HIJO DE CAÍN

Viendo “Hijo de Caín” la pregunta  más directa sería ¿es usted el asesino?. Porque en la película del debutante Jesús Monllaó Plana parece desde el inicio que el malo es muy evidente pero a medida que avanza parece que hay otro peor  y si continuamos volvemos al principio. Nada es lo que parece ¿o si?

El tarraconense Jesús Monllaó concibe “Hijo de Caín” como una gran partida de ajedrez, en que el más inteligente va moviendo los personajes a su antojo, utilizando todas sus armas y con el inequívoco objetivo de matar al rey. En el filme se ven influencias de algunos thriller de los ochenta-noventa , más en la forma que en el fondo. Títulos como   “La caja de música” de Costa-Gavras o “Instinto básico” de Paul Verhoeven  describen, como en “Hijo de Caín”, a “falsos culpables”  que  parecen sometidos a  una conspiración o una presión injusta.

En “Hijo de Caín” la protagonista es una familia acomodada que comienza a romperse por la actitud del hijo adolescente. Nico (David Solans) tiene una postura distante y fría, especialmente con  su padre (José Coronado)  que les lleva al enfrentamiento mientras la madre (María Molins) asiste casi impotente al progresivo deterioro de la relación familiar en que la hija pequeña (Helena de la Torre) es un testigo mudo de lo que ocurre. 

La  contratación de un  psicólogo para que trate al joven parece reconducir la situación, aprovechando la  afición común que sienten  por el ajedrez. Julio (Julio Manrique) incorpora progresivamente a su exclusivo círculo a Nico que ve que el ajedrez y su entorno son una filosofía de vida.

El ajedrez como metáfora de la vida en este thriller psicológico en que todos los protagonistas tienen un secreto que ocultar.  Es trabajo del espectador ir desentrañando  la trama  de Jesús Monllaó basada en la novela “Querido Caín”, de Ignacio García-Valiño

360. JUEGO DE DESTINOS.El nuevo filme de Fernando Meirelles

Sólo se vive una vez. ¿Cuántas oportunidades tenemos en la vida?  Un sabio dijo que si encontramos una encrucijada en la carretera, tomemósla. Se le olvidó mencionar que dirección debíamos tomar. ¿Quién sabe cómo serán nuestros caminos?, ¿Hacia dónde nos llevarán?.

Algunos de los personajes de “360º. Juego de destinos” llegan a su encrucijada y eligen el camino. Sobre esta  propuesta se mueve “360º. Juego de destinos”, la última película del  brasileño Fernando Meirelles ( “Ciudad de Dios”,”El jardinero fiel”, “A ciegas”) que interrelaciona varias historias sobre el amor y las relaciones de pareja en el siglo XXI, en diferentes ciudades y países ,Viena, París, Londres, Bratislava, Río de Janeiro, Denver, Phoenix, seis idiomas diferentes en esta Torre de Babel  de la globalización, en que lo que afecta a uno alcanza a todos.

“360.Juego de destinos”  comienza con una chica eslovaca sometiéndose a una sesión fotográfica de desnudos para ofrecerse en internet. Su primer cliente es un ejecutivo londinense(Jude Law) que se enfrenta a la dura decisión de continuar siendo fiel a su mujer (Rachel Weisz) con la que lleva varios años casado.  El lugar elegido al inicio es Viena, ciudad que abre y cierra la historia que relata Fernando Meirelles.Un circulo que tiene otros muchos eslabones.

Jude Law y Rachel Weisz,una pareja que se aburre

La mujer tiene un joven amante brasileño en Londres; la novia de éste se harta y  decide volver a Río. En el aeropuerto conoce a un inglés(Anthony Hopkins) que viaja a Phoenik para saber si el cadáver encontrado en esa ciudad corresponde al de su hija desaparecida hace varios años. La escala en Denver se  alarga por una espectacular nevada que le atrapa como también a un maníaco sexual que tiene su primer permiso carcelario. Paralelamente en París un dentista magrebí está enamorado de una mujer rusa que está a punto de romper su matrimonio con el guardaespaldas de un mafioso, también  ruso . 

Una prostituta eslovaca en Viena

Personajes y situaciones globales. Todo está ocurriendo  y  hay una interrelación que permite que cualquiera pueda estar en cualquier lugar y como nos propone Meirelles ser conscientes de que sólo se vive una vez.

“360º. Juego de destinos” tiene una impecable factura técnica  ; mejor montaje y  excelentes actores. Fernando Meirelles siempre los ha elegido bien. Jude Law, Rachel Weisz,Anthony Hopkins  y todos los desconocidos, para mí , que les acompañan componen un fresco de este siglo XXI. Meirelles sigue consolidando su oficio y para ello se sustenta en obras literarias “Ciudad de Dios”(Pablo Lins); “El jardinero fiel” (John le Carré) , A ciegas(José Saramago) y ahora ha buscado inspiración en el clásico “La ronde”, una obra escrita en 1900 por el austríaco Arthur Schnitzler , que llevara al cine en 1950 Max Ophüls.

