LO QUE EL DÍA DEBE A LA NOCHE

Hace ya muchos años pude ver “La batalla de Argel”, un estremecedor y realista relato de la independencia de Argelia dirigida por el italiano Gillo Pontecorvo (“Operación ogro”), ahora he tenido ocasión de ver “Lo que el día debe a la noche”, película de tono agridulce que revisa también aquellos acontecimientos pero abarcando un contexto histórico más amplio.

Basada en el best seller del mismo nombre de Yasmina Khadra, seudónimo del escritor argelino Mohammed Moulessehould, “Lo que el día debe a la noche” se sitúa en el pasado colonial de Francia en Argelia. La acción se inicia en 1930 y llega a nuestros días. A diferencia de “La batalla de Argel”, “Lo que el día debe a la noche” quiere buscar la reconciliación entre ambos países  sustentada en una historia común.  Para ello Alexander Arcady, el director de la película ha querido dar especial peso a la historia de amor que viven los protagonistas . A través de sus encuentros y sobre todo desencuentros, la  relación de Jonás y Émilie, es una metáfora del amor y odio que se profesan Francia y Argelia.

Cuenta como Younes( Fu’ad Ait Aattou)  se  va a vivir con sus tíos, él argelino y ella francesa, cuando su padre se arruina . Sus tíos, que no tienen hijos, se convierten en sus padres adoptivos. Younes, que adopta el nombre de Jonás crece entre jóvenes colonos de los que se hace amigo inseparable y que ni la II Guerra Mundial ni las convulsiones nacionalistas pueden llegar a perturbar.

Todo cambia el día que llega Émilie (Nora Arnezeder),una joven de gran belleza que se convertirá en objeto de deseo de todos los amigos. La sensualidad que desprende hace que todos la deseen pero ella sólo se siente atraída por uno de los cuatro amigos.

El resultado es una historia de amor algo edulcorada y reprimida entre dos actores que de momento muestran mejor sus espléndidos físicos que sus dotes para la interpretación. Ambos Nora y Fu’ ad resultan demasiado fríos y distantes. No trasmiten ninguna química y  en ese punto la película se resiente. Nora y Fu’ ad  tienen, como ya lo han demostrado, madera de modelos.

“Lo que el día debe a la noche” me parece que muestra una frívola visión de la independencia argelina, con una duración que excede las dos horas y media…Bueno es mi opinión porque el autor de la novela ,Yasmina Khadra, manifestó que el primer montaje del filme superó con creces sus expectativas. Para él, el director ha logrado una hazaña por adaptar su novela al cine.

Para quien quiera leerla, yo todavía no lo he hecho, “Lo que el día debe a la noche” está editada en España, por Destino en 2009.

ESTRENO 2 DE AGOSTO

UNA CANCIÓN PARA MARION

El final de la vida ha sido retratado con cierta frecuencia por el cine. Aún recuerdo vagamente  “En el estanque dorado”, aquella melancólica ,conmovedora y tierna película que interpretaron Henry Fonda y Katherine Hepburn como el anciano matrimonio protagonista ,acompañados por Jane Fonda como la hija en permanente conflicto con un padre que no aceptaba las limitaciones de la vejez. Drama y comedia se entremezclaban en aquella cinta que se estrenó hace más de treinta años. Hoy ,Jane Fonda ya ha interpretado más de un  papel  de anciana, aunque alejada del  lado más dramático, siempre con un tono de optimismo y fuerza. Por ejemplo la vimos hace un par de años en la comedia francesa ¿Y si vivimos todos juntos?, en que cinco ancianos  deciden compartir sus vidas para no ir a parar a una residencia de ancianos. Hay títulos recientes que se acercan a  los mayores de diferentes maneras como “Amor” de Michael Haneke o “Cuarteto” de Dustin Hoffman.

Llega ahora una “Una canción para Marion”, película entretenida que se estrena esta semana Aquí un grupo de ancianos forman un coro animados por una asistente social. Marion (Vanessa Redgrave) es una enferma terminal con una gran ternura y determinación, mientras su marido, el otrora sex symbol Terence Stamp es un ser huraño y solitario que solo vive para Marion pero que no comparte para nada la presencia de su mujer en el coro. Es una comedia dramática, muy inglesa, con ese tono “british” tan particular que nos lleva con facilidad de la sonrisa a las lágrimas. Se ve muy bien, es entretenida, pero pondría un  pero: esa manía de disfrazar a los ancianos como si siempre estuvieran en carnaval.

Aquí los vemos de rockeros pero si uno se pasa por una residencia de este país coincidiendo con algún día festivo están en silla de ruedas disfrazados de chulapas y manolos ; con traje de faralaes y si nos apuramos de don juanes y doña Inés. Está bien buscarle un tono simpático a la vejez  pero en ocasiones se cae en el ridículo… No hay que ocultar lo inevitable y hacer de un drama otro drama, están bien películas como “Una canción para Marion”, en que somos capaces de encontrar el lado amable de la vida cuando cada vez queda menos para el final. Los otrora jóvenes y seductores actores son ya venerable ancianos.

Vanessa Redgrave (76) y Terence Stamp (75) encabezan un reparto compacto y  equilibrado bajo la dirección del también guionista, Paul Andrews Williams.




