunda Gran Vía madrileña,  que ha reabierto hace pocas semanas, ha comenzado su nueva andadura incluyendo sesiones matinales en su programación.

Y la verdad es que hoy lo he agradecido profundamente porque esta semana estuve de viaje, y no había tenido ocasión de ver ninguna de las películas que se estrenan este viernes. O sea que me he visto “Madres paralelas”, la última de Almodóvar en la sala uno,  con un total de 11 espectadores a la hora de comer, a las 14.20.

 

Reconozco el talento de Pedro Almodóvar, no voy a ser una excepción teniendo el reconocimiento casi unánime de crítica y público a nivel internacional, pero estas “Madres paralelas” me ha dejado frío, se me ha hecho pesada y artificial , sin la profundidad de otras historias del cineasta manchego. No he logrado conectar con la historia a pesar de mis intentos y Penélope Cruz, premiada como mejor actriz en Venecia, está lejos de alguna de sus interpretaciones antológicas como “Volver”, para mí una de las mejores películas de Almodóvar.

“Madres paralelas”  es memoria histórica, madres solteras, concepto de maternidad, relaciones de pareja, sexualidad, identidad, pero sobre todo constata la fuerza de la mujer , como centro y soporte de nuestra sociedad.  

Son mujeres que no se conforman con ser meras comparsas y muestran su fuerza y rebeldía como el personaje que interpreta Aitana Sánchez Gijón que renunció a su matrimonio, incluso a su hija porque quería ser actriz por encima de todo; el de su hija interpretado por Milena Smit, una actriz que crece y que ya fue candidata al Goya revelación el año pasado por “No matarás”; el de Penélope Cruz que anhela la maternidad y al mismo tiempo recuperar la memoria de sus antepasados o la de su confidente y amiga interpretada por Rossy de Palma… El hombre tiene un papel secundario, parece casi innecesaria su presencia. Israel Elejalde es  válido, sobre todo, porque es un

antropólogo forense que va a ayudar a reconocer los restos de los fusilados durante la Guerra Civil, por encima de la relación que mantiene con el personaje que interpreta Penélope. No hay más hombres. A los que se cita son protagonistas de una violación o seguramente maltratadores  psicológicos.

“Madres paralelas” es una película feminista desde la fuerza de las mujeres en la sociedad , con los hombres inexistentes e innecesarios y es también un filme que se decanta políticamente y que pide recuperar la memoria desde una cita de Eduardo Galeano que acompaña los títulos de crédito:  Por mucho que se la intente silenciar, la historia humana se niega a callarse la boca.

“Madres paralelas” a mí no me ha enamorado pero entiendo que mucha gente vaya a verla y aprecie la calidad de las propuestas de Pedro Almodóvar

DIA DEL CINE ESPAÑOL. RECORDAR Y APOYAR NUESTRO CINE.

 

Se ha elegido el día en que finalizó el rodaje de "Esa pareja feliz", 6 de octubre de 1951, para que se convierte en una fecha permanente para conmemorar nuestro cine. 

Ese día Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem dieron por terminada su primera película.

En "Esa pareja feliz” el matrimonio protagonista representa a otros muchos españoles. Jóvenes que se casaban y tenían que vivir en casas de familiares o conseguir realquilar una habitación de forma ilegal a los inquilinos que encontraban, así,  una manera de ampliar sus ingresos.

Luis García Berlanga y Juan Antonio Bardem estudiaron en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Universitarias (IIEC.) y poco después de terminar sus estudios, Bardem no se tituló, se embarcaron en la dirección de “Esa pareja feliz”. Juan Antonio Bardem se encargó de la dirección de actores y Luis García Berlanga de los aspectos técnicos. Fue un matrimonio bien avenido que, posteriormente se rompería cuando tomaron caminos diferentes. Antes escribieron el guion de “Bienvenido Mar. Marshall” e incluso “Novio a la vista”. Berlanga haría un cine crítico, sarcástico, irónico ,encuadrado en la comedia y Bardem se decantó por el melodrama ,por un cine de corte neorrealista que nos dejó excelentes películas como “Calle Mayor” o “Muerte de un ciclista”

Hay muchas lecturas en “Esa pareja feliz” y muchos guiños a la época e incluso al propio cine.

Ya en la primera secuencia asistimos a un rodaje que inequívocamente parodia “Locura de amor”, película de enorme éxito en la época, basada en el matrimonio de Juana la Loca y Felipe el Hermoso. El cine historicista era muy del agrado del régimen. No había un análisis de lo acontecido. Todo eran alabanzas a la proyección universal de España y se hacían guiños al pasado para trasladarlo a los años cuarenta o cincuenta. Juan de Orduña era uno de los directores más representativos de aquel tipo de cine. Se puede comprobar si veis algunas de las películas que dirigió como “Alba de América”, “La leona de Castilla”, “Agustina de Aragón”, que veíamos una y otra vez en la única televisión que había, Televisión Española. Asistimos a un rodaje, casi de forma documental. Vemos el funcionamiento interno de los estudios donde trabaja Juan(Fernando Fernán Gómez) como electricista. Concretamente los estudios CEA estaban ubicados en Ciudad Lineal en el cruce entre la calle Arturo Soria y la A2,antes carretera de Barcelona. En esa parodia de “Alba de América”, la protagonista era una jovencísima Lola Gaos, a la que veríamos un cuarto de siglo después protagonizando “Furtivos” de José Luis Borau.