UN AMIGO PARA FRANK

La presencia de un robot como sustitutivo del ser humano siempre me ha causado cierta prevención cuando sustenta el argumento de una película.   No es el caso de “Un amigo para Frank”  una divertida y al mismo tiempo profunda comedia  que se sitúa en un futuro muy cercano, podría ser hoy mismo, y que cuenta como un robot se convierte en el compañero inseparable de un anciano solitario y taciturno que  no acepta la dependencia de nadie y que busca mantener su modo de vida a pesar de que sus facultades van mermando progresivamente.

Frank -Frank Langella, excelente en su papel-  es atendido esporádicamente por sus hijos (Liv Tyler y James Mardsen)  que viven a considerable distancia de su ciudad. El solitario Frank rechaza  en un principio el regalo del robot pero poco a poco  ve como se hace imprescindible en su vida, convirtiéndose en un amigo y un cómplice al que va enseñando sus habilidades.

“Un amigo para Frank” que se vio en Sundance y obtuvo el premio del público en el festival de Sitges, más que de ciencia ficción es una película realista porque no va a pasar mucho tiempo en que los ancianos, en una sociedad cada vez más envejecida e informatizada, acaben siendo atendidos por algún tipo de artilugio electrónico. Tampoco parece augurársele un gran futuro al libro de papel y a las bibliotecas tradicionales. Ellos son una de las escasas pasiones de Frank  que tiene en su rutina acudir periódicamente a la biblioteca del pueblo, atraído además por la bibliotecaria (Susan Sarandon)) ,que ve peligrar su puesto y forma  de trabajo ante la llegada de nuevos y modernos propietarios.

Frank, junto a su amigo el robot, comienza a elaborar un plan para vengar a su amiga y ridiculizar a los nuevos  dueños de la Biblioteca. Ah dirige, y bien, el para mí desconocido Jake Schreier.

"LA ESTRELLA" : Ingrid Rubio

 Siempre tuve debilidad por Ingrid Rubio, a la que considero una actriz completa. La entrevisté a finales de los noventa y primeros dos mil cuando fue reconocida por sus actuaciones en películas como “Todas las azafatas van al cielo” o “El faro del sur”, ambas realizadas por cineastas argentinos, Daniel Burman y Eduardo Mignona,respectivamente. En especial y gracias a la magia de la radio recuerdo la conversación que mantuvieron ,en uno de los programas que hacía por aquella época, el desaparecido Mignona, en Buenos Aires  e Ingrid en Barcelona para hablar de su trabajo conjunto.

Después Ingrid estuvo en títulos como “Salvador”, “Tirante el blanco”, “El alquimista “impaciente o “La playa de los galgos”  pero no había vuelto a verla con la fuerza  de aquellos primeras películas hasta ahora en que he asistido al pase de “La estrella”, opera prima de Alberto  Arévalo  que se sitúa en la periferia de Barcelona, en Santa Coloma de Gramanent, en 2002,  una ciudad que se fraguó en los años cincuenta con la llegada de inmigrantes de las zonas más depauperadas de España .

Ingrid Rubio combina la sonrisa, la tristeza, la soledad, el deseo, la sensualidad, la pasión con idéntica naturalidad. Hace creíble su personaje, el de una limpiadora del cementerio, enamorada de un joven ambicioso(Marc Clotet) que encuentra trabajo como ejecutivo en una empresa constructora y amiga de sus amigas, de la gente del barrio en que se crió. En Santa Coloma, “Estrella” mantiene sus raíces  aunque sus padres regresaran a Andalucía, a Carmona, cuando alcanzaron la jubilación.

Marc Clotet  e Ingrid Rubio

“La Estrella” tiene un guión cuidado y creíble, escrito al alimón por Alberto Arévalo y Belén Carmona ,la autora de la novela en que se basa la película. Prevalece el personaje de Estrella pero los secundarios, empezando por Carmen Machi (Trini)  contribuyen a la buena factura de la película.  En “La Estrella”  se hace referencia  a hechos reales como la revuelta vecinal contra la instalación de una mezquita , que tuvo tintes racistas y que al parecer estuvo promovida por una empresa constructora que necesitaban el local para continuar con su plan especulativo en la zona.  Se hicieron algunos documentales sobre el tema como “Mezquita,no”. En “La Estrella” hay también referencias al negocio del ladrillo, tan boyante aquellos  años o a cuestiones como el  maltrato a mujeres  y  el espíritu machista de la sociedad.

“La estrella” es un relato de la otra Barcelona,alejada del lujo de Paseo de Gracia, el Puerto Olímpico o Pedralbes. A poco más de 10 kilómetros está Santa Coloma de Gramanent ,una ciudad que nos retrotrae a las novelas de Juan Marsé y a ese otro mundo que parece taparse u olvidarse.

Un mundo en que Estrella tiene nombre de cerveza porque su padre amaba esa cerveza catalana, por encima de cualquier otra…. Otros en Andalucía podrían haber llamado a su hija Cruz  y  en Madrid lo tenemos más difícil  aunque no con menos espuma, cuando recurrimos a la Mahou…. “La” estrella es una caña bien tirada.