SE ESTRENA EL 26 DE JULIO

CAUTIVA: GRAN ISABELLE HUPPERT

Isabelle  Huppert es una de las grandes damas del cine europeo. Una actriz camaleónica que penetra con la voz y la mirada y hace nuestros cada uno de sus personajes . En “Cautiva” todos nos metemos en su piel.

Los acontecimientos descritos en “Cautiva” se sustentan en varios secuestros ocurridos en Filipinas en 2001, meses antes del ataque a las Torres Gemelas. Fueron llevados a cabo por separatistas islámicos del Abu Sayyaf Group , que operan en en el sur de Mindanao ,islas para las que pedían su independencia . Unas 100 personas fueron secuestradas en distintas operaciones terroristas  y se exigía para su liberación fuertes sumas de dinero.

 Brillante Mendoza (“Kinatay”,”Lola”),el cineasta filipino más reconocido internacionalmente ha imaginado toda la historia de “Cautiva” como un único secuestro.

Una veintena de personas son secuestradas mientras duermen en el hotel, en la playa de Palawan, una de las zonas más turísticas de Filipinas  . Hay misioneros, maestros, ejecutivos o simplemente parejas que pasan unos días de vacaciones.  Thérèse Bourgoine (Isabelle Huppert) es una cooperante que trabaja para una ONG y  que en el momento del ataque se encontraba por los alrededores. Es también secuestrada junto a su anciana compañera filipina.

Inician un viaje por mar  en una precaria embarcación que les lleve hasta Mindanao donde iniciarán las conversaciones con las autoridades para solicitar fuertes sumas de dinero por la liberación de los rehenes. El gobierno filipino no está dispuesto a ceder y envía tropas que persiguen a los secuestradores a través de la selva montañosa pero que no dudan en poner en peligro la seguridad de los cautivos, disparando indiscriminadamente.

Therésé  se siente primero atónita, sorprendida de lo que le está ocurriendo. Después se rebela contra sus captores cuando tiran unas biblias al mar despreciando sus creencias cristianas. Ayuda a su compañera y poco a poco se va convirtiendo en el sostén de los más jóvenes del grupo. Se va haciendo con el entorno antes de que el entorno abrupto, agobiante y agotador pueda con ella. No duda en enfrentarse a los secuestradores que maltratan a sus jóvenes compañeras de secuestro  pero al mismo tiempo intenta conversar con uno de los guerrilleros más jóvenes, casi un niño, del que quiere conocer los motivos que le han  llevado a pertenecer al grupo. En Thérèse, durante el año que permanece en manos de sus captores, hay momentos de resignación pero muchos más de rebeldía y solidaridad. Es tozuda y decidida, firme en sus convicciones y critica contra cualquier injusticia.

“Cautiva” es una buena película, documentada y minuciosa, que nos hará comprender la dureza de un secuestro, de la pérdida de libertad  y del espíritu de sobrevivencia que acompaña a los seres humanos. Sólo un  pero. Brillante Mendoza alarga excesivamente su duración .Con quince o veinte minutos menos, “Cautiva”, le habría quedado redonda

SE ESTRENA EL 26 DE JULIO

EL ÚLTIMO ELVIS

Los Bo son una saga…Es más Armando, su hijo Víctor y su nieto también Armando  son referentes del cine argentino… Armando,el abuelo, dirigió la mayoría de las películas de Isabel Sarli, la estrella erótica del cine argentino.

Es, ahora, el  menor de los tres quién ha dirigido “El último Elvis”, película que vi en la Mostra Cinematográfica de Lleida  y que mereció el premio a la mejor opera prima como ya había ocurrido en San Sebastián con “Nuevos horizontes latinoamericanos” .Armando BoII ha sido el coguionista  con Alejandro González Iñarritu en Beatiful y Birdman, la próxima película del realizador mexicano.

“El último Elvis” es la historia de un perdedor, Carlos Gutiérrez  “Elvis” ,un hombre de 40 años que sobrevive gracias a sus actuaciones imitando al mítico rockero  norteamericano , del que se considera más que admirador, una reencarnación.

Canta bien, entona  con sentimiento las baladas y  aplica el ritmo necesario al rock and roll en locales cada vez más vacÍos y con espectadores indiferentes a sus esfuerzos. Su vida familiar es un desastre. Está separado y solo de vez en cuando, le acompaña su hija Lisa Marie ,una niña de pocos años. Una situación inesperada hace que tenga que llevarse a su hija con él. La cuida lo mejor que sabe pero la situación se va deteriorando.

Harto de penurias y malos momentos decide vender lo poco que posee y cumplir uno de sus grandes deseos, visitar la casa de Elvis en Menphis, el mismo día en que cumple 42 años, los mismos  que tenía Elvis cuando falleció.

SE ESTRENA EL 19 DE JULIO

LLÉVAME A LA LUNA

La vi hace unos meses,en uno de los pases que los lunes organiza Contracorriente en la Academia de Cine. Recuerdo, haciendo memoria, una película simpática y que resultará agradable de ver en estos días veraniegos. Sobre todo , “Llévame a la luna”(“Un plain perfect”) es una comedia mucho menos chabacana y escatológica de las que nos llegan de Hollywood en estas fechas ,donde parece que todo vale para completar las exigencias de las majors, los famosos paquetes que tanto lastran las cinematografías autóctonas. Los franceses, como ningún otro, siguen defendiendo su industria  tanto con  cine de autor como de géneros.