“Esa pareja feliz” nos permite admirar a muchos de los grandes actores de la época, algunos como José Luis López Vázquez que iniciaban su carrera , con una breve secuencia como dependiente durante el periplo del paraje protagonista, Fernando Fernán Gómez y Elvira Quintilla por diversas tiendas y establecimientos de Madrid.

En pantalla vemos a los padres de Juan Antonio Bardem, dos actores consagrados como eran Matilde Muñoz Sampedro (Amparo) y Rafael Bardem(D. Julián) hacen lo que ahora llamamos un  cameo, seguramente para echar una mano a su hijo y junto a ellos jóvenes actores que tuvieron después una larga trayectoria en nuestro cine como Rafael Alonso, gerente en una compañía de seguros, Antonio Ozores ,hermano de José Luis y de Mariano y al que vemos como animador de una sala de fiestas;  Antonio Garisa, como Manolo, el amigo de Juan cuando conoce a Carmen o el veterano José Orjas, el camarero incrédulo de que la pareja se vaya sin pagar, obsequio del concurso radiofónico en que han participado, del lujoso restaurante en que han cenado.

También tiene una colaboración especial José María Rodero que da a Carmen la noticia del premio que les permitirá ser la pareja feliz por espacio de veinticuatro horas . Rodero no tuvo mucha suerte en el cine, pero fue uno de los referentes del teatro español durante décadas, uno de nuestros mejores actores. Estuvo casado con Elvira Quintillá desde 1947 hasta 1991, año en que falleció.

“ESA PAREJA FELIZ” (84’)  es una sátira sobre los valores y la propaganda de los españoles a los inicios de los cincuenta, pero creo que por encima de esta concepción prevalecen los valores humanos ,la actitud de la pareja protagonista frente al consumismo que asomaba tímidamente hasta su eclosión en la década siguiente.

Algunos sitúan la historia en el movimiento neorrealista, un género próximo a la realidad de la Italia que intentaba curar sus heridas tras la II Guerra Mundial. Encuadran a la película en la estela de los impulsores del neorrealismo como Cesare Zavattini y Vittorio de Sica. Sin embargo, no se puede decir que en España se imitó el neorrealismo italiano, entre otras cosas, porque sus películas tardaban años en llegar a nuestras salas y en aquella época nuestros cineastas no viajaban de festival en festival como ocurre actualmente . No puede hablarse de influencia porque no era fácil la difusión del cine italiano en España y más bien, pienso que en ambos países se dieron circunstancias similares para intentar hacer otro tipo de cine, más próximo a la realidad de sus respectivos países.

Aquellas películas, como otras muchas de la época nos permitieron conocer la realidad que vivían nuestros abuelos, como eran nuestras ciudades, nuestras calles, el transporte, las fiestas...

Hay otro momento ,en un flash back, en que asistimos al principio del noviazgo entre Carmen y Juan. Recuerdan una verbena, cuando empezaron a salir, verbenas populares que se celebraran durante las fiestas de Madrid y que siguen haciéndose, aunque de otra manera y tras el paréntesis del covid  

Las norias, los tiovivos o el tiro al blanco son tradiciones que siguen manteniéndose pero que nos trasladan a un tiempo en que casi eran la única diversión. “Esa pareja feliz” es de 1951 pero la censura retrasó su estreno hasta tres años después, como consecuencia del éxito que tuvo “Bienvenido Mr. Marshall”

 

 TITULO: ESA PAREJA FELIZ.

AÑO 1951.

DURACIÓN: 84’

PRODUCCION. Estudios Altamira

DIRECCION: Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga

GUION: Juan Antonio Bardem, Luis García Berlanga

FOTOGRAFÍA: Guillermo Golberger

 MÚSICA:  José G. Leoz.

DECORADOR:  Bernardo Ballester

AYUDANTE DE DIRECCIÓN: Ricardo Muñoz Suay

JEFE DE PRODUCCIÓN: Martin Prtoharam y José María Ramos: I.I.E.

VESTUARIOS:  Cornejo

ESTUDIOS : Cinearte 

REPARTO : Fernando Fernán Gómez(Juan) Elvira Quintilla(Carmen) Félix Fernández (Rafa el timador),José Luis Ozores (Luis, el soldado y tramoyista), Matilde Muñoz Sampedro (Amparo), Antonio Garisa (Manolo) , Alady (técnico), Rafael Bardem(D. Julián), Rafael Alonso (gerente de seguros), José Orjas (camarero), Lola Gaos (actriz que interpreta a la reina en la parodia de “Locura de amor”), Antonio Ozores (presentador de la sala de fiestas), Raquel Daina,(Lolita. novia de Manolo), José Franco(Tenor), Manuel Arbó(Esteban), Paquito Cano. Colaboración especial de José María Rodero y la voz de Matías Prats.