EL GRAN GATSBY ( THE GREAT GATSBY)

El Gran Gatsby es Hollywood. Posee todos los medios posibles para que asistamos al estreno de una gran superproducción. No se han escatimado esfuerzos y sobre todo dólares ( 127 millones ) para volver a llevar a la pantalla la novela de Scott Fitzgerald, en la que brilla el dinero pero sobre todo una época  que con el paso del tiempo observamos viva,creativa y optimista.

Tenía mucho miedo a  Baz Luhrmann  que se pierde por los excesos, por la parafernalia, los efectos especiales y los sonidos estridentes como me demostró en Romeo y Julieta y Moulin Rouge …En eso no me he equivocado pero, pese a ello, la esencia de la novela está en esta nueva versión cinematográfica del director australiano.

Es como si hubiese dos películas en una. Las fiestas resultan estridentes, artificiosas y vacías. Mucho colorido, fuegos artificiales y música ruidosa en lugar de los sonidos del jazz que no han parecido atraerle al cineasta. Esa película es la que se puede ver en 3D, con gafas al uso y reclamo de adolescentes.

La otra película es la que se queda sin el envoltorio y recupera la fuerza de los personajes, no todos, pero si  el de Jay Gatsby con un Leonardo DiCaprio que crece continuamente. Gatsby es la historia de una pasión. 

Ninguna mujer ha sido tan amada como Daisy Buchanam , interpretada por Carey Mulligan ( An Education). Es pasión, es deseo, es obsesión  por una mujer que le amó y por la que hace todo con la esperanza de recuperarla.

Son los años veinte, los felices años veinte previos al crack del 29. Nueva York es una fiesta y Gatsby representa el éxito, el sueño americano. Se reinventa continuamente a sí mismo  sin un pasado al que agarrarse. Ha conseguido todo pero le falta recuperar ese amor tan extremo y absoluto.

Nick Carraway( Toby Maguire), aspirante a escritor y personaje  creado para esta nueva versión de “El gran Gatsby” es el narrador de la historia ,el celestino y árbitro de los amores entre Gatsby y Daisy. Quiere estar al margen  pero  se siente irremisiblemente atraído por la personalidad de Gatsby.

“El gran Gatsby”  describe el poder del dinero; la sensación de que con él todo se puede comprar y  los dos o tres mundos que giran a su alrededor …

Los desheredados de siempre, los habitantes del Valle de las Cenizas ; el joven triunfador que ha borrado su pasado ; y los poderosos  y prepotentes  representados por Tom Buchanam (Joel Edgerton),el marido de Daisy que desprecia a Gatsby por sus orígenes inciertos . Es aquello de “todavía hay clases” y ese aspecto queda muy bien reflejado en la película de Baz Luhrmann que ha tomado el relevo de la que protagonizaran Robert Redford y Mia Farrow en 1974 y de otras versiones que nunca he visto como la de 1949 con Alan Ladd como Gatsby o más atrás la versión muda que dirigió Herbert Brenon en 1926, tan solo un año después de que Scott Fitzgerald publicara la novela.

LA FOTÓGRAFA : EL LENGUAJE DE LAS IMAGENES

La relación víctima-verdugo ha dado algunos títulos relevantes en el terreno cinematográfico. Recuerdo “Portero de noche”, de la italiana Liliana Cavani; "La muerte y la doncella”, de Roman Polanski o la impactante y menos conocida “Garaje Olimpo”, del argentino Marco Bechis…  Historias de torturas, violaciones, asesinatos que han  quedado impunes. ¿Qué ocurre cuando  nos reencontramos con el torturador?...¿Qué sucede cuando descubrimos un pasado oculto que puede cambiar tu vida?

Fernando Baños es un  cineasta de origen asturiano que acaba de presentar su primera película,   “La fotógrafa”, en que nos propone investigar con él la historia de una joven y su madre, recién fallecida, a través de unas fotografías que encuentra en la antigua casa de sus abuelos, donde residió cuando era niña. Baños apuesta por el lenguaje de las imágenes que hablan con más fuerza que las palabras.

En el arranque de la película observamos una casa solitaria en un páramo castellano, un plano fijo sobre  un  espacio en el  que dejamos el poso de nuestra existencia pasada. El siguiente plano es el rostro de una mujer joven a la que escudriña el espectador junto a la propia cámara.   Vemos también fugazmente una niña que es el pasado  y un hombre mayor que busca a la dueña de la casa que ya no está, que acaba de morir, aunque la cámara la recuerde a través de los objetos que ha dejado antes de su muerte.

Kath desnudando el pasado

Los objetos definen la vida de quienes nos han dejado. Son la memoria que la madre perdió y que antes  de que llegara esa pérdida de identidad, fue desnudando a través de las fotografías que hizo a lo largo de sus vida . Cada foto tenía su propia historia aunque hay una que le llama la atención, la de un joven que golpea un camión de policía, durante el “corralito” argentino de 2001.  Kath (Zay NUba) se propone conocer  cuál es la historia que esconde esa foto a su regreso a Argentina, donde vive. Propone al espectador indagar con ella, revisar esa imagen del pasado.

Esa foto nos sitúa en el momento en que se hizo ; en el tiempo actual y en un pasado que nos retrotrae  a 1981, en plena dictadura militar.

Fernando Baños no utiliza imágenes violentas. Sugiere. La imagen y  en segundo plano, la palabra. Pregunta y nos pregunta  ¿qué relación existe entre esa imagen , tomada por Sara,la madre y la fotografía en cuestión?.