“Llevame a la luna”, película de Pascal Chaunell (“ Los seductores”) se sustenta en la actuación de dos actores en estado de gracia Diana Kruger ( “La huésped”,” Sin identidad”) y Dany Boon(“Bienvenidos al norte”,”Cena de amigos”) que trasmiten química en la pantalla y a los espectadores.

Cuenta la historia de Isabelle(Diana Kruger) una mujer enamorada a la que le sonríe la vida pero que comienza a preocuparse cuando se plantea la boda con su novio. ¿Por qué?. En su familia hay una fatídica maldición. Todos los primeros matrimonios fracasan. Aconsejada por su hermana busca una boda de conveniencia para así superar la maldición que le persigue. En un aeropuerto encuentra a Jean-Yves(Dany Boon),un periodista de viajes que tan pronto está  en el  Kilimanjaro, con boda al estilo zulú y ataque de león incluidos; o en el frío Moscú con bailes rusos y  borrachera de vodka como alicientes.

Ella es una mujer refinada y remilgada, él  tosco y simplón. Son como el agua y el aceite ,dos maneras de ver la vida. El resultado una comedia romántica que nos trae como referencia aquellas comedias del Hollywood dorado pero sin perder nunca su impronta francesa. Podemos dejarnos que nos lleven a la luna sin el amor perfecto pero si sintiendo más la aventura de lo inesperado.

SE ESTRENA  EL 19 DE JULIO 

TU Y YO: BERTOLUCCI

Bernardo Bertolucci es uno de esos directores  que te trae buenos recuerdos de juventud . Sus primeras películas vienen a la memoria con facilidad y recuerdo escenas de “Prima de la revoluzione” o “El conformista”, y por supuesto de Novecento que todavía nos hacía creer en revoluciones y en un  mundo mejor.

Su “Último tango en París” se incorporó a las peregrinaciones a Perpignan de españoles sedientos de sexo, cuando aquella película era una dura y terrible historia de amor y  un análisis de la soledad y la incomunicación de los seres humanos, que nada tenía  que ver con títulos como Emmanuelle, Histoire d’ O o “Los cuentos inmorales “.

Después , cuando emprendió la aventura americana, hubo algunos títulos que me decepcionaron (“El último emperador”, “El pequeño buda”)  y en su regreso  europeo me reconcilié con títulos como “Belleza robada” o “Soñadores”. En estos y otros de sus títulos siempre hay una primera vez. La iniciación a la vida, la iniciación al sexo. Puede ser la pérdida de la virginidad ; la formación de un  trío o las relaciones entre hermanos.

“Tu y yo”, su última película ahonda en esta línea. Bertolucci,de 73 años lleva tiempo enfermo y a pesar de ello ha sido capaz de rodar en silla de ruedas esta historia inquietante y claustrofóbica de dos hermanos que se reencuentran en el sótano de su casa.  Lorenzo es un  chico de catorce años, que se comunica poco con sus compañeros y decide no ir a la Semana Blanca, sin que lo sepa su madre . Se encierra en el sótano con buen aprovisionamiento y un terrario de hormigas cuya forma de vida le gusta observar  como con  los armadillos, que visita en una tienda cercana . Allí aparece Olivia, su hermanastra veinteañera que intenta abandonar la heroína y a la que hace años que no ve. Dos seres solitarios, hostiles al inicio y  cómplices de su soledad  y sus miedos a medida que avanza la narración. Es un mundo cerrado, subterráneo, claustrofóbico, en el que Bertolucci insiste en ahondar en las relaciones humanas como hiciera en “El último tango” o ”Soñadores”, sir ir más lejos.

INCOMUNICADOS

Y CUANDO SE ENCONTRARON

Dos actores fascinantes e inquietantes en su papeles, ambos a tener en cuenta Jacopo Olmo y Tea Falco. Les acompaña Sonia Bernamasco a la que vimos en “La mejor juventud” y que aquí interpreta a una madre un tanto controladora y en el fondo insegura de la relación con su hijo.

TU Y YO SE ESTRENA EL 26 DE JULIO

PERDIDOS EN LA NIEVE

Durante la II Guerra Mundial  dos aviones, alemán y británico, se derriban mutuamente .  Los tres sobrevivientes alemanes avanzan por la inmensa estepa noruega ,en pleno temporal  de nieve, hasta que encuentran una cabaña donde refugiarse. Nada más llegar aparecen los dos tripulantes del avión británico que también han resultado ilesos.

Tras las diferencias lógicas entre los representantes de dos ejércitos enemigos, poco a poco va surgiendo la amistad entre los cinco y todos  arriman el hombro para salir adelante .Se necesitan mutuamente.

Basada en un hecho real, “PERDIDOS EN LA NIEVE”  dirigida por el noruego Peter Naess  narra la actitud de unos hombres que se ven obligados a buscar formas de supervivencia en un paraje inhóspito…Junto a la tensión que desprende el  relato, el realizador ha sabido dotar al filme de un fino humor  y sobre todo ha recordado que las guerras responden a cuestiones políticas, económicas y a militares que buscan su momento de gloria. En la película  resalta por encima de todo la camaradería y complicidad de los cinco hombres  que van poco a poco desgranando su vida íntima y las cuestiones que les han llevado a la II Guerra Mundial.

Como referente a “Perdidos en la nieve” he encontrado una película chilena que vi hace algunos años,”Mi mejor enemigo” que contaba, como coincidían en la Patagonia dos patrullas, una Argentina y otra chilena , cuando ambos ejércitos están a días de comenzar un enfrentamiento armado en la frontera sur, en 1978. Ambas patrullas esperarán la guerra pero esa espera desemboca  en  la amistad  que se da entre seres humanos que son enemigos. 

Un argumento similar al que ahora Peter Naess nos ha presentado con una película que en momentos resulta claustrofóbica, con los cinco personajes en la cabaña y con la imposibilidad de enfrentarse con garantías al duro invierno noruego.

Alemán e inglés a la busca de ayuda

El único sobreviviente en la actualidad de aquella aventura, el teniente alemán Horth Schopis, ya con 98 años, le dio información de primera mano al director sobre una historia que no deja de ser anti-bélica y tremendamente humana. 

Interior de la cabaña.Rancho de musgo y avena

Para Peter  Naess, “Perdidos en la nieve” no transcurre únicamente en el campo de batalla, sino en una cabaña totalmente aislada donde el mundo real, el mundo imperfecto de ideologías fallidas y gobiernos corruptos, no tiene cabida.

Buenos actores, entre ellos Ruper Grint,el pelirrojo de la saga Harry Potter y 101’ de metraje para una película que no defraudará a quién acuda a verla.

                                                          

SE ESTRENA EL 12 DE JULIO

"VIOLETA SE FUE A LOS CIELOS "

La vi  en el festival de cine Iberoamericano de Huelva.  “Violeta se fue a los cielos “es un biopic bien llevado de la vida de Violeta Parra,una de las máximas representantes de la nueva canción latinoamericana, que tanto éxito tuvo en España durante los años setenta. Sus canciones , plenas de poesía, desgarradas, reivindicativas, desencantadas  fueron himnos de América Latina  que encabezaron aquel movimiento musical y social, durante los años de las dictaduras militares en el cono sur ,a pesar de que ella se había suicidado de un disparo en la cabeza en 1967, a los 49 años. Aquellas canciones han sido interpretadas por decenas de cantantes y a la estela  de Violeta Parra hubo nombres míticos como Víctor Jara, los Quilapayún o los Inti-Illimani. Fueron los representantes de la canción popular en América Latina.

“Violeta se fue a los cielos” está dirigida por Andrés Wood, uno de los cineastas chilenos más conocidos en nuestro país a raíz de títulos como “Machuca” o “La buena vida” con la que ganó el Goya a la mejor película iberoamericana. Wood considera que Violeta Parra era un genio, una mujer avanzada para su época que, si hubiese sido gringa, equivaldría tres Bob Dylan”.

La actriz Francisca Gavilán se metió en la piel de Violeta Parra aprendiendo a tocar la guitarra e incluso a cantar las canciones. Ella representa a aquella mujer  vitalista y depresiva. Capaz de los mejores momentos y de los más tristes. La película se basa en el libro del mismo título de su hijo Angel Parra quién ha querido que este libro y también la película pongan a Violeta Parra en el lugar que se merece  y que los jóvenes que se acerquen a sus canciones sepan por qué y cómo las escribió.

En el fondo el objetivo está cumplido. “Violeta se fue a los cielos” es una película divulgativa sobre la vida de aquella mujer inquieta y  un recorrido por sus inquietudes y sus amores que tantos males le trajeron. Una película nostálgica para quienes vivieron su tiempo y de conocimiento para las nuevas generaciones. A Violeta habría que decirle “gracias a la vida , gracias a tus canciones”      

LA MEJOR OFERTA: GIUSEPPE TORNATORE

Con “La mejor oferta” he tenido la sensación de que no he perdido el tiempo. Hacia bastante que no disfrutaba con una película como lo he hecho con el filme de Giuseppe Tornatore, en el que están medidos hasta los últimos detalles.( Bueno, una compañera me comentó que la protagonista que asegura llevar años encerrada en la casa tiene mechas, pero para mí fue un detalle que pasó desapercibido)

Bromas aparte, “La mejor oferta” es un thriller elegante y con un desenlace inesperado. No creo que haya muchos que digan que el final es previsible, porque Tornatore va engranando los personajes y la historia hasta dar un jaque mate al personaje central y a los propios espectadores.

A grandes rasgos cuenta  la historia de  Virgin Oldman( extraordinario Geoffrey Rush) un especialista en arte y agente de subastas ,excéntrico y solitario, que ha sido incapaz de amar a una mujer. Vive amando a las mujeres de los cuadros que colecciona pero no se acerca físicamente  a ninguna. La irrupción de Claire (Sylvia Hoeks) que le solicita tase las obras que se encuentran en la mansión de sus padres, ya fallecidos, trastoca por completo su vida. La joven solo se comunica por teléfono, nunca acude a las citas, y cuando finalmente descubre de quién se trata, conoce que nunca abandona la mansión porque padece de agorafobia. Ese miedo a salir al exterior, a comunicarse hace que Virgin  busque protegerla movido por su deseo . Y no cuento más porque el final se fabrica en la sala oscura , esa que Giuseppe Tornatore nos ayudó a amar, algo más, cuando realizó “Cinema Paradiso”  y que ahora nos hace congraciarnos con el cine viendo “La mejor oferta”.