Como “Los ilusos”, de Jonás Trueba, que he comentado en este mismo blog,  Fernando Baños nos hace una propuesta diferente que busca más la implicación del espectador que la propia comercialidad de la película. “La fotógrafa” es diferente . Tan solo cuatro semanas de rodaje, actores poco conocidos y una propuesta estética y narrativa alejada de cánones tradicionales. No es de extrañar que sea Pere Portabella uno de sus principales valedores.

MAREA LETAL ( "DARK TIDE")

No voy a mentir si digo que cada vez me cuesta más ir a ver una película con el sello de Hollywood. Hay  superproducciones  que bueno, te dices a ti mismo, es que estaban los grandes y los dólares le dan una factura técnica impecable, pero hay otros muchos títulos, la mayoría , que no acabas de asimilar, porque tienes la sensación de que siempre ves la misma película.

Los "apagados"Olivier Martinez y Halle Berry

Me ha ocurrido con “Marea letal” ( Dark tide) una película que suponía previsible pero que supera todas las expectativas. He acudido animado por la presencia de Halle Berry , a la que recuerdo por su atormentado papel en Monster’s Ball,que le valió el oscar, o saliendo de las aguas playeras gaditanas, aunque representase parajes más exóticos, en un James Bond de Pierce Brosnan. Emuló a Ursula Andress en  Dr No, y su bikini no la dejó muy atrás, pero ahora en “Marea letal”, se la ve mucho más apagada y con falta de química, con  su pareja en la vida real, que es el protagonista, Olivier Martínez.

Resumo la película.  Chica ( Halle Berry) estudiosa de los tiburones, capaz de nadar junto a ellos sin ninguna protección. Claro, ocurre, que no todos los tiburones están por la labor y uno de sus colaboradores muere como consecuencia de un ataque.

Rompe con  todo y con todos, incluida su pareja (Olivier Martínez) y se dedica a ser guía turista, en su país Sudáfrica, enseñando los leones marinos a los escasos pasajeros que suben a su barco.

Está a punto de perder la embarcación por las deudas pero en eso aparece ,un  año después, su  ex pareja, acompañado por un multimillonario que le hace una oferta difícilmente rechazable y que hace que vuelva  a acercarse a los tiburones… Después ya podéis imaginároslo… Agua, más agua, olas, tempestades y por supuesto enormes tiburones que no nos hacen añorar el de Spielberg…

Dirige John Stockwell. Lo digo por si, en algún momento, se convierte en director de culto y nos pilla desprevenidos.

DÍAZ. NO LIMPIEÍS ESTA SANGRE

Esta semana hay dos películas que se refieren a conflictos sociales, a cuestiones que de una u otra forma afectan a toda la sociedad. Ya me he referido en este mismo blog( ver 8-04-13) a la película “Rebelde” que denuncia la situación de los niños-soldado, una realidad que es mirada con  cierta distancia desde Occidente, donde solo parece que  afectan las cuestiones directas.

Posteriormente he asistido al pase de “Díaz: No limpieis esta sangre”, que relata la brutal actuación de la policía italiana durante la cumbre del G. 8 en Génova durante 2001.

La policía italiana asaltó una de las sedes del Foro social, cumbre paralela al G8, que congregó a millares de manifestantes,  al considerar que los que estaban dentro eran miembros de  los grupos antisistema, y  no un grupo de unas noventa personas entre estudiantes ,en su mayoría extranjeros y  algún periodista que se preparaban para pasar la noche en la Escuela Díaz, ante la imposibilidad de encontrar otro tipo de alojamiento en la ciudad italiana

Preparados para el asalto

“Díaz: No limpieís esta sangre”, galardonada con los premios del Público en los festivales de Berlín y Valladolid, se inicia con la actuación de un grupo anti-sistema destrozando un banco y algunos coches. El director Daniele Vicari muestra la actitud violenta de los anti-sistema , censurable a todas luces, como contraste a la actitud de la inmensa mayoría de los jóvenes que se reunieron en Génova para mostrar su repulsa a la reunión del G8,  al considerarla ajena, junto al FMI y el Banco Mundial, a todos los problemas sociales que afectan a la humanidad como la pobreza, la violación de los derechos humanos o el creciente deterioro del planeta.  Vicari, que incluye imágenes reales en su película, describe lo que ocurrió desde el punto de vista policial; de los manifestantes; los periodistas y las víctimas a consecuencia de la actuación indiscriminada y violenta de la policía contra los jóvenes que asistían de forma pacífica al foro  antiglobalización.

Cuerpos golpeados.Misión cumplida

El director italiano describe como una botella lanzada contra una patrulla de policía, pocas horas después de que muriera por un  disparo el joven manifestante Marco Giuliani, fue la excusa que dio origen a una de las más violentas actuaciones de las llamadas fuerzas del orden italianas que, tras irrumpir en la Escuela Díaz, golpearon con saña a todos, hombres o mujeres, jóvenes o viejos ,estudiantes o periodistas. Muchos fueron hospitalizados y otros continuaron siendo vejados y golpeados en la cárcel a la que  fueron trasladados.