Giuseppe Tornatore que ha estado en Madrid para presentar “La mejor oferta”, la define como una “historia de amor contada como un thriller, pero sin muertos ni investigadores”. En la película en la que hay también “mujer del cuadro”, hay toques de Hitchcock y la música del maestro Ennio Morricone con el que Tornatore lleva veinticinco años colaborando. Jim Sturges y Donald Sutherland competan un gran reparto que ha contribuido a que “La mejor oferta” se haya llevado seis de los David Donatello de 2013(el equivalente italiano a los Goya) y haya sido vista en Italia por más de millón y medio de espectadores

Ah, y un apunte final, algunos dicen que “La mejor oferta” es también una crítica y una caricatura  de determinados críticos  excesivamente petulantes y con  un absurdo sentido de superioridad respecto a los artistas. Mejor, mi oferta, es que juzguéis vosotros.

SE ESTRENA EL 5 DE JULIO

HIJOS DE LA MEDIANOCHE

Son escasas las ocasiones que nos llega cine indio , a pesar de que Bollywood es la mayor industria cinematográfica del mundo. Hay ocasiones, como ahora, que se da la doble circunstancia de que “ Hijos de la medianoche” , está basada en la novela del mismo título de Salman Rusdhie y que su directora, Deepa Mehta haya traspasado la barrera de occidente con títulos anteriores como “Agua”,”Tierra” y “Fuego”.

Poesía y realismo mágico nos introducen en “Hijos de la medianoche”  .Hay  humor e ironía en esa primera parte de la película que promete mucho más de lo que desarrolla durante los 146 minutos de metraje.

Hay momentos divertidos como las visitas que el médico realiza a la paciente de la que solo puede ver la parte que le duele,( la cabeza, un brazo, el pecho) a través de un agujero efectuado en una sabana .

Esos inicios  nos llevan desde 1917 y posteriormente los estertores del régimen colonial británico hasta la noche del  15 de agosto de 1947 con la proclamación de la independencia y los conflictos que comenzaron con Pakistán y posteriomente Bangla Desh…Los niños que nacieron esa noche son niños mágicos; pero también reales como los dos protagonistas de esta historia que son intercambiados de cuna, modificando también su destino.

El niño rico será infeliz en un mundo de miseria y el pobre vivirá, en su opulencia, el odio y el desprecio hacia los inferiores. Su vida se desarrolla de forma paralela con algunas confluencias…Sus vidas son también una metáfora de este enorme país en que las desigualdades sociales han sido una de sus señas de identidad. 

Desde 1917 en Cachemira hasta 60 años después en Delhi,. Deepa Mehta  nos lleva por la  convulsa historia de India, de la mano de Salman Rusdhie que ejerce como narrador durante las más de dos horas y media de metraje. Amor, violencia, realidad y magia en una película que para Mehta habla de uno de los grandes temas de la ficción:

¿Puede el individuo cambiar el mundo o es un mero testigo de la historia?

HIJOS DE LA MEDIANOCHE  se estrena el 5 de julio

LA BICICLETA VERDE

 He leído que LA BICICLETA VERDE, la película que inaugura hoy la Mostra de Cinema Jove de Valencia,  ha sido catalogada como una historia preciosa que fascina al público…La historia es preciosa,efectivamente, pero también resulta lamentable y desalentador ver el sometimiento a que están abocadas las mujeres en Arabia Saudí y otros países árabes.

“La bicicleta verde” es la historia de una ilusión y al mismo tiempo una película sensible y reivindicativa. Es  la primera película de la cinematografía saudí  dirigida por una mujer Haiffa Al Monsour que con exquisita delicadeza traza un sutil retrato de la sociedad saudí en que las mujeres se ven obligadas a aceptar el papel superior de los hombres  y de sus leyes … Salvo el marido no pueden ser vistas  sin el velo; no pueden hablar alto si hay hombres cerca; hay que aceptar que el marido se busque una nueva mujer si no le das un hijo varón ;las niñas de diez u once años ya deben comenzar a cubrirse; no pueden montar en bicicleta por si pierden la virginidad;en el árbol genealógico no se contempla a las mujeres; la educación,que imparten las propias mujeres , insisten en todos y cada uno de esos conceptos. Las niñas son educadas para servir al hombre …Son como dos mundos diferentes que solo confluyen en la intimidad de la casa familiar.

La familia saudí,con madre e hija en segundo plano

Haiffa Al Monsour  ha invertido varios años de su vida en poder hacer la película. Cuenta la historia de Wadjda, una niña de diez años  que vive en Riad y que de alguna forma se opone a todos los impedimentos que tiene su condición femenina. Entre ellos el no poder adquirir una bicicleta porque atenta contra la dignidad  de la mujer. Ella busca desesperadamente la bicicleta para poder  ganar en una carrera a su amigo Abdullah, en una relación que también es mal vista por la sociedad saudí.

Wadjda y Abdullah,una relación prohibida

La directora  traza esa radiografía de la sociedad  y describe en particular, las relaciones de Wadjda con su madre y con sus profesoras  en el rígido ambiente escolar, donde uno de los concursos  más apreciados por la dirección y las propias alumnas es el de conocimientos y lectura del Corán.que  reporta a la ganadora una buena cantidad en metálico.