Para justificar lo injustificable la policía afirmó que eran integrantes de los grupos anti-sistema, el llamado Bloque negro, e  introdujo pruebas falsas en la Escuela Díaz, como barras de acero o herramientas, que después se supo pertenecían a la empresa que estaba restaurando el edificio, o dos cócteles molotov .

Querían más.Las torturas,las vejaciones siguieron en comisaria

Hay varias sentencias internacionales que condenan al estado italiano y siete años después de aquellos brutales sucesos un tribunal italiano condenó exclusivamente a 15 funcionarios por abusos de autoridad, violencia, ultrajes y torturas. El proceso sigue en marcha y todavía ninguno ha ingresado en prisión.

Daniele Vicari, como hiciera hace unos años Stuart Townsend con “Batalla en Seattle”, denuncia los abusos y la impunidad policial en la sociedad occidental. El cine contribuye a que no se olviden hechos como los relatados, calificados por Amnistía Internacional como la “suspensión más grave se los derechos democráticos en un país occidental, desde la finalización de la II Guerra Mundial” . “Díaz. No limpies esta sangre” es una película de ficción, aunque los hechos que relata no son imaginación fueron realidad .

NO LIMPIEÍS ESTA SANGRE

DOS MAS DOS.NUEVA COMEDIA ARGENTINA

El cine argentino suele tener buena respuesta entre los espectadores españoles…Estamos asistiendo a la irrupción de una nueva generación de cineastas que, en el terreno de la comedia, está dando buenos resultados como son las casos de Juan Taratuto ( “No sos vos. Soy yo”, Damián Szifron(“Tiempo de valientes”)  o el propio Diego Kaplan que se presenta ahora en España con “Dos más dos”. Un cine que entretiene pero algo alejado del calado social de otros realizadores de la generación anterior como Campanella, Burman o Carnevale,por citar tan solo a tres de los más conocidos entre nosotros.

“Dos más dos”,  de Diego Kaplan ha sido la comedia del año en Argentina y con ese referente llega a nuestras salas para narrar la historia de dos parejas, que superan los cuarenta y  que buscan nuevos alicientes en sus relaciones sexuales y de paso en su convivencia después de más de diez años de matrimonio….

CENA ENTRE AMIGOS

El director alude a una moda del siglo XXI, llamada el swinguerismo, el intercambio de parejas, que ya tuvo su experiencia allá por los años setenta en España, incluso con algunas películas como  “Frente al mar”, de Gonzalo García Pelayo. Con ese planteamiento vemos como dos parejas de amigos que se reúnen para ir al cine o para cenar los fines de semana deciden, después de muchas dudas, sobre todo por parte de uno, intercambiarse las parejas pero, eso sí, que cada uno vea lo que está  haciendo el otro. No hay trampas y no hay mentiras.

El resultado es una comedia de situaciones, con diálogos rápidos y divertidos y con un reparto que encabeza Adrián Suar, que es uno de los actores más populares de Argentina, sobre todo por series de televisión , y en particular del Canal 13, el de mayor audiencia en este país sudamericano y del  que es responsable de programación . Suar es el único de los cuatro personajes protagonistas  de “Dos más dos” que se muestra reticente al intercambio de parejas algo que se practica minimamente en Argentina pero como el propio Suar ha dicho la película utiliza este vehículo para hablar de un tema universal : las fantasías.

Los amigos son los amigos

Pues nada a entretenerse. Que yo sepa la imaginación todavía no está prohibida. Y si no, podemos irnos a 1969 y rebuscar en nuestra videoteca un título de Paul Mazursky. “Bob,Carol,Ted y Alice”. Ya,en aquel  tiempo tan lejano, las parejas tendían a agrandarse.

LA MULA y MARIO CASAS

El día 10 ,de este mes de mayo, se estrena  “La mula”,  tres años después de que se terminara su montaje. La película no tiene director porque el inglés Michael Radford ( El cartero) tuvo desavenencias con la productora  ,aunque dejó instrucciones precisas sobre las escenas que faltaban.

En esta rocambolesca historia apareció en escena, para acabar la película, un  nuevo director, con pasamontañas incluido, para que no se conociera su identidad. Después se ha sabido que era el francés Sebastián Grosset y para más “inri”, la mula Valentina, una de las principales protagonistas de la película, pasó a mejor vida , por lo que hubo que sustituirla.

Todos estos despropósitos culminaron en que Michael Radford se opusiera a la versión final del montaje y  consiguió que un tribunal inglés paralizase el estreno previsto para la Mostra de Cinema Mediterrani de Valencia de 2010. Ahora .la película, se ha presentado en el festival de cine español de Málaga como “sin director”.

Mario Casas y "Valentina"

Bueno, pues a pesar de todo ello tengo que decir que “La mula”  ha resuelto bastante bien las innumerables coces que ha recibido. Está basada en la novela del mismo título del escritor Juan Eslava Galán  que ha sido coguionista de la película y que ha querido contar la historia que vivió su padre durante la Guerra Civil.

Aunque por enésima vez una película española vuelve a tener como argumento la guerra civil, son pocas las que han utilizado el humor para narrar aquel conflicto que ha marcado nuestra historia. Por eso, salvando las distancias, “La mula” contiene elementos de” La  vaquilla” la película de Berlanga o de otras obras que han buscado un lado más humano de los dos bandos como aquella “Biba la banda”, de Ricardo Palacios. Y es que el humor, la comedia es también una manera de hablar de la tragedia.

  “La mula” se sustenta  en  el cabo Juan Castro, personaje que interpreta Mario Casas, un campesino  que  se ha visto abocado a enrolarse en el bando nacional, sin ser de derechas …Varios de sus amigos combaten junto al gobierno de la República y no puede sentirse enemigo de ellos. Es un joven con poca cultura, casi analfabeto, como muchos de los españoles de aquellos años, que  ayuda a sus amigos, sin importarles su condición  y que el hallazgo de una mula en tierra de nadie hace que se plantee protegerla para llevársela consigo una vez termine la contienda. 

María Valverde amor en la película y en la vida real

Sin que se deje de mirar en ningún momento la crudeza de la guerra,” La mula” nos permite  esbozar más de una sonrisa. Mario Casas crece como actor y yo no es solo un rostro y un ídolo para adolescentes. En el reparto le acompañan María Valverde, la chica de la que se enamora y que se convierte en otra de sus obsesiones más que el propio avance de la guerra o buenos secundarios como Secun De la Rosa. Con algún que otro fallo técnico y quizá del propio guión, ”La mula” nos acerca a la picaresca y la figura del antihéroe que  fue seña de identidad de muchos de los españoles que intervinieron en aquella  cruenta Guerra Civil.

LA NOSTRA VITA

 

Familia solidaria

Elio Germano,el protagonista de “La nostra vita” ganó la Palma de Oro al mejor actor en el festival de Cannes de 2010. Tres años después de su estreno llega esta película italiana que nos retrotrae en el tiempo a la época del neorrealismo italiano de los cincuenta y sesenta. El director de “La nostra vita” , Danielle Lucheti (“Mi hermano es hijo único”) refleja un drama de la gente corriente, del ciudadano de a pie que vive el día a día en la Italia de la crisis económica.

Mal que bien el protagonista, un encargado de obra , va saliendo adelante en compañía de su mujer  y sus dos hijos hasta que un accidente laboral y una más que inesperada tragedia personal van a cambiar su vida.

Tensión en la obra

Un drama social, con momentos tragicómicos ,y contado con mucha naturalidad  que describe la vida de este hombre, la solidaridad familiar y de unos pocos amigos y, al mismo tiempo la Italia de la corrupción, de los chanchullos en la construcción o de los inmigrantes  de los que nadie sabe nada de sus vidas.

Una propuesta interesante que no deja de ser completamente actual porque la crisis y la supervivencia es ahora más acuciante que hace tres años.

AYER NO TERMINA NUNCA: QUE RAZÓN TIENE

Isabel Coixet sigue concibiendo un cine de carácter íntimo y personal. La realizadora catalana estrena este fin de semana Ayer no termina nunca, que inauguró el festival de cine español de Málaga,hace siete días.

Las nueva película de Isabel Coixet ( MI VIDA SIN MI, Mapa de los sonidos de Tokio) es una obra de teatro en un acto.

iNCOMUNICACION DE UNA PAREJA

La realizadora cuenta exclusivamente con dos actores, Candela Peña y Javier Cámara que, en un escenario desnudo y vacío de cualquier emoción deja que sean ellos los que se vayan desnudando, recordando el pasado doloroso y una pérdida que nunca jamás podrán olvidar.

Cámara es un profesor universitario que vive en Alemania y que regresa a España para reunirse con su ex mujer a la que dejó cinco años atrás.

Estamos en la España de 2017,con siete millones de parados; el tercer rescate de la Unión Europea a España, Messi alcanzando su décimo balón de oro y los fichajes millonarios de futbolistas mientras la gente se pelea por alimentos en los cubos de basura. Nada nuevo, si vemos los últimos datos del paro y ese déficit que sigue lastrando nuestra economía y de paso a nosotros que somos los auténticos perjudicados. 

Uno de espaldas al otro

Esa crítica de Isabel Coixet a la situación que se vive en España tiene un carácter meramente anecdotico porque lo que busca es poner frente a frente a una pareja consumida por el dolor de la pérdida de un hijo y como sus relaciones se rompieron definitivamente. Coixet deja que fluyan sus sentimientos tanto los que expresan con palabras como los que guardan en su interior.

Como “¿Quién teme a Virginia Wolf?, “Días de vino y rosas” o “La guerra de los Rose”, la pareja es la única protagonista, aunque la estructura narrativa de la película resulte repetitiva, cansina y en muchos momentos excesivamente pretenciosa.

AYER NO TERMINA NUNCA me ha aburrido soberanamente y ni siquiera las buenas y no magistrales interpretaciones de Javier Cámara y Candela Peña me han sacado del tedio en que me sumí a los 20’ de metraje.

ALTA: EL ULTIMO PASE

ALTA cierra definitivamente. No es una noticia novedosa, ya lo sabéis, pero esta mañana he sentido una enorme tristeza cuando las chicas de prensa  me han confirmado que hoy era el último pase de la distribuidora.