Wadjda sólo busca su bicicleta. En cierta manera me recuerda a un episodio de la película española “Cuentos para una escapada”,en la que un niño quiere conseguir un balón de fútbol. Cuando éste desaparece del escaparate tira el dinero que había reunido. En la “Bicicleta verde” también existe esa ilusión y ese deseo, nada ostentoso, pero prácticamente inalcanzable  para una niña que tiene que atenerse a unas reglas rígidas y agobiantes. Buen debut  Haiffa Al Monsour,la cuestión es saber cuándo podrá volver a dirigir.

SE ESTRENA EL 28 de junio

MI ENCUENTRO CON MARILOU

La nueva película de Jean Becker, “Mi encuentro con Marilou”  mantiene la línea intimista y amable de su filmografÍa que contiene títulos como “Mis tardes de  Margueritte” o “Conversaciones con mi jardinero”. El cineasta francés hace partícipe directo al espectador de todas sus “conversaciones” ambientadas habitualmente lejos de la gran ciudad y llevándonos a la Francia más provinciana.

TAILLANDER CON  SU FAMILIA

En “Mi encuentro con Marilou” ,Jean Becker  nos acerca a un pintor de éxito que con más de sesenta años atraviesa un período depresivo que le impide seguir creando. Se convierte en un ser huraño y desagradable que se mantiene distante con su familia, incluida su mujer, papel que interpreta Miou Miou, una de las actrices francesas más valoradas de los setenta y ochenta tras su interpretación en “Los rompepelotas”(“Les valseures”) con un  también jovencísimo y debutante Gerárd Depardieu.

Taillander(Patrick Chesnais) decide huir de su casa, apartarse de su ambiente  e incluso se plantea si merece la pena seguir viviendo.

Miou Miou con el mejor amigo de su marido,interpretado por Jacques Weber

Conduce horas hasta encontrar el lugar donde comenzó a pintar animado por su abuela, siente que nunca podrá volver a hacerlo. No tiene ganas de nada y bajo la lluvia una adolescente, Marilou, le pide que le lleve al centro de la ciudad. Le cuenta que su madre le ha echado de casa después de discutir con su padrastro que, en el fondo pretende acostarse con ella.

Entre los dos se establece una relación de amistad que les lleve a conocerse y a superar juntos las dificultades que van surgiendo. TaillandIer y Marilou acaban estableciendo una relación de padre e hija y ambos van desgranando los motivos  de sus inquietudes  y esa desesperanza y desconfianza  que tienen en el mundo que les rodea y en sus propias posibilidades.

Taillandier y Marilou 

Tallandier, casi anciano, tiene que aceptar esa condición y el inexorable paso del tiempo. Marilou tiene que crecer, saber que a sus quince años le queda un largo camino por recorrer. Final y principio de la vida se unen en esta historia lineal que, como en todo el cine de Jean Becker profundiza en las relaciones humanas , los sentimientos  y en la posibilidad de que dos seres, desconocidos el uno para el otro, que no tienen nada que ver, puedan encontrarse.




ESTRENO  21 de junio 2013

INSENSIBLES

He tenido que hacer memoria porque la vi hace  varios meses y recuerdo que me produjo una sensación  de inquietud  y desazón.   “Insensibles” es una película sin concesiones al espectador, aunque seguro que más de uno se implicará  en esta ópera prima del hispano-francés Juan Carlos Medina quién aborda  la Guerra Civil española desde una perspectiva diferente y utilizando como Guillermo del Toro (El laberinto del fauno)  o más recientemente Oscar Aibar (El bosque) elementos fantásticos y sobrenaturales .

En  Insensibles , Juan Carlos Medina  entremezcla terror, ciencia ficción y Guerra Civil.  Cuenta como David ( ALEX BRANDEMHUL) sufre un grave accidente  y  precisa urgentemente un trasplante de médula para poder sobrevivir . Es el drama de un hombre que lucha contrarreloj para salvar su vida  al mismo tiempo que se va a acercando a su pasado. Para encontrar respuestas se traslada a un pueblo de los Pirineos en el que,durante la II República, los niños nacían inmunes al dolor y eran encerrados en un manicomio, un edificio agobiante y claustrofóbico  que se convierte en otro de los protagonistas de la película.

El edificio es una metáfora de la infancia como germen traumático y un  submundo  al que acceden  esos personajes que sobreviven entre cuatro paredes, encerrados y escuchando el sonido de las armas y la muerte . No es una película maniqueísta, Juan Carlos Medina considera  que en las guerras  solo existen dos bandos: los inocentes y sus verdugos.”Insensibles” trata de ambos bandos. 

El personaje de Verkano,clave de la historia, enamorado

Su película es una fábula gótica en que la búsqueda del pasado, la identidad y el miedo se entremezclan para configurar un todo. Por su madurez es una película sorprendente para un debutante pero ya he dicho que no es mi cine, que no es el tipo de cine por el que me sienta atraído. Seguro que muchos de vosotros no sois de la misma opinión y colocáis a “Insensibles” como una de las películas del año.

UN INVIERNO EN LA PLAYA .Los escritores buscan el amor)

 Resulta gratificante que alguien quiera ser escritor en estos tiempos que corren. Supongo que los genes y el empecinamiento de un progenitor que escribe, tendrán algo que ver…Así  a grosso modo, se traduce la idea de UN INVIERNO EN LA PLAYA, seguramente el menos apropiado de los títulos después que originariamente la película se llamara  Writers y  posteriormente   “Stock in love”, pero  a alguien se le ha ocurrido establecer una  relación entre  los escritores o los empecinamientos  amorosos  y  la estación invernal .

Padre e hija hablando de literatura o de la vida

Lily Collins(Samantha) y Nat Wolff (Rusty) son los hijos de Greg Kinnear (Bill)  en la película. Los tres son escritores  que trasmiten con las palabras los sentimientos más profundos, pero los tres no encuentran su camino en el amor. 

Dirigida por el debutante John Boone que emplea un tono desenfadado para inspirarse en  su propia experiencia, el divorcio de sus padres, “Un invierno en la playa” muestra como Bill confía en que Erica (Jennifer Conelly) regrese con él a pesar de llevar dos años divorciados. Su hija Samantha  lleva a su máxima expresión eso de que “un escritor es la suma de todas sus experiencias” pero tiene miedo a cualquier relación estable; todo lo contrario de su hermano, tímido y huidizo que escribe poemas a la chica diez del Instituto y tiene a Stephen King como su ídolo.

Los golpes del amor adolescente

En “Un invierno en la playa” tres tipos de escritores, tres concepciones diferentes del oficio de escribir  y el aporte optimista de que los jóvenes pueden tener fácil  el camino hacia la edición. También tres diferentes historias de concebir el amor y el deseo  porque, en el  fondo vida y literatura se entremezclan continuamente 

La facilidad para encontrar  el camino de la literatura, con muchas referencias a Stephen King, ya lo he dicho, un poco de hierba y algo de cocaína; sexo mucho menos que explícito y  chicos y chicas guapos hacen que  Un invierno en la playa , sea un cuento  previsible pero bien resuelto , que nos puede entretener   y  relajar después de una dura semana.

ANTES DEL ANOCHECER

Richard Linklater es un director norteamericano con una docena de títulos a sus espaldas pero con dos y ahora tres que sobresalen por encima del resto. Antes del amanecer(1995)  con la pareja protagonista de la trilogía, Ethan Hawke(Jesse) y Julie Delpy(Céline), nos hablaba del amor de juventud, de esa posibilidad de que dos jóvenes que se conocen en el tren decidan pasar unas pocas horas juntos en una ciudad mágica como Viena, poco antes de que él regrese a Estados Unidos.

Todo empezó en un tren

Se enamoran y deciden reencontrarse seis meses después en la misma ciudad, pero esa cita no llega a producirse nunca .Transcurren  diez años. Jesse es un escritor conocido y firma ejemplares de sus libros en París. Allí está Céline, en su ciudad, y vuelven a verse  en “Antes del atardecer” (2004), en que rememoran aquella noche de romanticismo juvenil, sus ilusiones pendientes ,las primeras heridas,...Una cinta con humor ,diálogos naturales y la música de Nina Simone.

“Antes del anochecer “( 2012), también funciona, aunque los protagonistas (40 y pocos años), son todavía bastante jóvenes para plantearse ese anochecer. Viendo las tres películas te das cuenta que una de las razones de su éxito es que nos hemos sentido identificados  porque todos hemos ido envejeciendo al mismo tiempo que los protagonistas. Se acabó la inocencia, se acabó la pasión  y solo queda el amor y seguramente con más fuerza la amistad y el compañerismo .

Tres películas en una

“Antes del anochecer” es melancólica y al mismo tiempo divertida, muy divertida por los diálogos llenos de ironía y complicidad. Es una película más profunda y penetrante que las anteriores por ese paso del tiempo y la llegada a la madurez de los protagonistas. En esta ocasión Richard Linklater desarrolla la trama en tres grandes secuencias. 

La primera es el viaje en coche de regreso del aeropuerto  donde Céline y Jesse han dejado al hijo de éste para que regrese con su madre a Estados Unidos. En el asiento de atrás viajan dormidas las gemelas de ambos. Están en Grecia donde han sido invitados a pasar unas vacaciones. En ese coche se atisba la complicidad entre los dos y también algunas diferencias como es el hecho de que Jesse plantee que se vayan a vivir a Estadios Unidos para estar más cerca de su hijo.

La segunda es una comida entre amigos, en la casa en que están alojados. Se habla de literatura, de vida, de sexo, de  muerte. Es una comida distendida pero al mismo tiempo profunda y divertida .

La tercera secuencia que resalto es la habitación del hotel  en que se alojan invitados por dos de los amigos. Una noche que debe ser relajante y sensual pero en la que  Céline y Jesse sacan los trapos sucios de casi diez años de convivencia.

Si en las dos anteriores cintas Viena y París tenían gran protagonismo en esta ocasión, Grecia se queda en un segundo plano. No hay un exceso de paisajismo. Linklater  ha preferido ahondar en las relaciones sentimentales de los protagonistas, en que les acompañemos en esa complicidad divertida y en ocasiones agria que trae la convivencia y el paso del tiempo.