Han tenido que pasar treinta años para volver atrás, para que las salas vuelvan a ser de arte y ensayo, un lugar pequeñito, para enloquecidos por el cine que simplemente buscaron y aún buscan algo diferente, algo que te haga salir de la sala preguntándote,cuestionado o dialogando algunas de las secuencias o el sentido de la película que acabas de ver. ALTA con 200 salas hizo que ese mundo no fuera tan pequeñito y ahora ha anunciado que apenas quedarán una veintena de cines.

Durante treinta años, siempre que otras actividades profesionales me lo permitían, he acudido a los cines Princesa a ver ese cine al que solo tenías acceso en algunos festivales. Latinoamérica, el mundo árabe, el cine asiático, los países del Este de Europa y por supuesto,muchos autores españoles,han llegado a nuestras salas gracias a ALTA y a otros distribuidores como Wanda,  Golem, Vértigo y Contracorriente que apuestan por esas otras cinematografías diferentes a las que se consumen entre palomitas y bebidas con burbujas y a las que hemos puesto gafas en tres dimensiones.

El cine independiente, el cine de autor está tocado. Las televisiones públicas están limitando cada vez más sus compras en beneficio del cine de Hollywood. El cine europeo y no digamos ya el de otras nacionalidades no tiene hueco en las televisiones y me temo que tampoco lo va a tener en las salas.

La muerte de ALTA es una estocada en todo lo alto a ese cine creativo y diverso que no se ha plegado a las majors. Van a acabar por no darnos opciones. Ya tenemos la dictadura económica y la cultural, y la cinematográfica en particular busca asentarse. Se eliminan cauces para la libertad de expresión. Está ocurriendo con las distribuidoras y las salas; ya ha ocurrido con algunos festivales de interés y otros como el de Lleida la Mostra Latinoamericana de Cataluña perviven gracias al esfuerzo de unos pocos. Estuve la semana pasada en la clausura de este certamen que nos ha traído lo mejor del cine latinoamericano…Ví tres películas la argentina “El último Elvis”, de Armando Bo,miembro de la tercera generación de cineastas del mismo nombre.La historia de un perdedor, la de un amante del mítico cantante que llega a sentirse él mismísimo Elvis; “La vida precoz y breve de Sabina Rivas”, basada en la novela “La mara” de Rafael Ramírez Heredia, habla de corrupción, trata de blancas y  maras en las fronteras de Guatemala con México y de este último país con Estados Unidos y finalmente “Mejor no hablar de ciertas cosas”, de Ecuador, que describe a una familia de la alta burguesía ecuatoriana y que resultó la premiada por el jurado., La primera de las citadas fue mejor opera prima mientras que la segunda obtuvo el premio del público. Pues bien quién va a poder conocer estas tres películas; quién con interés en conocer este tipo cine y no haya podido estar en Lleida va a tener acceso a las historias que nos relatan… Desaparecen las distribuidoras, desaparecen las salas y las televisiones, especialmente la estatal y las autonómicas que deberían ofrecer contenidos de servicios miran para otro lado, es decir a Made in USA.

Este es el mundo feliz que nos están diseñando… Gracias a todos y cada uno de los que habéis trabajado en ALTA por ese cine que nos habéis permitido conocer y os deseo la mejor de las suertes .

Y MÁS ESTRENOS:ESTO NO PARA

He visto alguna que otra película más durante la pasada semana pero no han tenido demasiado interés para mí. Se trata de “Un lugar donde refugiarse”, la última cinta del realizador sueco, cada vez más afincado en Hollywood, Lasse Hallstrom (La pesca del salmón en Yemen)…Rápidamente cuento que es la historia de una chica que sufre maltrato y que huye buscando justamente eso, un lugar donde refugiarse. 

Allí encuentra chico y algunos toques fantásticos que convierten a la última película del director de “Las normas de la casa de la sidra” o “Chocolate” en un relato empalagoso y previsible del primer al último fotograma.

No he visto ni la película brasileña “El payaso”, de la que tengo excelentes referencias , ni la española “La venta del paraíso” ni la última de Gus van Sant, ”Tierra prometida”, con Matt Damon, y si tuve la mala fortuna de acudir al pase de “Un verano ardiente” de Philippe Garrel, un realizador de culto en Francia, representante de una nueva, valga la redundancia, nouvelle vague, que ha pasado en nuestro país de refilón, en algunos festivales y del que no se ha estrenada nada comercialmente. En general me gusta el cine francés pero cuando te encuentras un filme trascendente te lo encuentras de verdad. “Un verano ardiente” es una historia acartonada y  antigua. Las relaciones de dos parejas de amigos, sus tensiones y sus pasiones; la falsedad del relato revolucionario cuando se aceptan las propuestas burguesas; la dejadez; la desgana de los personajes con que hace que los espectadores caigamos en el mismo desinterés que nos propone el director de la película. 

Mónica Bellucci,en un baile que quiere ser sensual

Para rematar el desaguisado, Mónica Bellucci, uno de los mitos del cine europeo, aparece en plena decadencia. Los años pasan para todos y para nuestra desgracia, Mónica Bellucci no es una excepción.