Ellos son los protagonistas pero siempre la belleza del mar

"Antes del anochecer", una película pequeñita, dentro de una gran trilogía. No se necesita mucho para armar buen cine. Un guión bien escrito y un grupo de actores, sobre todo los dos protagonistas, que trasmiten su complicidad al espectador. Crecen con los años no envejecen

SE ESTRENA EL 28 DE JUNIO

INCH' ALLAH ( SI DIOS QUIERE)

No son muchas las películas que sobre Palestina se han estrenado comercialmente en nuestro país(“Los limoneros”,”Zona libre”,”La banda nos visita”) por eso resulta gratificante que en estos tiempos , tan difíciles para el cine independiente en nuestro país, haya distribuidoras que nos refresquen la memoria sobre un conflicto que parece no tener fin.

“Inch’ Allah”  (Si Dios quiere) es una coproducción franco-canadiense que no deja de ser  una mirada de los occidentales, a  través de los ojos de una joven ginecóloga, de la situación en que viven los refugiados palestinos y la vida de los israelíes al otro lado del muro.

Chloe con su amiga israelí

Chloe con sus amigas palestinas

Chloé, Evelyne Brochu,estupenda actriz, es la joven ginecóloga que vive en Israel  y que diariamente se traslada a un campo de refugiados palestino donde atiende a las embarazadas como Rand(Sabrina Ouazani) que se convierte en su amiga. Al mismo tiempo mantiene amistad con su vecina una soldado israelí Ava(Sivan Levy) con la que sale y conversa  habitualmente.

Poco a poco esa mirada neutra va tomando posiciones. Esa relación con personas que se encuentran a ambos lados de los muros y puntos de control del campo de refugiados irán cambiando sus convicciones y  su aparente falta de implicación. No es una película maniquea, pero la balanza se va volcando hacia el lado palestino.

La directora  Anais Barbeau-Lavalette, que procede del campo documental, hace que “Inch’Allah” mantenga esa línea entre la ficción y el reportaje documental. Anais Barbeau dijo que su película refleja “todas las ambigüedades de una situación. Una mezcla de amor y de odio; de fascinación y de enfrentamiento. Cuanto más veía, menos entendía, pero más quería sumergirme en ese mundo”

Si nos sumergimos en ese mundo veremos cómo los palestinos viven en condiciones infrahumanas sobreviviendo si Dios quiere porque nadie de la comunidad internacional es capaz de tratar con justicia una situación que persiste desde hace sesenta años. Se les han quitado sus tierras, sus niños mueren por lanzar piedras a los carros de combate israelís; las mujeres tienen que parir en un  coche porque se les impide el acceso al hospital y  cada día pueden esperar un ataque indiscriminado  en represalia a los atentados palestinos, que nacen de la desesperación y la impotencia.

A Chloe se le dice “no es tu guerra. No te llenes el plato con nuestra mierda”. Todos estamos rebozados por no mirar .Por eso conviene que veamos “Inch Allah”.

POPULAIRE: El reino de las secretarias

Los franceses, como los americanos, con argumentos simples consiguen  sacar un buen producto comercial. POPULAIRE otro de los éxitos de la cinematografía francesa llega a las carteleras  españolas con la historia de una mecanógrafa que escala a las más altas posiciones desde un pequeño y escondido pueblo de la Baja Normandía…

Estamos a finales de los cincuenta y muchas jóvenes consideran que ser secretaria es una profesión moderna y  que es a lo máximo a lo que pueden aspirar.  Rosa Pamphile (Deborah François), tiene 21 años, vive con su padre, viudo, que regenta un pequeño bazar  y que quiere que se case con un joven del pueblo. Rosa ,en cambio,tiene claro que su futuro es no ser un ama de casa sumisa y aplicada y decide presentarse a unas pruebas para secretaria en Lisieux, la ciudad más importante de la zona. Resulta un desastre como aspirante  pero escribe a gran velocidad lo que llama la atención de Louis Echard ( Romain Duris) que se convertirá en su jefe y entrenador para competir en los diferentes campeonatos que se celebran para elegir la mecanógrafa más rápida.

Una protagonista en la línea cándida y simple de Ámelie, pero con ganas de aprender, que va haciéndose una carrera como la mecanógrafa más rápida de la región y que después, como si el mundo viviera en torno a las pulsaciones que alcanzan por minuto las secretarias, compite en pruebas internacionales, lo que hace interminable la película que se acerca a las dos horas de duración. Y es que  POPULAIRE, opera prima de Regis Roinsard,  resulta reiterativa, superficial y previsible,  una pena porque  la historia podría haber dado resultado por el  tono candoroso, romántico  y retro que plantea .

Por una vez el jefe no es un “lobo” que quiere atrapar en sus redes o en la cama, que es lo mismo, a la inocente chica de provincias. Guarda su propia historia y la de un amor frustrado, pero es un tipo legal aunque egoísta porque su  objetivo es que Rosa sea  la mejor de las mecanógrafas y que gane en todas las competiciones.

Por cierto.¿Qué ha sido del sonido de las máquinas de escribir y de esa velocidad de antaño?
  En el fondo creo que no hemos cambiado tanto si observamos a nuestros vecin@s  del metro o el autobús …Cómo manejan los móviles!!!!!!! . Los pulgares son la taquigrafía moderna. Eso sí, bastante más silenciosa.

En sus puestos.Preparadas,listas...ya