IN THE ROAD: KEROUAC AL CINE

IN THE ROAD

Reconozco que he ido con cierta prevención a ver In the road, porque como para muchos otros la novela de Jack Kerouac  fue una de las lecturas que nos marcaron en nuestra juventud,por ese espíritu de libertad, el deseo de cambiar y el empeño de ir contra lo establecido.

Las críticas en festivales no habían sido muy buenas y  de alguna forma, existía el miedo a que nos hubieran destrozado el mito. Tengo que decir que no ha sido así. In the road nunca superará a la novela original,pero si es un muy buen ejercicio cinematográfico.

La dirección del brasileño Walter Selles era,en principio,una garantía para mí. Sus dos películas más conocidas hablan de viaje tanto físico como interior. Estación Central de Brasil y posteriormente Diarios de una motocicleta fueron dos rotundos éxitos y In the road no desmerece a las anteriores.

Creo que Walter Salles capta el espíritu de la generación beat durante finales de los cuarenta y primeros cincuenta. Una generación desencantada, que tras la II Guerra Mundial, buscaba nuevas vías en la literatura, el arte o la música,como el jazz. Jóvenes que no aceptaban los valores estadounidenses clásicos como el dinero y el estudio para llevar una vida confortable. Esas reglas materialistas coartaban cualquier conducta individual.

Por ello Kerouac,Burroughs,Corso,Ginsberg y algunos más buscaron la espontaneidad, el diálogo apasionado, la sexualidad sin tapujos y la experimentación con las drogas. 

Todo ello queda reflejado en la película de Walter Salles que ha contado con actores no muy conocidos en los papeles protagonistas,como son los casos,de Kristen Stewart,Garret Hedlund o Sam Riley y estrellas de primera fila arropándoles en el filme como Viggo Mortensen,Kirsten Dunst,Amy Adams e incluso Steve Buscemi.

Los viajes por la América profunda, la explotación de los más débiles o las tradiciones o el puritanismo contrastan con las ansias de vivir de otra manera de los jóvenes de la generación Beat. Walter Salles ha sabido reflejar ese espíritu.

Quizá,en su contra hay que decir que alarga demasiado algunas secuencias,excesivamente repetitivas y que no aportan nada trascendente al desarrollo del filme que supera las dos horas y cuarto de duración.

LA CAZA: ACOSO A UN INOCENTE

La pederastia es uno de los delitos más execrables que existen. Es repugnante que un adulto  abuse de la inocencia de un  niño. ¿Pero qué ocurre cuándo un niño acusa injustamente a un adulto de abusar de él?

 Es tal el rechazo en nuestra sociedad  a un delito de este tipo que la más mínima sospecha puede acabar en un ejercicio de paranoia colectiva.   Las sospechas pueden crecer y crecer sin que nadie se plantee la inocencia del acusado.Se le juzga sin pruebas.  No dudamos de la  mentira de un niño y los adultos somos capaces de convertirla en la mayor de las aberraciones y  marcar para siempre la vida de un  hombre por muy inocente que sea. Hay miedo a tocar, a acariciar un  niño y lo que es un gesto de ternura pueda ser interpretado por algún descerebrado como un abuso.

“La caza”,la película del danés Thomas Vinterberg  no nos deja indiferentes. Los niños pueden configurar su propia fantasía a través de las señales que perciben que no son captadas por los padres cuando estas llegan de medios como la televisión o por supuesto  internet al que  tienen acceso a cada vez más temprana edad. La revolución tecnológica hace que soñemos de distinta manera y los niños, no son una excepción. Todo está en la red,por muchas trabas que podamos ponerle para proteger a los menores.

 Thomas Vinterberg  fundador del movimiento Dogma junto a Lars von Trier,  describe una auténtica caza de brujas contemporánea, en  una pequeña localidad  danesa, donde el tiempo parece que no trascurre y en el que cada día se asemeja al anterior. Mads Mikkelsen, al que acabamos de ver en “Un Asunto Real”, y que es uno de los actores europeos más reconocidos de la actualidad, interpreta a Lucas, educador en un centro de preescolar, que vive solo, tras su separación y que limita su vida al trabajo, la caza y las reuniones con sus amigos. Una niña que ha visto fugazmente imágenes pornográficas en un ordenador teje  una historia inconexa que la directora del centro le ayuda a concretar. Es realmente ella la que imagina y hace realidad lo que la niña le cuenta.

  Vinterberg(Celebración) ha contado una historia que podría haber trasladado a la pantalla hace diez años. Comentó que un conocido psicólogo danés se acercó a su casa para hablarle de los niños y sus fantasías  y  le entregó un informe que arrinconó y que no leyó hasta una década después cuando  tuvo que recurrir a un psicólogo y se  le ocurrió llamarle. Antes de la visita se sintió sorprendido y  fascinado por el informe que le había entregado y que acabó siendo el  origen de  la  película…

 “La caza”  es una película convincente que nos hará reflexionar, un filme que como Matar un ruiseñor,Mystic River,La calumnia o La duda habla de irracionalidad y fanatismo, conceptos que no parecen haber cambiado tanto en estos  tiempos de la sociedad tecnológica. Existe la caza de brujas y el acoso a los inocente y el cine, el buen cine, se encarga de recordárnoslo.